Acerca del metal clásico
Categoría: Entretenimiento y ocio gt; Música
Descripción del problema:
La banda "YES" utilizó directamente la música de la Cuarta Sinfonía de Brahms. que reúne música clásica y pop.
El grupo "Exquisite" apuesta por otro maestro de la música clásica, Dvořák, en su "Dvořák's Concept" "En el álbum no perdí tiempo para añadir una sección de música. "Concierto de Brandeburgo" de Bach.
"E-L-P" y "Orange Dream" ("Orange Dream" es una banda alemana) Allí, todos se interesaron por "Cuadros de una exposición" de Mussorgsky. "Orange Dream" utiliza música electrónica como la primera canción de su álbum que utiliza la obertura de "Pictures at an Exhibition" como una apertura alegre y entretenida; "E-L-P" simplemente usa música electrónica para presentar "Pictures at an Exhibition"; Pictures on the Top of the World" se reprodujo de principio a fin al estilo rock and roll.
Me gustaría saber qué cuatro álbumes, o qué cuatro canciones, se pueden escuchar online o descargar. Gracias a todos
Análisis:
Entre las bandas que mencionaste, solo YES es un gran nombre, y las canciones que mencionaste no son sus trabajos principales, simplemente lo usan. por diversión, por lo que es difícil de encontrar, pero puedo darte las URL de escucha en línea de estas bandas, que contienen sus álbumes verdaderamente valiosos, todos los cuales se pueden descargar:
vvpo/vvpo/ po_1134 (Este es SÍ) vvpo/vvpo/po_7616 (EL SUEÑO DE OFELIA)
vvpo/vvpo/po_5335 (Deberías estar hablando de ELO, no de ELP)
El otro" "Exquisito" No se puede encontrar, solo sé que su nombre en inglés es "THE NICE"
Sin embargo, creo que el cartel no debe dejarse influenciar por los llamados clásicos que circulan en Internet. Permítanme presentarles. you art rock y La historia del metal sinfónico:
El autor cree que la vanguardia/art rock se basa en el gran desarrollo de las bandas de rock británicas y estadounidenses a finales de la década de 1960 en términos de sus conceptos de trabajo y imagen general. En Europa, el estilo de música experimental basado en el concepto de espacio se convirtió en un estilo diferente, y más tarde fue una forma musical influenciada por la escuela de música nacional y la música moderna. He adoptado una definición aproximada: la generación anterior de art rock se basa en elementos de la música clásica y la literatura contemporánea, centrándose en el uso de conceptos de álbum, que representan E.L.P y el rock progresivo renacentista, es una fusión de jazz y psicodélico. rock, centrándose en El desarrollo de efectos de improvisación y nuevos sonidos, los representantes típicos son Yes y King Crimson. En las últimas décadas, los críticos musicales y los fanáticos de la música han clasificado cada vez más bandas diferentes según la región, la época y el estilo musical. Al igual que otros tipos de música, las hay eternas y las de corta duración. La llamada vanguardia rock and roll es en realidad sólo una forma ecléctica e imprecisa de expresión musical que fracasó debido a su búsqueda de comercialización y obsesión. Creo que esto puede explicar algunos fenómenos, pero no debería negar los esfuerzos de los músicos talentosos por expandir y profundizar continuamente la forma y la connotación de la música, y los resultados que han logrado. El punto clave sigue estando en si la música en sí puede seguir el ritmo de los tiempos y no ser eliminada por las nuevas tecnologías o las nuevas ideas. Porque los conceptos innovadores y las doctrinas teóricas siempre pueden verificarse o apreciarse y no pierden su valor con el tiempo.
¿Qué es el rock progresivo/artístico? ¿Cuándo empezó y quién lo definió? No hay una respuesta unánime para todos. Un punto de partida más convincente puede ser Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, lanzado por The Beatles en 1967, porque es el precursor del llamado "álbum conceptual".
A juzgar por la letra, va desde la canción principal (la preocupación oculta de dejar de ser popular) hasta Lucy in the sky with Diamond (la soledad que no se puede desahogar), When I'm sesenta y cuatro (una leve burla del amor verdadero). ), y finalmente la canción experimental The Finale, A day in life (un incidente súper alucinatorio que ocurrió en un día aburrido), conecta vagamente una escena para describir la aparición del síndrome de miedo a la obsolescencia o la soledad de la civilización moderna. Es inigualable en cuanto a la época, sin mencionar que en ese momento fue el primer trabajo que dedicó mucho esfuerzo a la portada del disco. La parte musical abarca desde sencillo rock pesado hasta suaves bocetos de canto, y finalmente termina abruptamente con una pared de sonido de piano que avanza capa por capa. Es como experimentar un deslumbrante caleidoscopio de viajes musicales, pero la seriedad del contenido hace que la gente no se atreva a mirar directamente.
En el mismo año (1967) se produjo otro logro extraordinario, que se conoce comúnmente como el Álbum Banana. The Velvet Underground también es pionera en música y conceptos en la costa este de los Estados Unidos***. No importa que sean los pioneros del rock alternativo. Durante su corta existencia de sólo cinco años, cada miembro tiene más logros y estatus en su futura carrera musical. En comparación con la elegancia o sutileza británica, VU prefiere ampliar el espacio en diferentes campos del arte de vanguardia (Avant-garde) con letras de ruido blanco experimental o humor negro más realistas y explícitas. Además del poderoso contraste de la música, los conceptos estéticos avanzados de Andy Warhol o el posicionamiento femenino del temperamento seductor (Lou Reed Nico) proporcionan un campo para el arte pop y el movimiento posfeminista. Frank Zappa y The Mothers of Invention continuaron teniendo la subversión como su misión. Lanzado en 1967, Freak Out! evolucionó desde un simple R&B y doo-wop cantando tontas canciones de amor hasta una larga e incongruente metáfora de collage musical sobre dilemas personales sobre la alienación social. Demuestra que la música rock puede tener temas muy serios, pero también puede expresarse de manera humorística y confusa. La organización compleja y desorganizada de la banda, pero contentarse con ella, es la sátira más profunda de la máquina estatal.
También hay mucha evidencia de que 1967 fue efectivamente el primer año del rock progresivo. Moody Blues de Birmingham, Inglaterra, pasó de ser una simple banda de R&B a ser pionera en la combinación de sinfonía y rock solo debido a un contrato involuntario con un estudio de grabación. Days of Future Pass avanza la secuencia de pistas según la hora del día y, lo que es más importante, invitaron a una orquesta sinfónica real para que los acompañara. El primer álbum de Jimi Hendrix Experience, Are You Experienced, mostró al mundo que la guitarra se puede tocar de esta manera. Si tienes paciencia, puedes escuchar sonidos que nunca esperaste escuchar. El primer álbum de Procol Harum, A Whiter Shade Of Pale, invitó a poetas con fuertes colores surrealistas a escribir letras para sus obras. Resulta que el rock and roll también se puede combinar con la literatura. Estrictamente hablando, Jefferson Airplane no es rock de vanguardia, pero se puede considerar que Surrealistic Pillow define la marca. El énfasis del rock psicodélico en la improvisación y los efectos escénicos ha inspirado el prometedor rock de vanguardia. Todos los trabajos anteriores fueron publicados en 1967.
A partir de 1967, la tendencia del rock and roll de vanguardia, radicada principalmente en el Reino Unido, se extendió sin control. Sí, es un buen grupo que merece una mención especial. Cada miembro tiene sus propios talentos, pero van y vienen muy difíciles de captar. Sin embargo, han continuado bajo el nombre original durante más de treinta años y su reputación sigue intacta. La descripción de los cambios de personal de King Crimson es lo suficientemente larga como para llenar un libro. Los instrumentos musicales han cambiado de instrumentos de viento a instrumentos de cuerda y de teclado en los primeros días, el estilo musical ha cambiado de jazz a heavy metal y la actitud ha cambiado. desde la experimentación sonora hasta la estructura de arreglos actual. Mientras la figura del alma de Robert Fripp parezca suficiente.
Durante la era de Peter Gabriel, los efectos escénicos de Génesis estaban llenos de interés y cada actuación sorprendía a la gente. Desafortunadamente, la gente a menudo pasaba por alto la música que creaban con una estructura rigurosa y una hermosa melodía. Originaria de Canterbury y pionera en los movimientos locales de jazz, folk y rock psicodélico, Soft Machine es quizás la banda de jazz-rock más subestimada de la historia. Habrá cambios de personal en cada álbum, pero todos tienen un estilo de improvisación y giros y vueltas de expresión. Sus miembros principales, Robert Wyatt y Kevin Ayers, todavía son respetados por la industria musical. Emerson, Lake y Palmer son un súper grupo compuesto por tres superestrellas famosas. Sus versiones de obras de música folclórica son bastante populares. Jethro Tull se basa en el blues y el hard rock, prefiriendo conceptos musicales profundos y misteriosos y, por supuesto, la distintiva flauta de Ian Anderson. A Vander Graaff Generator también le gusta jugar a las cartas sin seguir las reglas. La voz dramática e imaginativa del protagonista Peter Hammill es impresionante. La magnífica interpretación del piano de Renaissance y la vocalista soprano Annie Haslam tienen un sabor completamente diferente de la atmósfera masculina del rock en general. Gentle Giant tiene una habilidad para tocar sin límites y un canto británico histérico. Traffic crea una síntesis de psicodelia, música folk tradicional británica y jazz. Las orquestas del continente americano no ganan con actuaciones prolongadas o composiciones impredecibles, sino con la combinación de potencia explosiva e ingenio en la música misma. Rush, el explosivo trío canadiense, previó el nacimiento del metal progresivo, mientras que Kansas, Boston y Styx, de Estados Unidos, aspiraban a lograr un compromiso entre arte y negocios.
Europa continental, especialmente Alemania, también ha hecho muchas contribuciones al rock progresivo. Las bandas denominadas Kraut Rock incluyen a Can, que incorpora elementos de la música funky, Faust, un maestro del ruido experimental conocido como el underground de terciopelo alemán, Kraferk, que previó el nuevo estilo romántico de música dance con teclados de los años 80, y Tangerine Dream, un pionero de la música electrónica y ambiental. Desde su temprana exploración del uso de instrumentos sintéticos hasta su concepto único de combinar jazz y arreglos minimalistas, se convirtieron en la inspiración del post-rock posterior. También hay algunas fronteras europeas menos convencionales que realmente merecen nuestra atención, como Focus, una banda puramente instrumental de los Países Bajos que toca mucho jazz y rock, Earthamp Fire, Harmony, que combina bel canto de soprano y; Experimentos de efectos de sonido de instrumentos. El arreglo es muy similar al de los primeros Yes. El Univers Zero de Bélgica tiene un poco de minimalismo y sobriedad gótica. Hay un grupo de interpretación sinfónica de larga data en Francia llamado Fusion, que evolucionó hasta convertirse en Shylock, y Gong, un grupo multinacional que también incluye a ex miembros de Soft Machine, también toca jazz fusión. Y el legendario grupo Magma, liderado por el baterista y compositor Christian Vander, se infiltra en el espíritu compositivo de Bartok y Stravinsky y en el estilo de improvisación de John Coltrane a mediados de los años 1960. El verdadero significado de Magma sólo puede verse en presentaciones en vivo. Muchos compositores académicos también se han inspirado más o menos en la cultura de la música rock o en el movimiento de vanguardia. Desde la década de 1970, la música de vanguardia ha añadido diferentes posibilidades mediante la colisión de otras formas de expresión artística (cine, teatro, etc.). . Quizás ya no se llame rock and roll. Diversos crossovers, la reproducción de la estética de Goethe o el minimalismo que enfatiza la estética simple hacen que el estilo musical existente sea cada vez más difícil de clasificar. Para este último, Tubular Bells de Mike Oldfield y Music For 18 Musicians de Steve Reich pueden servir como puntos de referencia.
El autor también quiere hablar de otra cosa que tal vez no se llame rock de vanguardia, pero a los fanáticos de la música de vanguardia les gusta incluirla en la discusión, que es la llamada música de fusión que se principalmente mezclado con rock (FUSION). Miles Davis lanzó varios álbumes de jazz fusión clásico a finales de la década de 1960, tratando de superar las dificultades del jazz temprano. Permitió a los músicos de jazz tradicionales comprender que el jazz conectado podía ser a la vez dinámico y creativo. Desde entonces, muchos músicos del Miles Davis Quartet se han embarcado en el camino de la experimentación. Quizás se deba al inevitable camino de desarrollo de la música jazz después de experimentar experimentos en forma y connotación como el Be-Bop y el Free-form, o puede ser la manifestación rebelde de muchos maestros que se unen al mercado comercial. Pero siempre he creído en la inevitabilidad de la existencia del primero. Al menos antes de mediados o finales de los años 1970, un grupo de destacados actores de la fusión buscaban posibles vías de desarrollo. En términos de estilo musical, puede ser una fusión de música latina y rock impactante, así como Chick Corea y Return to Forever, que son a la vez racionales y emocionales. El guitarrista John Mclaughlin, tan famoso como Jimi Hendrex, y la gran orquesta Mahavishnu que dirige son nombres aún más influyentes, desde el blues rock hasta la combinación con una orquesta sinfónica y, finalmente, añadiendo música india. También está Weather Report, un grupo estelar y pionero que toca notas pop, pero la naturaleza pionera de sus primeros álbumes es igualmente fascinante. Hay otros grupos interesantes, como Lifetime, liderado por el talentoso baterista Tony Williams (que falleció hace apenas unos años), Eleventh House de Larry Coryell, que es bueno con la guitarra acústica (toda la familia toca música), y otros grupos de Oregón y más allá. Oregón, famoso por su fusión de músicas del mundo, es bueno interpretando la vitalidad de la música rock y la comodidad del jazz. Por supuesto, también hay excelentes habilidades para tocar, lo cual es una lástima que los fanáticos del rock a quienes les gustan los estilos especiales no lo escuchen.
En Asia, Japón, la segunda economía más grande del mundo, también tiene un grupo de personas que han creado muchas cosas nuevas en la línea entre la creatividad y la rareza. En el lado más convencional, Happy End, fundado por Hosono Haruomi, Matsumoto Takashi, Suzuki Shigeru y otros, fue el primer grupo mágico en combinar sonidos de baladas japonesas con presentaciones de rock occidental, seguido por Lin Li Husband, Masataka Matsutoya y otros; Tin Pan Alley, grupo indefinido con la comedia experimental como misión, ha lanzado una serie de álbumes de funky jazz con un fuerte estilo subtropical. Más tarde, junto con Ryuichi Sakamoto y Yukihiro Takahashi, formaron el trío electrónico Yellow Magic Orchestra, que ocupa el segundo lugar después de Kraferk en términos de profundidad creativa y gracia experimental. Los estilos de los álbumes de Hosono después de su carrera en solitario son aún más deslumbrantes. Desde los años 80, cuando reemplazó la banda sonora de la película animada Source Story, hasta los años 90, cuando se transformó en música ambiental y techno de baile, su condición de pionero es incuestionable. Por otro lado, representando la herejía, el sello alternativo de Tokio, P.S.F., se especializa en lanzar trabajos de ruido psicodélico pesados que son demasiado ruidosos para matar. Invariablemente estuvieron influenciados por el Kraut Rock y el Space Rock europeos y americanos de la década de 1970, y agregaron una atmósfera extraña y misteriosa de concepción artística oriental al diseño de la portada y al uso de los instrumentos. La delegación incluía a Oriental Sara, High Rises y Acid Mothers Temple. , Música Transonic (Nanjo) Asato Kawabata Yoshida Tatsuya). Otros monstruos ruidosos extremadamente aterradores que se han hecho muy conocidos en Occidente incluyen Ground Zero (Otomo Yoshihide), Merzbow (Akita Masami) y Haino Keiji, que tiene una larga lista de trabajos.
La primera generación de rock progresivo evolucionó desde los intentos de un grupo de músicos académicos a mediados y finales de los años 1960 hasta la contienda de un centenar de escuelas de pensamiento en los años 1970, y finalmente decayó debido a la ascenso del punk. Puede haber razones para la falta de creatividad, pero aparte de la actuación a largo plazo de una sola banda, ha habido estrellas en ascenso que han intentado hacer de la creación su carrera. Quizás el estilo musical definido haya cambiado, pero el espíritu no cambiará.
El autor cree que no fue porque este estilo de música fuera despreciado y perdiera vitalidad por no ser innovador, sino porque fue provocado por otro tipo de reacción contra los valores musicales de aquella época. Cada estilo musical generalmente tiene su propio ciclo de vida, y el final de una etapa se produce por cambios en las tendencias sociales de ese momento. Durante este período de desarrollo de más de diez años, ha habido muchos experimentos, el uso de diferentes instrumentos nuevos, varios estilos de fusión, la expansión de la estructura musical y el uso de álbumes conceptuales nos ha traído a innumerables fanáticos de la música nuevos conceptos y. frescura. Por lo tanto, también proporcionan la fuente de creatividad para las tendencias musicales posteriores.
Después de la década de 1980, los antiguos grupos Yes, Kansas, King Crimson y Pink Floyd continuaron lanzando álbumes. Si miramos la tendencia longitudinal del tiempo, es posible que no consigan abrirse paso y abrirse. nuevas situaciones. De un corte transversal, el llamado rock neoprogresista que surgió en ese momento, como IQ, Marillion y Pallas, también aparecieron uno tras otro y reaparecieron en un corto período de tiempo, como si fuera el renacimiento de la dinastía vanguardista; la evolución desde los años 90 hasta la actualidad parece decirnos que fue sólo una onda temporal, y ahora lo que más está de moda es la posibilidad de romper las barreras de varios estilos musicales para luego reorganizarlos y combinarlos; . El uso de instrumentos electrónicos sintetizados, de ingeniería de mezclas (ambient o big beat o technno o trance), neopsicodélicos (neopschedélicos) y que no se pueden clasificar de ninguna manera se pueden etiquetar simplemente como post-rock (post rock). Pero ¿quién puede garantizar la tendencia vanguardista de fin de siglo? Creo que la música de vanguardia no está muerta, solo están los cambios en las técnicas experimentales y las tendencias populares. Aunque no son la corriente principal del mercado, la mayoría de ellos siguen avanzando paso a paso.
Lo último que quiero mencionar es el auge del metal progresivo en el círculo de vanguardia en los últimos años. De hecho, las obras de metal que pueden integrar ampliamente varios estilos musicales o dar conceptos complejos son las que hacen las obras de metal. La gente está deseando que llegue. Hoy en día, cuando la música rock ya no domina la música popular, el metal progresivo, que en teoría debería ser más moderado, tiene un gran número de seguidores acérrimos en todo el mundo. La mayoría de estas bandas son inseparables de influencias como Rush, Queen, Genesis, etc., pero la mayoría de ellas pueden crear obras más poderosas que tengan en cuenta la estructura narrativa. Lo que es aún más especial es que muchos grupos con características regionales pueden desarrollar sus propios sonidos locales y ocupar un lugar en el mercado, como Europa Central y del Norte, Europa del Sur, América del Sur, Asia Oriental, etc., que son muy diferentes a los lugares de nacimiento tradicionales de Gran Bretaña y Estados Unidos, haciendo que su música metal sea espontánea en una sola grilla. El énfasis en la perspectiva multicultural se debe al desarrollo de los medios de comunicación y al desdibujamiento de las fronteras tangibles. Esto también puede reflejar la predicción de Marshall Mcluhan sobre la Aldea Global. Por supuesto, el éxito a largo plazo depende del desempeño de las orquestas.
Una pregunta que necesita ser discutida urgentemente es: ¿qué tipo de arte tiene el art rock o tiene algún valor? Inicialmente, algunas bandas de art rock simplemente imitaban las obras de músicos clásicos, como Grieg, Bach, Brahms, Debussy y otros. Usaban la forma de música rock para agregar música orquestal detrás de la guitarra, el bajo y la batería, o usaban sintetizadores electrónicos para hacerlo. Imita la música orquestal y utiliza la enorme estructura de la música clásica.
Esta parece ser una manera muy fácil de convertir el rock en arte, pero al final solo deja a la gente con la sensación de ser arty. Apareció en los primeros trabajos de bandas como Yes, ELO y Deep Purple.
Por último, permítanme presentarles a Brahms:
Brahms (De Brahms. Lohannes, 1833-1897), conocido como "neoclasicista", estaba muy interesado en las formas tradicionales. diferente de la innovadora escuela de música romántica. Sus cuatro sinfonías suponen un retorno a la música clásica en cuanto a estructura y tratamiento de las ideas musicales. Las obras rara vez utilizan títulos, adoptan la forma de la música clásica y el contenido de la música romántica, y tienen la dualidad de la música clásica y la música romántica.
Sus creaciones estaban dedicadas a la música clásica y estaban más cerca del espíritu de Beethoven que cualquiera de sus contemporáneos. Fue el último compositor alemán de música clásica. "Eliminó implacablemente todas las decoraciones suntuosas y la retórica vacía de sus obras instrumentales, y se opuso particularmente a los sonidos sensuales, coloridos y hermosos de la música orquestal moderna. Dio pleno juego a la polifonía y las técnicas de variación, y los temas principales a menudo se originaban en ' fijación '. La "Música", al desarrollar ideas musicales fijas, utiliza la variación, una de las técnicas importantes de la música clásica, para agregar un factor nuevo y cohesivo a la estructura de la sinfonía. Su sinfonía conserva las modulaciones y modulaciones de Beethoven. Estos principios obviamente faltan en la verdadera sinfonía romántica" ("Historia de la cultura musical occidental en el siglo XIX", págs. 219, 250). Brahms compuso cuatro sinfonías. La estructura y los temas de cada movimiento son similares a la música clásica, mientras que la melodía amplia y lírica, el temperamento poético narrativo extraño y fantástico y su exitoso uso de la armonía y los colores orquestales se basan en su música romántica. Sus habilidades resuelven brillantemente la contradicción entre el lirismo y la forma de la música clásica.
Finalmente, personalmente prefiero el metal sinfónico. Busca a THERION en la página web que te di, el creador del metal sinfónico y una de mis bandas de metal favoritas.