¿Cómo se desarrolló la pintura francesa en los siglos XVII y XVIII?
Vouet (1590-1649) vivió en Italia durante 13 años. Después de su regreso, se convirtió en el pintor principal de Luis XIII y creó numerosos murales en Champaña, Saint-Germain-en-An y Fontainebleau, Francia. Podemos ver sus colores brillantes y ricos, su gran vigor, su elegante ritmo circular y su armoniosa forma plisada en "Plenty", "Worship at the Temple" y "Sacrifice to the Temple" existentes en el Louvre.
Poussin (1594-1665) viajó a París para estudiar escultura y pintura a los 18 años, y se instaló en Italia a los 30. En 1640, fue invitado a regresar a Francia para pintar el Palacio de Fontainebleau y la Catedral de Saint-Germain. Se desempeñó como pintor jefe del palacio y dirigió los trabajos de decoración del palacio. Sin embargo, la hostilidad y la actitud poco cooperativa del pintor francés finalmente lo hicieron enojar. Obras como "El arranque de los cabellos de las sabinas", "El rescate de Moisés" y "La inspiración del poeta" nos hacen sentir que este maestro clásico no sólo admiraba el arte antiguo, sino que también supo descubrir el belleza de la naturaleza. Obedecer los sentimientos y respetar la teoría; tener habilidades hábiles y un gran entusiasmo. "El pastor de Arkady" se centra en una losa de piedra con una inscripción que señala que este es el paraíso legendario. Varios pastores que intentan identificar la escritura están de pie o arrodillados. La composición circular permite que el cuerpo humano y el elegante paisaje formen un mundo poético y armonioso. La obra más destacada de Pushan en sus últimos años es el paisaje histórico "Cuatro estaciones". Entre ellos, "Invierno" selecciona hábilmente la escena bíblica de la inundación, y las personas que luchan por escapar intensifican la atmósfera fría y miserable. Este pintor considerado el más ortodoxo es en realidad el innovador más valiente. Su estilo pictórico, que combina escenas con un significado profundo, así como el elevado ámbito ideológico reflejado en sus pinturas, es digno de ser un modelo para todos los pintores de esa época.
Le Sueur (1617-1655) hace difícil creer que nunca fue a Italia. De hecho, nunca abandonó Francia. Quizás por eso sus obras tienen ese tipo de sencillez y naturalidad que hace que la gente se sienta accesible. "The Gathering of Friends" tiene el encanto de Caravaggio en la interpretación de la atmósfera, y "The Three Heroes" tiene la belleza de Karachi. Delacroix lo dijo bien: "Es extremadamente difícil imitar la elegancia y la sencillez de Lexel, como lo es imitar el encanto y la plenitud de la composición de Poussin".
Le Brun (1619-1690) desempeñó un papel importante papel incomparable en la creación de un estilo artístico unificado en Francia. 65,438 A los 05 años fui al estudio de Weier y a los 23 años fui a Roma con Susan. Bajo la guía de los dos maestros mencionados anteriormente, rápidamente dominó la esencia de las técnicas pictóricas de esa época. Su representativo óleo "El Ministro Seger" es majestuoso. La persona en la pintura está orgullosa de la brisa primaveral, elegante y lujosa, con ropas preciosas y monturas preciosas. Las dos filas del séquito del lado del caballo están bien proporcionadas y las expresiones dinámicas son cambiantes. Ya sea la visita del pastorcito o la del gigante Alejandro y Poros, demuestra que el pintor maneja bien escenas con muchos personajes. Mientras se desempeñaba como pintor jefe de la corte, también dirigió la Academia de Bellas Artes y la Fábrica de Tapices de los Gobelinos, presidió los trabajos de decoración del Salón de los Espejos del Palacio de Versalles y el Salón Apolo del Louvre, y estableció un modelo basado en El clasicismo pushiniano de Italia. El estilo oficial que se nutre del arte barroco
En sus últimos años, Le Blanc, que originalmente estuvo lleno de honores, fue eclipsado por la aparición de Mignaxd (1612-1695). A su regreso de Italia, la estrella en ascenso se hizo famosa por sus retratos de mujeres y sus grandes pinturas en el techo. Su cuadro "El paraíso en la iglesia de Valdegrass" tiene más de 200 figuras y es la pintura de techo más importante de Francia en el siglo XVII. "La Virgen de las Uvas" está escrita con mucha delicadeza y la dignidad y pureza de los personajes no son muy diferentes a las de Rafael.
En comparación con los pintores antes mencionados, Valentine (1591-1634) e Ijatour (1593-1652) estuvieron más influenciados por Caravaggio. Valentín se fue a Italia cuando era muy joven. Pintó sombras espesas de negro e insertó músicos, guardias, jugadores y gitanas. El rico sabor de la vida y la hermosa y sencilla impresión que despiertan en los corazones de las personas no tienen paralelo en las reuniones a las que asisten los adivinos y los conciertos. "El juicio de Salomón" retrata vívidamente al rey Salomón, una madre pálida y asustada, un bebé extremadamente asustado y un guerrero valiente que prestó mucha atención a las reacciones de dos mujeres. Latour utiliza la luz de las velas y las antorchas como núcleo de su expresión artística, llena de originalidad y misterio. Su composición sorprende a menudo, al igual que la sencillez de su técnica. "Madeline delante de la lámpara", con su rostro pensativo y sus manos sosteniendo una calavera, representa el duelo entre el bien y el mal, que aparece especialmente vívido en la oscuridad. San José el Carpintero utiliza una perspectiva amplia para resaltar la cabeza inclinada y las manos duras del carpintero, dejando todo lo demás enterrado en las sombras. La cara casi plana de un niño que sostiene una lámpara hace que la imagen sea extremadamente extraña y sencilla. "La viuda Elena cuidando a San Sebastián" es una de las últimas obras del artista. La túnica azul parecía temblar en tonos de fuego. El tratamiento artístico conciso y abstracto y la disposición diagonal dinámica de la luz y la oscuridad hacen que la atmósfera sea trágica al extremo.
Los representantes de los pintores franceses más fieles a la tradición y no influenciados por Italia deberían recomendar a Champaign (1602-1674) y a los hermanos Lernain (Antony, 1588-1648; Louis, 1593-1648; Matthew, 1607-1677). Nacido en Bruselas, Champagne se instaló en París en 1628 y se convirtió en pintor de la reina. Sus retratos son rigurosos, poderosos y vívidos, atrayendo la atención de la clase alta. El retrato de un hombre y la hija del pintor, expuesto mágicamente en el Louvre, continúa la tradición establecida por Chloë y su hijo. Los hermanos Renan vivieron en la granja de su padre cuando eran jóvenes y tienen un profundo conocimiento y sentimientos especiales por el campo. A menudo pintaban juntos, firmados por Renan. Entre ellos, Louis logró el mayor éxito. Sus toscas imágenes campesinas y su sencillo entorno rural irradiaban un encanto encantador. Aunque "Farmhouse Meal" y "Farmhouse Fun" no son coloridas, son muy conmovedoras. Excepto los maestros del realismo del siglo XIX Millais y Corot, se puede decir que nadie puede igualar la sencillez de la técnica y la emoción sublime del pintor. La herrería y el paseo en carruaje (el cuadro puede haber sido pintado por Anthony) organizan la luz al azar según las necesidades del cuadro, similar a "La Ronda de Noche" de Rembrandt.
Lorena (1600-1682) vivió una vida pacífica en Italia, y sus pinturas eran tan pacíficas y claras como otras. El nivel del mar abierto siempre deja una gran posición para el cielo, mientras que el plano cercano siempre muestra una playa a contraluz con edificios románicos, barcos y personas. "Cleopatra" aterriza en Tulsa, "Ulises" devuelve a Chrissy con su padre y "Boarding in St. Paul" son todas del mismo color. Las tranquilas y hermosas imágenes son agradables a la vista.
El liderazgo de la pintura francesa en el siglo XVIII se reconoce porque sus pintores captaron el espíritu de la época. Entrar en la próspera Europa requirió una comunicación cortés con las mujeres, modales inteligentes y divertidos y un estilo artístico más relajado.
El arte erótico conocido como rococó dominó la primera mitad del siglo XVIII. Se centra en la vida hedonista de hombres y mujeres de clase alta, representando mujeres desnudas o semidesnudas y decoraciones exquisitas y hermosas. Las amantes de Luis XV, Madame de Pompadour y Madame du Barry, dominaron la corte e hicieron del embellecimiento de las mujeres una tendencia artística abrumadora. Por un lado, es inevitablemente llamativo, pretencioso y carente de poder divino; por otro, la ligereza y elegancia del estilo francés liberan completamente la pintura de temas religiosos; Escenas placenteras, íntimas, confortables y lujosas sustituyeron al doloroso martirio de los santos, dando así un gran paso adelante en el reflejo de la realidad. Sus principales representantes son Eduardo, Boucher y Fragona.
Wateau (1684-1721) provenía de una familia pobre cuando era joven y se ganaba la vida entregando cuadros a marchantes de arte. La isla Fazhou Xitai fue un punto de inflexión en su vida. Representa a un grupo de amantes que abandonan la mítica Love Island y regresan a la vida real.
Los gestos de cada personaje reciben significados simbólicos relacionados con el amor. El pintor controló sus emociones con razón y utilizó maravillosos colores en su pincelada, estableciendo así una imagen típica de mujer delicada y esbelta. La mayoría de las obras de Eduardo se basan en el drama, pero Gesang Painting Shop es una excepción. Esta obra maestra fue pintada en unos pocos medios días para "mover los dedos" y servir como cartel para el taller de pintura de su amigo en el puente de Notre-Dame. Hay personas de diferentes ámbitos de la vida en la pintura, el ajetreo y la seriedad de los vendedores y la concentración de los compradores son extremadamente vívidos. Refleja un aspecto de la vida social tan fielmente que cuando la gente ve la pintura al óleo en la caja, inevitablemente pensará en el fin del gobierno del "Rey Sol". Otro cuadro de Eduardo el Payaso se utilizó originalmente como cartel. El protagonista del cuadro es un actor de una compañía de teatro ambulante. Está vestido de blanco y su apariencia entumecida oculta su tristeza interior. A partir de esta pintura, podemos entender por qué el arte de la música ligera de Watteau siempre tiene un toque de tristeza, y su profunda simpatía por los actores y todos los artistas que se burlan de la gente es la razón por la que Watteau ocupa un lugar destacado entre otros pintores rococó.
Boucher (1703-1770) es conocido como un niño prodigio. Después de regresar de Italia, fue muy apreciado por Madame Pompadour y sirvió sucesivamente como profesor en la Academia de Bellas Artes, pintor jefe de la corte y director de la Fábrica de Tapices Gobelins. Todo fue viento en popa. Es experto en pintura y puede pintar rápidamente. Tiene muchas obras a gran escala y puede utilizar colores brillantes y técnicas novedosas para pintar maravillosamente los temas de la mitología clásica. El cuerpo femenino pintado en "Diana bañándose" es brillante y deslumbrante contra el paisaje. La técnica de debilitar el contraste entre la luz y la oscuridad y mejorar la transparencia de los colores en los bocetos inspiró en gran medida a los impresionistas posteriores. "Nude (Miss O'Morfi)" es atrevida y sensual, y el satén brillante de la cama es más adecuado para la corte de Luis XV y es representativo del estilo rococó. Boucher tendía a abusar del rosa y del azul cielo cuando utilizaba temas mitológicos, y el rojo pálido y vivo de los personajes también flotaba en la superficie. Pero si hay un objeto real frente a él, sus imágenes de repente aparecen llenas de vida, completamente diferentes a las del autor de "El almuerzo", "Paisaje con el molino" y "Venus y Vulcano".
Fragona (1732-1806) fue el pintor más querido por la dama social de Bari. Supo lucir su pluma con su encantadora figura y sus lujosos vestidos. La chica del cuadro "Swing" se quita deliberadamente los zapatos para recogerlos para el hombre que se balancea para ella. Este es el pináculo de complacer a una mujer. La composición de "Girl in the Bath" es abrupta y el cuerpo femenino parece girar rápidamente con nubes, árboles y ríos. Es único y fascinante. "Tiber Falls" es una creación abrupta y única. El brillo y la riqueza producidos por la fuerte luz que incide sobre la ropa en el balcón pueden incluso rivalizar con las pinturas de paisajes de dos siglos después. Pero lo que mejor se le da a Fragona son los retratos, las grandes áreas de colores gruesos y las pinceladas voladoras son completamente diferentes a las técnicas tradicionales. Pinturas como Diderot, Reading y Guimard siguen siendo populares por su técnica desenfrenada.
Le Moyne (1688 ~ 1737) y Coypel (1688-1772) siguieron el estilo de Eduardo y Boucher y decoraron una gran cantidad de palacios y palacios de París con murales de hadas y cuerpos femeninos rosas. "Heraclio y Ofir" del primero y "Retrato de un anciano" del segundo muestran el rigor del boceto y la audacia y tranquilidad de la pintura.
Las figuras representativas de la transición del retrato francés del siglo XVII al XVIII son Rigaud (1659-1743) y Laguelière (1656-1746). Ligo pintó un retrato estándar del rey y su obra maestra "El rey Luis XIV de Francia" es majestuosa. Raggelli El tomó fotografías de la alta sociedad. Su obra maestra "El pintor y su esposa e hija" expresa vívidamente la intimidad y armonía de su familia. Nattier (1685-1766), famoso por sus retratos femeninos, podía pintar hermosas damas, como la condesa Dashan. El yerno de la hermana Na, Tocque (1696-1772), puede hacer que las damas sean aún más encantadoras. "La reina Lezinska" es una obra maestra poco común entre los retratos de la corte.
Ija Tour (1704-1788) y Perronneau (1715-1783) no sólo los igualaron en pinturas al óleo, sino que también llevaron el encanto de la pintura al pastel a un nivel sin precedentes. Sus características comunes son sentidos agudos, tono sutil, buenos para capturar expresiones momentáneas y embellecer objetos sobre la base de la realidad.
Con el feroz ataque al estilo rococó, el embellecimiento del arte fue dejando paso paulatinamente a la reproducción de la vida. A diferencia de las pinturas decorativas y las pinturas históricas, las pinturas de género y las naturalezas muertas utilizan la racionalidad para oponerse al laissez-faire, el regreso a la naturaleza y la artificialidad. Creuse (1725-1806), pionero de un nuevo género de pintura de género, expuso "Compromiso rural" en el Salón de 1761, que fue un gran éxito. Realmente mostró los acontecimientos más importantes de una familia rural francesa. En el cuadro, Diderot admiraba el respeto del joven al entregar el precio de la novia, la alegría interior y la timidez exterior de la muchacha, la concentración del notario, la cercanía de la hermana joven y los celos de la hermana mayor. Pensó que "las personas del cuadro están en su lugar". Gretz concedió gran importancia a la elección de temas como la maldición del padre, el regreso del hijo castigado, el cántaro roto, etc., todos los cuales promovieron inteligentemente conceptos morales burgueses con un excelente lenguaje artístico y fueron muy elogiados. por el público. Sin embargo, este "pintor casto" se dedicó casi por completo al retrato a partir de 1780. Sus emociones son sinceras, su estilo es inteligente y sus colores son transparentes. "Milkman" y "The Bird is Dead" representan los corazones de las chicas corrientes como puros y nobles, eclipsando los retratos de la corte.
En la época de Luis XV, cuando todo era lujoso, los serios bodegones de Chardin se volvieron más redondos y conmovedores. Los ojos del pintor contemplan tranquilamente cosas extremadamente ordinarias como platos, pescado, frutas, pan, etc., y descubren la profunda belleza que hay en ellas. Las cosas que la gente da por sentado o incluso desdeñan adquieren un significado poético significativo al convertir la piedra en oro. Son naturalezas muertas con cucharas, instrumentos musicales, mesas de comedor, tartas y copas. Las pinturas de figuras de Chardin también son amplias y profundas. "Prayer" sólo representa a una madre y dos hijos, lo que demuestra plenamente las condiciones de vida y los sentimientos de carácter de la clase ciudadana. El ama de casa que regresaba del mercado estaba apoyada en el viejo y reluciente armario, jadeando. El estilo natural y la textura realista hacen que sea fácil para las personas sentir la calidez, la vida y la atmósfera de la época en las pinturas, lo que está más allá del alcance de otros pintores de bodegones y pintores de género.
En cuanto a la pintura de paisajes, cabe mencionar que Vermet (1714-1789), cuyo "Faro y puente de Lotto" superó con creces a aquel pintor en cuanto a audacia de técnica y colores vivos, lo hizo. Sería insuficiente decir que predijeron la escena colo en Italia. Robert (1733-1808) pintó el paisaje de las ruinas romanas, dándoles a las ruinas antiguas un cielo real y hermoso. La ingeniosa composición de "Giorgio" y el novedoso método de utilizar el contraste tonal para expresar la puesta de sol muestran su extraordinaria sensibilidad.