¿Cuáles son los elementos del diseño gráfico?

Los siete elementos principales del diseño gráfico son los siguientes: Tipografía La tipografía puede considerarse un arte poco conocido. El hecho de que los consumidores no hayan notado su diseño inteligente no significa que la tipografía no sea importante. Con estas fuentes básicas, puedes transmitir cualquier mensaje. La impresión y composición tipográfica es un método de presentación de texto a través de medios artísticos y es la base del diseño gráfico. La aplicación de tipografía y texto es diferente a otros diseños, como moda, arquitectura y productos. En la cálida era de la composición tipográfica, los trabajadores técnicos cualificados se dedicarán de todo corazón a la composición tipográfica. Ahora, con el nacimiento de los sistemas de autoedición por computadora, las herramientas de composición tipográfica se han entregado a todos y el arte de la composición tipográfica ha ido disminuyendo gradualmente. Sin embargo, debemos recordar que la composición tipográfica es un arte y las computadoras no pueden completarla por completo. El verdadero dominio del arte de la tipografía a menudo requiere años de práctica y, como muchas cosas que requieren esforzarse, el primer paso es crucial: una comprensión básica de la historia, el diseño, la tecnología y el vocabulario de los tipos de letra lo ayudarán a prepararse para el éxito. Establecer una base sólida para el diseño. Las características más básicas de la historia del diseño tipográfico varían de vez en cuando: anticuado, transicional, moderno, digital. Los tres primeros a menudo se pueden distinguir visualmente, mientras que el cuarto tiene perspectivas de desarrollo inconmensurables. El auge de las fuentes de diseño digital ha promovido los intentos de la gente por crear nuevos diseños de fuentes. Aunque estos cuatro diseños de fuentes tienen sus propias características, sus características básicas son todas obvias.

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Estilo antiguo: estas fuentes suelen tener serifas, lo que refleja las características del diseño de fuentes tradicionales. Observe los ejes oblicuos de las letras, huellas distintivas de los cinceles utilizados para tallar las letras desde la antigüedad hasta nuestros días. Excesivo: aunque la mayoría de las fuentes de transición también tienen serifas, el contraste entre las líneas gruesas y finas de las letras no es tan obvio como en las antiguas, y los ejes de las letras tienden a ser más verticales, lo que hace que la fuente en sí parezca más clara y más clara. dibujado a mano. Hoy en día, la tipografía y muchos otros tipos diferentes de diseños tienden hacia la claridad y la simplicidad. Para adaptarse a las características modernas, el diseño de la fuente se simplifica, las serifas se eliminan gradualmente y las líneas ya no se dividen en grosores, lo que las hace limpias y ordenadas, con una sensación más mecánica. Tecnología y terminología de fuentes Con la aparición de varios sistemas de diseño de escritorio, ya no es necesario utilizar fuentes de diferentes especificaciones para el diseño. El vocabulario profesional original y el conocimiento técnico del procesamiento de fuentes a menudo se ignoran. Desafortunadamente, esto sucede con parte de la capacitación más básica que puede garantizar un diseño exitoso. Dominar las fuentes de manera competente después de dominar una gran cantidad de información es muy diferente de lo que hacen los diseñadores comunes. Los mejores resultados de diseño suelen ser el resultado de la formación tradicional en diseño tipográfico, no de las últimas tendencias de la moda. Las siguientes explicaciones de los términos y su impacto en varias fuentes exitosas ayudarán a crear fuentes hermosas y legibles. El tamaño y la altura de un punto El tamaño de una fuente se llama punto y cada punto equivale a 1/72 de pulgada. El tamaño de un punto en cualquier fuente es la distancia desde la parte superior de la parte larga de la letra hasta el final de la extensión, y la distancia desde la parte superior hasta la parte inferior de la letra se llama altura. Debido a que esta es la parte donde se enfoca el ojo, aunque la fuente a las 6 en punto es más pequeña y más difícil de leer que la fuente a las 12, no es solo el tamaño lo que afecta la legibilidad. El contraste no sólo hace que un diseño sea visualmente atractivo sino que también ayuda a transmitir la idea del diseño. La aplicación del contraste nos dice qué parte mirar primero y cuál mirar después. Afortunadamente, existen muchos métodos diferentes que puedes utilizar para lograr un efecto de contraste. En este sentido, puedes usar tu imaginación tanto como sea posible. Las formas transmiten impacto visual y llevan la composición y el diseño del diseño gráfico al extremo, lo que suele ser la clave para un diseño exitoso a través del contraste. Sin contraste visual, los diseños tienden a ser mediocres. El contraste en tamaño, forma, textura y proporción es una característica esencial del diseño exitoso. Establecer orden y contraste entre elementos puede ayudar a que las piezas de diseño tengan un sentido de jerarquía claro y valioso, lo que significa que la audiencia recibe la información y comprende su orden. Una vez que el diseño capta la atención del espectador, es clave que el espectador navegue por la obra en el orden adecuado, es decir, que comprenda qué información es más importante y cuál es menos importante. El contraste y otras técnicas de diseño, analizadas en el Capítulo 4, son clave para crear un diseño en capas. Contraste y claroscuro El mismo efecto se puede lograr con claroscuro, la relativa claridad u oscuridad de un elemento. Los elementos con el mayor contraste entre la luz y la oscuridad (el blanco y el negro son el contraste más extremo: diferentes tonos de gris entre el blanco y el negro) son más dominantes que aquellos con menos contraste.

Con este conocimiento, los diseñadores pueden utilizar el contraste entre la luz y la oscuridad para hacer que ciertos elementos se destaquen más que otros, dándole al diseño una capa de información más distintiva. El contraste a través del color es otra herramienta bastante sofisticada que permite a los diseñadores crear efectos de contraste en sus composiciones. Si bien el ojo es el mejor juez a la hora de determinar la colocación del color, tener una comprensión clara del color puede resultar de gran ayuda a la hora de comunicarse con pintores, diseñadores y clientes. Tono, matiz y saturación son términos utilizados para describir las tres características de un color, indicando su calidad. Se pueden utilizar para ajustar la coordinación de varios colores en la obra. Tono: Tono se refiere a cada atributo único.

Claro y Oscuro: Cada color tiene un claro y un oscuro. Saturación: La saturación es la "pureza" o brillo de un color. Cualquier color puede variar con la saturación y el brillo. Por ejemplo, un azul brillante con alta saturación se puede convertir en un azul gris con baja saturación sin profundizar ni aclarar, o se puede convertir en otro tono azul. Los tonos de la izquierda muestran cómo dos colores muy comunes, el rojo y el verde, pueden lograr diferentes efectos a través de la sombra, la saturación y el tono. Estas combinaciones no sólo son diferentes desde una perspectiva técnica, sino que, lo que es más importante, crean diferentes asociaciones culturales en la mente de las personas. Una combinación puede recordar a la Navidad, mientras que otra puede ser más adecuada para una residencia de cuidado de bebés. El uso del color puede agregar atractivo visual e información valiosa a su trabajo. El uso exitoso del color es un desafío para cualquier diseñador. Replicar el color mediante impresión o reensamblaje agrega desafíos técnicos al proceso de diseño. Los colores en la pantalla de la computadora son generalmente más claros y no son dignos de los colores de la impresora. Al mismo tiempo, cada impresora tiene diferentes estándares de depuración y diferentes formas de copiar colores. Hay dos formas de ayudar a que el color copiado final coincida con la intención de su diseño: 1: Intercambiar opiniones con el impresor en las primeras etapas del diseño. Tal vez el impresor pueda darle algunas sugerencias para que el producto final cumpla con los requisitos del diseño. 2. Envíe el diseño a la impresora y proporcione muestras para que la impresora tenga la oportunidad de comprender intuitivamente cómo se verá el producto final, de modo que la operación pueda cumplir con los requisitos del diseño.