Pintura al óleo europea del siglo XIX: ¿del mito del paraíso al amor verdadero en la Tierra (5)?

Esta pintura representa un día soleado en la isla de Grande Jatte en Ounières, cerca de París, mientras los turistas se reúnen para tomar el sol en el bosque a lo largo del río. Algunas personas caminan, otras están tumbadas en el césped y otras pescan junto al río. En primer plano, una gran área de tonos verde oscuro indica sombras, y en el medio hay tonos amarillos brillantes, que muestran la fuerte luz del sol de la tarde, y la hierba es de color amarillo verdoso. La luz del sol se filtra a través del bosque y proyecta sombras sobre la hierba, claramente definidas por el color. La ropa roja y blanca, las sombrillas y el césped adquieren un color amarillo vaporoso. Los puntos de color se cruzan y hacen eco entre sí, creando el efecto de una alfombra decorativa.

Los personajes del cuadro también son muy divertidos. No podían ver la cara o los rasgos faciales con claridad, e incluso el contorno mismo estaba borroso por pequeños puntos. Todo parece borroso.

Todo el proceso de creación de esta pintura se divide en cuatro pasos: (1) usar el boceto para contrastar el boceto de color claro y oscuro; usar el boceto como fondo de organización principal; Hice más de 20 bocetos antes del manuscrito y hay innumerables bocetos. Esta pintura fue creada entre 1884 y 1886.

El pintor estuvo un año entero contando sus puntos. Tan pronto como este cuadro apareció en la VIII Exposición de Arte Impresionista, inmediatamente suscitó repercusión social, con ataques y elogios sin fin. Algunos escribieron que era una muestra de un nuevo estilo, mientras que otros lo llamaron una extraña combinación de infantil y pedante. En definitiva, este refrescante método pictórico es esencialmente la influencia nociva del positivismo filosófico en la práctica artística de aquella época.

Mujer tahití francesa Gauguin

Gauguin comenzó a pintar en 1873, coleccionando obras de pintores impresionistas. Las primeras pinturas de Gauguin son experimentales y formales, y recuerdan la obra de Pissarro bajo la influencia de la Escuela de Barbizon. A principios de los años 1980, Gauguin relajó y amplió sus pinceladas, dando a las pinturas un carácter rítmico tembloroso.

Mujer Tahití Gauguin

La imagen utiliza una gran área de bloques de colores planos pintados, desde amarillo hasta varios tonos de verde, para expresar la belleza de las dos mujeres en la estructura del color. . Aunque se trata de una forma lineal, la cabeza y los brazos del personaje se expresan con sutiles cambios de luz y oscuridad, apareciendo en el fondo como un bajorrelieve. La fuerte luz del sol en la pantalla de la mujer tahitiana hace que el color bronce de los indígenas, las frutas rojas brillantes, la falda verde manzana y el fondo oscuro formen un fuerte contraste. Gauguin hizo todo esto infantil en su creación. Los colores son tan brillantes y puros, como un resplandor deslumbrante. Su decoración resalta la atmósfera de la dura vida tribal y le da al cuadro un estilo especial. Sus técnicas de color tuvieron una gran influencia en el fauvismo posterior.

Los girasoles de Van Gogh en los Países Bajos

Los girasoles se producen en el soleado sur de Francia. El pintor es como una llama ardiente, llena de pasión ardiente, haciendo que la pincelada esté llena de movimiento y aparentemente gire espesa y poderosa, y el contraste de color es simple y fuerte. Sin embargo, en esta pesadez y sencillez, está lleno de sabiduría y aura. Al ver esta pintura, los espectadores se sienten conmovidos por los emocionantes efectos visuales, sus corazones tiemblan, su pasión surge y todos están ansiosos por intentarlo, integrándose con los ricos sentimientos subjetivos de Van Gogh. En resumen, el "Girasol" de Van Gogh no es sólo una planta, sino una vida con impulso y pasión originales.

El arte de Van Gogh es grandioso, pero no fue reconocido por la sociedad durante su vida. Sus obras contienen un profundo sentido de tragedia. Su fuerte personalidad y su búsqueda única de la forma estaban muy por delante de su época y, de hecho, era difícil ser aceptado por la gente de la época. Usó el entorno para captar el objeto y volvió a cambiar la realidad para lograr la verdadera realidad, lo que contribuyó al nacimiento del expresionismo. Cuando la gente más lo malinterpretaba era cuando más confianza tenía en sus creaciones, por lo que dejó obras de arte permanentes. Influyó directamente en el animalismo francés y el expresionismo alemán, e incluso el retrato abstracto lírico que surgió a principios del siglo XX estuvo influenciado por él.

Picasso, una niña de Aviñón, Francia

Picasso, una niña de Aviñón

En la historia del arte moderno, "Las señoritas de Aviñón" de Picasso Considerada la obra pionera del cubismo.

Desde finales de 1906 hasta principios de 1907, Picasso pintó el primer boceto de un extraño cuadro, que más tarde se convertiría en "Las señoritas de Aviñón". Su elaborado proceso de concepción es similar al de Leonardo da Vinci en Italia y al de Jericó en Francia. A principios del verano de 1907, finalmente puso la pluma sobre el papel y el lienzo.

Nació la pintura, y su poder para reflejar la realidad no tenía precedentes, incluso tan profundo como la teoría de Einstein al mismo tiempo. Esta pintura es un punto de inflexión entre el pasado y el futuro, y el siglo XX en el sentido cultural comienza con este año. Después de eso, Schoenberg escribió la famosa canción "Expectation" en 1909, Stravinsky comenzó a escribir la famosa canción "The Rite of Spring" en 1914 y James Joyce comenzó a escribir "Ulysses" en 1914. Por aquel entonces Picasso ya se había adentrado en la pintura tridimensional.

Cinco mujeres rosas desnudas te miran fijamente con grandes ojos negros. Estaban rodeadas de tela plateada y azul, y dos de ellas levantaron los brazos para resaltar sus pechos. Las otras tres personas tenían máscaras en la cara. Entre ellos, hay una persona parada en el lado izquierdo de la imagen con una máscara marrón y dos personas a la derecha con máscaras africanas. Un hombre se levantó detrás de un gran trozo de tela y el otro se agachó. Hay fruta en un plato: un melón, dos racimos de uvas, una manzana y una pera.

Este cuadro de desnudo no tiene muchas curvas, los codos son como cuchillos, las caderas y la cintura son geométricas y los pechos son como triángulos. El cuadro parece un cuadrado (en realidad mide unos centímetros más de alto que de ancho) y llama la atención su sensación de espacio y simetría, con un movimiento perpetuo.

"Les Demoiselles d'Avignon" hace que la gente sienta que Picasso nunca la ha pintado. Un historiador del arte incluso dijo que durante el proceso de gestación de medio año, se produjeron cientos de óleos y bocetos para este cuadro, que no sólo marcó un récord en la carrera artística de Picasso, sino que tampoco dejó ningún otro cuadro en la historia del arte. . Picasso sabía que estaba creando una obra grandiosa, incluso revolucionaria.

Picasso se inspiró en la escena del burdel e iba a añadir un cliente: un marinero o el propio autor. Pero es difícil describir simplemente el significado de la pintura del Museo de Arte Moderno de Nueva York, reconocer que las cinco figuras son prostitutas o darse cuenta de que la pintura representa los miedos masculinos. Es necesario alejarse más o nublar la visión para ver claramente el propósito de la pintura. Al mirar esta pintura, tus pensamientos y ojos seguirán moviéndose y no podrás obtener una respuesta definitiva.

La razón por la que las máscaras africanas se pueden utilizar como accesorios en esta pintura es por su disfraz, que puede convertir a las personas en animales, demonios o dioses. El modernismo es un arte con máscara. No te dice lo que significa. No es una ventana, es una pared.

Picasso quiso utilizar este cuadro para ilustrar que la originalidad artística no tiene nada que ver con la trama y la moral, sino que tiene que ver con la creación formal. Les Demoiselles d'Avignon se disfraza de obra sobre burdeles, prostitutas y colonialismo. La tragedia de los siglos XVIII y XIX fue la pérdida de la creatividad, en marcado contraste con la obra de Miguel Ángel en el Renacimiento. Lo que hizo Picasso fue intentar desesperadamente revertir esta situación.