¿Cuáles son las ramas, representantes y obras de la música romántica desde 1820? Análisis de ejemplo.
Durante este período, las creaciones de los artistas mostraban su admiración por los sentimientos subjetivos, el amor por la naturaleza y la fantasía sobre el futuro. También se han producido nuevos cambios en la forma de expresión artística y ha surgido la formación y desarrollo de ideas y estilos románticos. La diferencia entre la música romántica y la música clásica es que hereda la tradición de los compositores clásicos y realiza nuevas exploraciones sobre esta base. Por ejemplo, enfatiza que la música debe combinarse con otras artes además de la poesía, el teatro y la pintura, y aboga por un arte integral; aboga por la música del título; enfatiza la expresión de sentimientos subjetivos personales y las obras son a menudo autobiográficas; están llenos de fantasía y descriptivos. Hay muchas obras sobre la naturaleza, porque la naturaleza es tranquila, sin contradicciones y es un estado ideal, prestan atención al teatro, estudian la música y la literatura folclóricas nacionales y se nutren de ellas, y sus obras tienen; características nacionales. En cuanto a forma artística y técnicas de expresión, hereda la escuela de música clásica, pero es muy diferente en contenido, y también se utilizan ampliamente técnicas exageradas. En términos de forma musical, rompe las limitaciones de la estructura formal equilibrada y completa de la música clásica y tiene un mayor grado de libertad. Hay muchas piezas de música instrumental con un solo tema, principalmente piezas instrumentales, como improvisaciones, nocturnos, estudios, narraciones, fantasías, preludios, letras y diversas músicas de baile: mazurca, vals, polca, etc. Entre las muchas obras de música instrumental, la música para piano es la más común. Hay una gran cantidad de canciones artísticas en las obras vocales, y muchas obras vocales están conectadas en serie para formar suites. Por ejemplo, "The Beautiful Mill Girl" y "Winter Journey" de Schubert son temas artísticos innovadores de la Escuela Romántica. La armonía es una herramienta importante para la expresión romántica. La expansión y el libre uso de la disonancia, la aparición frecuente de acordes de séptima y novena, semitonos y modulaciones en la música han ampliado el rango y la expresión de la armonía y realzado el color de la armonía. El compositor creó sinfonías con títulos de varios movimientos y sinfonías con títulos de un solo movimiento, que son formas importantes de la música romántica.
La música romántica con su estilo único, fuerte, libre y desenfrenado forma un fuerte contraste con el estilo riguroso, elegante y digno de la música clásica. Si la música de Beethoven es sólo una película o un grabado en blanco y negro, entonces las obras musicales románticas son como acuarelas y coloridas pinturas al óleo. Este período produjo dos géneros diferentes de música romántica. Uno es el romanticismo conservador representado por Brahms y el otro es el romanticismo positivo. El período de la música romántica fue también el período más fructífero en la historia del desarrollo de la música europea. Enriqueció y desarrolló enormemente la excelente tradición de la música clásica e introdujo audaces innovaciones. Muchos tesoros musicales de este período todavía son amados y populares hoy en día.
Schubert, un representante del género musical romántico temprano, centrado principalmente en canciones artísticas, la ópera artística es una combinación de poesía y música, y es un lugar ideal para que los compositores románticos expresen emociones poéticas. Schubert eligió una amplia gama de poesía, incluida la de grandes poetas como Goethe y Schiller, así como las obras de su amigo Schobel. El acompañamiento del piano en sus óperas no sólo desempeña un papel a la hora de resaltar la melodía, sino que también es el principal medio para crear una concepción artística concreta. Las canciones de Schubert se llaman "canciones artísticas", pero el lenguaje musical sencillo de muchas óperas suele acercarse a las canciones populares. Sus canciones como "Wild Rose", "Trout" y "Linden Tree" se han convertido en canciones populares de amplia circulación. La forma de canción segmentada comúnmente utilizada en las canciones populares es también la forma principal de creación de canciones de Schubert.
Liszt es una figura representativa del género musical romántico de etapa media. Nació en Hungría. Sus destacadas aportaciones a la música a lo largo de su vida residen principalmente en dos aspectos. Primero, enriqueció el poder expresivo de las habilidades pianísticas.
Su música para piano no sólo contiene bocetos poéticos, sino que también tiene magníficos y brillantes efectos artísticos y música sinfónica, lo que hace que la música para piano tenga un efecto orquestal, majestuoso y apasionado. En segundo lugar, fue pionero en el género de los poemas sinfónicos con títulos de un solo movimiento. Compuso trece poemas sinfónicos a lo largo de su vida, entre los que "Preludio" y "Tasso" son los más famosos. Estos poemas sinfónicos son narrativos, líricos, descriptivos y dramáticos. Además, las características nacionales húngaras distintivas son particularmente prominentes en las obras de Liszt, como "19 Rapsodia húngara", que refleja la vida popular húngara, de las cuales los números 2, 6, 12 y 15 son clásicos.
Richard Strauss fue un compositor de música del romanticismo tardío. Como compositor, la contribución de Strauss se reflejó principalmente en la poesía sinfónica. Perfeccionó la forma estructural de la poesía sinfónica, creó cuidadosamente motivos dominantes y dedicó pasajes musicales a personajes, lugares y escenas.
También es evidente su destacado talento en la orquestación orquestal. Las líneas e ideas de sus composiciones no son menores que las de los distintos instrumentos, lo que hace que un motivo o tema muy común en sus obras brille con el brillo más encantador. La creación de la ópera de Strauss estuvo influenciada principalmente por el "drama musical" de Wagner. Aunque sus habilidades de composición son magníficas, el contenido es pálido y débil, mucho más delgado que el de las obras de Wagner. Su obra es a veces como una prosa llena de palabras preciosas, pero que repite un contenido vacío y aburrido. Strauss es un destacado maestro de la creación clásica y de la música romántica. Los famosos coches de Mozart, la agitación de Beethoven, el sentido de estructura de Brahms, el heroísmo de Wagner y la música principal de Liszt inspiraron su deseo creativo. Su dominio de la orquesta dio carisma a sus obras, pero las características culturales del fin de siècle también se reflejaron plenamente en sus obras, es decir, las tendencias hacia el esteticismo y la decadencia. Sus creaciones, junto con las de Wagner, presagiaron la llegada de la música del siglo XX.
Música romántica antigua
"El fundador de la ópera romántica" - Weber
El compositor alemán Weber (1786-1826) nació en una familia de capataces de teatro itinerante. Su padre era un apasionado del teatro y la música con una hermosa voz y su madre era una soprano alemana.
Weber realiza desde pequeño vagabundeos por pequeñas ciudades de Alemania y Austria con una pequeña compañía dirigida por su padre, y se dejó influenciar por el ambiente de los teatros y escenarios. Esta vida errante le puso en amplio contacto con la sociedad y la música popular. Su ópera "Der Freiher" está reconocida como la primera ópera nacional de Alemania. Después de la representación de la ópera, rápidamente se extendió a todos los rincones remotos. En una carta a un amigo, el famoso poeta Heine describió con gran interés la gran ocasión en que los tiradores independientes se extendieron entre las masas: los estudiantes de primaria que pasaban por debajo de su ventana por la mañana silbaban y depositaban coronas cuando se casaban, también el barbero; cantó cuando subió la canción; mientras él se iba como invitado, una chica tocó la misma canción en el piano. Alemania incluso tiene cerveza de la marca "FreeShooter" y ropa de mujer "FreeShooter". También sentó las bases de la ópera romántica europea.
"Rey de los Cantantes" - Schubert
Schubert (1797-1828) nació en una familia de maestros de escuela primaria en los suburbios de Viena. Comenzó a estudiar música a los 8 años; se convirtió en profesor asistente a los 16, enseñando piano en forma privada para ganarse la vida. En 1813, cuando dejó resueltamente su casa para convertirse en un "artista libre" en Viena, estaba lleno de hermosos anhelos por el futuro. Sin embargo, su época fue el fracaso de la revolución burguesa francesa y la restauración de las dinastías reaccionarias en Europa.
Escribió 1.500 obras a lo largo de su vida. Incluye 14 óperas, 9 sinfonías, más de 100 canciones corales y más de 600 canciones, las más famosas de las cuales son la sinfonía "Unfinished", el quinteto de piano "Trout" y la suite vocal "The Beautiful Mill Girl".
El centro de su creación son las canciones, y es conocido como el "Rey de las Canciones". Sus canciones son hermosas, simples y profundas, y encarnan plenamente la concepción artística de la poesía. Las obras reflejaron la angustia, la frustración, la alegría y el dolor de los jóvenes intelectuales de esa época y se convirtieron en un modelo del arte romántico.
"El fundador de la sinfonía del título" - Berlioz
Berlioz (1803-1869) fue el fundador de la música romántica francesa. 1803 65438 + 11 de febrero, nacido en el seno de una familia de médicos en las afueras de Lyon, Francia. Estudió flauta y guitarra desde pequeño e ingresó en el Conservatorio de París en 1826 para estudiar composición. En 1830 ganó el Premio de Roma y se fue a estudiar a Italia. Regresó a China un año después y entró en su apogeo creativo. Murió en París el 8 de marzo de 1869.
Sus obras más representativas son la "Sinfonía Fantasía", así como las sinfonías dramáticas "Romeo y Julieta", "Preludio del Carnaval de Roma" y "Marcha de Lacock", todas ellas profundamente amadas. por la gente. Además, también escribió el famoso tratado "Método de orquestación" y dejó numerosos comentarios musicales, que tuvieron un importante impacto en la apreciación de la música aristocrática.
Su música está llena de pasión e imaginación. Fue pionero en la música de títulos románticos. Fue pionero en la técnica de "fijar ideas musicales" y fue un maestro orquestal en orquestación. Innovó audazmente y exploró las posibilidades de varias combinaciones de instrumentos, dando a la orquesta un aspecto completamente nuevo.
"El músico más feliz" - Mendelssohn
Famoso compositor alemán y destacado representante del género musical romántico. Nacido en Hamburgo el 3 de febrero de 1809, su padre era un gran banquero. Aprendió piano con su madre a la edad de 4 años, comenzó a componer música a la edad de 65,438+02 años y se hizo famoso a la edad de 65,438+07 años.
A los 20 años comenzó a viajar por Europa como pianista, director y compositor, y desde entonces se hizo famoso. En 1843 se fundó el Conservatorio de Leipzig. Debido a años de exceso de trabajo, su cuerpo resultó dañado y la muerte de sus familiares lo dejó exhausto. Lamentablemente murió el 11 de noviembre de 1847 a la edad de 38 años.
Sus obras tienen melodía suave, estructura completa, gentileza y comodidad, pocos conflictos y conflictos, y están llenas de fantasía poética. Debido a las limitaciones de la experiencia de la vida, la música inevitablemente carece de una expresión ideológica profunda, pero rara vez se logra su ámbito musical elegante, tranquilo, delicado y poético. Sus sinfonías "Scottish Symphony" y "Italian Symphony", la obertura "Finger Cave", "A Midsummer Night's Dream" y "Violin Concerto in E minor" son todas obras famosas. Además, las obras de Bach son valoradas por su excavación, promoción y dirección personal. También creó el género instrumental de "canciones sin letra" y fue un representante de la música titular antigua. El Partido Musical de Leipzig, representado por él, tuvo una gran influencia en la vida musical alemana del siglo XIX.
"Líder de la música romántica alemana" Schumann
Schumann (1810-1856) fue un compositor, crítico musical y líder del género musical romántico alemán. Nació en una familia de libreros y recibió una buena educación desde pequeño. A los siete años estudió piano. En 1834 fundó la revista musical "Music Times". En 1840 se casó con Clara, la hija de su profesor de piano Cherny. Su vida feliz le trajo una serie de inspiraciones creativas. Mientras escribía, comencé a escribir reseñas musicales. Fue el primero en reconocer el talento musical de Berlioz, Chopin, Liszt y Brahms. La revolución burguesa fracasó en 1854. Como sólo vio el fracaso de la revolución y no pudo ver el amanecer de la futura revolución, sufrió un gran dolor, perdió la cabeza y se suicidó ahogándose en el río. Aunque fue rescatado, murió trágicamente en un hospital psiquiátrico.
Sus principales obras incluyen: Piano Carnival, Piano Suite Escenas de la Infancia, cuatro sinfonías, conciertos y colecciones de canciones, etc. Sus obras están llenas de pasión romántica, y sus comentarios profundos, vívidos, agudos y punzantes desempeñan un papel activo e importante a la hora de guiar el sano desarrollo del pensamiento musical social y criticar los conceptos musicales vulgares y atrasados.
"Piano Poeta" - Chopin
Chopin (1810-1849) fue un pianista y compositor polaco. Nacido en una familia de profesores cerca de Varsovia, su padre era un francés que vivía en Polonia y era flautista. Su madre era hija de una familia noble polaca y tocaba muy bien el piano. Amaba la música desde que era niño. Recibió una estricta educación de piano a la edad de 6 años y actuó en público a la edad de 9 años. A la edad de 16 años ingresó en el Conservatorio de Música de Varsovia y estudió teoría musical con Dean Elsner. En 1830, Chopin, de 20 años, viajó al extranjero para actuar. Llegó a París, la capital artística de las estrellas. Aquí alcanzó una gran reputación como compositor y pianista. Murió en París en octubre de 1849.
Su música es libre y elegante, sutil y gentil, todo lo cual se refleja en el fuerte y distintivo estilo nacional y el cálido y profundo entusiasmo patriótico. La gente lo llama el "poeta pianista". Dejó más de 200 tesoros pianísticos para las generaciones futuras, incluidos 27 estudios representados por el Estudio Revolucionario en do menor, las mazurcas 565, 438+0 con estilo nacional y la polonesa masculina en bemol mayor (también llamada Bolonia), su 265. , 438+0 nocturnos son obras maestras de la música para piano, y él también compuso.
"Piano Demon" - Liszt
Liszt (1811-1886) fue un famoso pianista y compositor húngaro en la escena musical europea del siglo XIX. Nacido en Reading, Hungría en 1811. Su padre era administrador de una finca noble y músico aficionado. Comenzó a aprender piano a la edad de seis años. Comenzó a componer música a los ocho años. A los 9 años ya había realizado con éxito un recital de piano. Cuando tenía 10 años su familia se mudó a Viena. Estudió piano con Czerny y composición con Sally. Escribió una ópera cuando tenía 13 años. A finales de la década de 1940, entró en una época dorada de creación. Murió el 31 de julio de 1886.
En términos de composición, abogó por la música titular y creó el género de la poesía sinfónica (nota: una música orquestal que expresa contenido poético y literario en un solo movimiento). Compuso numerosas obras sinfónicas a lo largo de su vida, como "Fausto", "Dante", etc. Además, también compuso 19 rapsodias húngaras, 12 estudios avanzados para piano y 13 preludios.
Como maestro de piano generacional, ha desarrollado sus habilidades para tocar el piano al máximo. Creó efectos orquestales en el piano y era conocido como Paganini en el piano, lo que le valió la reputación de "Piano Demon".
"Neoclasicista" - Brahms
Brahms (1833-1897) fue un famoso compositor y pianista alemán, neoclásico del siglo XIX El representante más destacado. El 7 de mayo de 1833 nació en Hamburgo en el seno de una familia de músicos. Mi padre era músico aficionado y mi madre era costurera. Mi familia es muy pobre. Aprendió violín de su padre desde pequeño, piano a los 7 años y composición a los 10 años. A los 20 años, Schumann lo descubrió y publicó un llamativo artículo "New Road" en el "Music Times", en el que elogiaba con entusiasmo al joven músico.
En aquella época había dos géneros musicales en Alemania. Una es la Escuela de Música de Weimar, que aboga por la música de título y el arte integral. Sus representantes son Liszt y otros. Otra escuela fue la Escuela de Leipzig compuesta por Mendelssohn y Schumann. Hacen música pura sin títulos y no escriben óperas, sólo obras instrumentales. Debido a que Brahms se adhirió a la tradición, algunas personas dijeron que era un "clasicista" que vivió en el período romántico.
Entre sus obras representativas, la Sinfonía n.º 1 en do menor (1876) es la más llamativa (antes conocida como Bei X), así como el Concierto para violín en re mayor (1878), si bemol. Concierto para piano mayor n.º 2 (1881) y música orquestal.
"Maestro de la música rusa" - Tchaikovsky
Tchaikovsky (1840-1893) nació en una familia de ingenieros de minas en los Urales. Estudió piano desde niño y fue admitido en la facultad de derecho a la edad de 10 años. Después de graduarse, trabajó en el Ministerio de Justicia. 65438-0862 Ingresó en el Conservatorio de San Petersburgo para estudiar composición. Después de graduarse, fue a enseñar en el Conservatorio de Moscú. Más tarde se casó con su alumna Miliukova. Este matrimonio infeliz lo dejó extremadamente decepcionado y sumido en la desesperación. En ese momento, Feng, una viuda adinerada, le brindó apoyo espiritual y material. En 1893, Tchaikovsky contrajo cólera y murió en San Petersburgo el 6 de octubre del mismo año a la edad de 53 años.
Absorbió ampliamente la esencia de la ópera italiana, el ballet francés, la sinfonía y la canción alemanas. Su música se centra en representar el mundo interior de las personas, tiene un fuerte dramatismo y un lirismo apasionado, y es muy expresiva en melodía y orquestación. Las obras representativas incluyen las Sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta (1878, 1888, 1893); Orquesta: Romeo y Julieta (1869); Ópera: Onegin (1878), La Reina de Picas (1890); La Bella Durmiente (1889), El Cascanueces (1892); Conciertos: Concierto para piano n.º 1 en si bemol menor (1875), Concierto para violín en re mayor (1878), etc. Además, hay muchas obras excelentes como oberturas, música de cámara y canciones.
Mahler, un representante de la música romántica tardía
Mahler (1860-1911) fue un compositor y director de orquesta austríaco. Nacido en Bohemia (República Checa) en el seno de una familia de pequeños empresarios judíos. A la edad de 6 años participó en un concurso de piano y fue aclamado como un "genio del piano". A los 15 años ingresó en el Conservatorio de Música de Viena con excelentes resultados para estudiar piano, composición y dirección. Comenzó su carrera como director y compositor a los 19 años. Fue empleado de la Ópera Real de Viena. Del 65438 al 0907 vivió en los Estados Unidos para continuar con sus actividades creativas y de dirección, pero regresaba todos los años a Viena para pasar vacaciones. Murió de un infarto en Viena el 18 de mayo de 1911.
Creó una nueva forma de música: la sinfonía vocal. Sus obras representativas incluyen 65.438+00 sinfonías a gran escala y "Canción de la Tierra" adaptada de la poesía china Tang en sus últimos años (Nota: Mahler la llamó sinfonía para tenor, alto y orquesta). Como músico de principios del siglo XX y XIX, Mahler fortaleció aún más la dirección de desarrollo de la música romántica en términos de técnicas creativas. Por ejemplo, el lenguaje musical es más personalizado, la expresión emocional es más intensa y exagerada y. la armonía es extremadamente cromática. La música moderna ha tenido un profundo impacto.
Figura representativa del romanticismo antiguo
Rachmaninov
Rachmaninov Vasily Sergey Vasily Sergei Vasilyevich nació el 1873 de abril de 1964 en Semyonovo, ciudad de Rusky, óblast de Staro, Rusia . Murió en Beverly Hills, California, el 28 de marzo de 1943.
Nació en una familia aristocrática rusa y su padre y su abuelo fueron destacados músicos aficionados. Sergey comenzó a estudiar piano a la edad de 5 años y en 1882 (9) recibió una beca para ingresar en el Conservatorio de Música de San Petersburgo. En 1885, se trasladó al Conservatorio de Moscú y estudió piano con Nikolai Zverev, contrapunto con Sergey Taneyev y acústica con Anton Aronsky. 1891 La obra en un acto "Aleko", adaptada del largo poema de Pushkin "Stone Hill", gana la medalla de oro en la categoría composición. Sin embargo, en 1897, su "Primera Sinfonía" fracasó estrepitosamente cuando se interpretó en San Petersburgo, y su creación cayó en un punto bajo. De 1906 a 1908 se trasladó a Dresde, Alemania, donde creó un gran número de obras destacadas. En 1917, después de que se estableció el régimen revolucionario soviético, abandonó Rusia permanentemente y se estableció en los Estados Unidos porque no entendía el régimen revolucionario proletario. Desde entonces, se ha dedicado principalmente a actividades escénicas, con pocos trabajos posteriores. Prestó juramento como ciudadano estadounidense apenas unas semanas antes de su muerte.
Sus obras incluyen tres óperas, tres sinfonías, el poema sinfónico "La isla de los muertos" y otra música orquestal, cuatro conciertos, un piano y una rapsodia orquestal sobre un tema de Paganini, música para piano (incluida una serie de importantes preludios y ejercicios de cuadro), coros, música de cámara y canciones.
Primero, heredar la tradición nacional y pasar al escenario mundial
El estilo musical de Rachmaninoff no ha cambiado de principio a fin, y siempre ha seguido la tradición musical rusa y la Escuela de Moscú en historia de la música. Sus obras están profundamente arraigadas en la música de Tchaikovsky, Mussorgsky y Rimsky-Korsakov, con los matices poéticos de Chopin y los intensos efectos de Liszt. Sus profundos sentimientos nacionales y sus magníficas habilidades de juego lo complementan a la perfección. En la música de Rachmaninov, la naturaleza rusa, la psicología rusa, la vida rusa, el encanto de las canciones populares rusas y la concepción artística de las campanas están llenos de inocencia infantil rusa y poder vigoroso. La melodía suave y la connotación profunda atraviesan el lenguaje musical único de Rusia. Es largo, amplio y majestuoso, y encarna el rico estilo nacional y el espíritu nacional en todas partes. Es precisamente por estas características tan fuertes de la música rusa que la música de Rachmaninov ha tocado a miles de personas, las ha conmovido y ha conquistado el mundo.
En segundo lugar, seguir el camino de la innovación basada en la "tradición"
Aunque la carrera artística de Rachmaninov entró en la primera mitad del siglo XX, básicamente mantuvo el estilo del siglo XIX. La visión romántica. El arte del siglo no siguió las tendencias de Wagner, Debussy y otros más recientes. Esto puede deberse a que nació en una familia de terratenientes en decadencia durante el colapso del Imperio Zarista Ruso, ¡y persistió en su sueño de heredar la cultura aristocrática! El fenómeno de la música romántica continuó existiendo y desarrollándose en la época antirromántica, lo que demuestra que todavía hay terreno adecuado en su espíritu y lenguaje musical. Rajmáninov es sin duda el único representante de la música romántica rusa. Sin él es difícil imaginar la vida musical del siglo XX. Pero vale la pena señalar que, aunque su creación sigue siendo de naturaleza romántica, está influenciada por la atmósfera del siglo XX, formando el estilo creativo único de Rachmaninoff: incluso si se elimina de muchas de sus obras, partes de las técnicas modernas de armonía también son difíciles. analizar utilizando la teoría tradicional de la armonía. Esto demuestra que sus técnicas de armonía pertenecen a la "etapa exploratoria" entre lo "tradicional" y lo "moderno". El lenguaje armónico todavía se basa en la armonía funcional, pero utiliza técnicas individuales distintivas para expandir y enriquecer el color armónico. Las melodías de Rachmaninoff son frescas y naturales, puras y simples, heredan directamente el sistema musical de Anton Rubinstein a Tchaikovsky y tienen un temperamento ruso distintivo. Además, su propio tono tortuoso "escalonado" único también formó sus características inherentes al "estilo Rachmaninoff".
3. El estilo artístico trágico "lleno de lágrimas"
Rachmaninoff dijo una vez en una carta a un amigo: "En los dos temas de tristeza y felicidad, prefiero el primero". "Los colores brillantes y alegres no son mis favoritos." De hecho, Rachmaninoff se inclina particularmente por las tonalidades menores, los temas menores y las imágenes elegíacas o trágicas, tanto en términos de modalidad como de campo psicológico. En sus obras artísticas siempre hay algunos temas que aparecen constantemente en sus creaciones. Por ejemplo:
El tema de la muerte recorre su temprana Primera Sinfonía, su madura "Isla de los Muertos", más tarde "Variaciones Corelli", Paganini Rapsodia, Tercera Sinfonía y su obra maestra ""Danza Sinfónica".
La imagen del "destino" de Rachmaninoff es la sucesora directa de la imagen del "destino" de Tchaikovsky. Siempre tuvo un miedo indescriptible al destino. Como los pasos del destino en "Preludio en do sostenido menor".
La imagen del "diablo" también juega un papel importante en la concepción de la música dramática de Rachmaninov. Por lo tanto, la música de Rachmaninoff siempre hace que la gente sienta una especie de impulso brillante y un gran atractivo, envuelto en una potencial tragedia.
4. Las características contradictorias de su personalidad y su tenaz fe en la vida
Rachmaninov daban a la gente la impresión de melancolía y miedo a todo en la vida, pero en esta sombría novela, bajo la película, se esconde otra. Rachmaninoff: un hombre amable, alegre, tenaz y valiente. En la misma obra de Rachmaninoff tales contradicciones serían mutuamente excluyentes. En "Preludio en sol menor", el lenguaje vívido y realista de Rachmaninoff, su poder ardiente y su ritmo firme lleno de fe en la vida superan la connotación de "más allá" del título. Lo que siente el público no es miedo sino fuerza firme.
En todas sus obras, hay otra voz fuerte, decidida y amorosa de Rachmaninov. Rompiendo el "llanto pretencioso" y el "fingimiento de asombro", fueron reemplazados por murmullos apasionados, humorísticos o como "el sonido del agua corriendo". Especialmente su amor por la naturaleza apasionó a Rachmaninoff. Las vastas llanuras de Rusia, los campos con olas de trigo, la marea primaveral de hielo y nieve derritiéndose... Escuchaba, sentía y escribía todas estas cosas encantadoras con el corazón.
Gran músico, fue pianista, director de orquesta y compositor.
Como músico, Rachmaninov fue compositor, pianista y director de orquesta. En lo que respecta a los pianistas, es "el arquitecto de la música para piano". Sus interpretaciones de obras a menudo reflejan la rica imaginación y la extrema sensibilidad de un compositor a los colores musicales. Al mismo tiempo, tiene excelentes habilidades para tocar, especialmente un sonido fuerte, largo y amplio. Pero lo que lo hace más feliz es que puede convertir el sonido del piano en un hermoso canto.
Como compositor, creó obras en muchos géneros diferentes. Incluye sus preludios para piano, cuatro conciertos y la rapsodia Paganini, tres sinfonías, una sinfonía coral, un poema sinfónico "La isla de los muertos", un conjunto de poemas sinfónicos, 79 canciones y muchas piezas dispersas de música para piano, y numerosos arreglos.
Al mismo tiempo, sus logros al mando también son considerables. De 1904 a 1906, trabajó como director de la Ópera Burki de Moscú e interpretó una serie de óperas clásicas rusas. De 1911 a 1913 realizó actuaciones sinfónicas en los conciertos de la Sociedad Filarmónica de Moscú. Unos años más tarde comenzó a viajar por Italia, Alemania y París, interpretando y dirigiendo sus propias composiciones como pianista y director. Al mismo tiempo, su dirección dinámica y matizada se conserva permanentemente en el disco.
En la carrera musical de Rachmaninov, esta vida musical diversificada le trajo contradicciones en sus obras, pero más importante aún, fue la clave para comprender, crear e interpretar sus obras porque son complementarias.
Rachmaninov, el último representante del romanticismo tardío entre los coloridos maestros de la música rusa de finales del siglo XIX, reveló en un lenguaje sencillo y tranquilo, monótono y corriente, una vida colorida.