Describe la creación temprana de la ópera italiana
Debido al éxito de las primeras óperas, la ópera se extendió rápidamente desde Florencia a Roma, Venecia, Nápoles, Italia y gradualmente fluyó hacia los países europeos. Desde su nacimiento, se ha convertido en la mascota de príncipes y nobles y se ha desarrollado rápidamente. En el siglo XVII, casi todos los músicos concedían gran importancia a la creación de ópera. Las óperas del Período del Amanecer eran en su mayoría óperas de estilo Bai con una sola melodía, y las representaciones se limitaban básicamente al palacio. En términos de entretenimiento y disfrute cultural, se convirtieron en prerrogativa de los príncipes y nobles.
Ópera Romana:
En los 30 años posteriores a Dafne y Eurídice, sólo se representaron unas pocas óperas en Florencia. El centro de la ópera comenzó a trasladarse a Roma.
Los temas de la ópera romana son principalmente mitos y fábulas, con fuertes connotaciones religiosas, y el arte escénico persigue efectos lujosos y ricos. El principal compositor temprano de ópera romana fue Cavalieri (1550-1602) del grupo artístico florentino.
Es miembro de la Sociedad Camerata, consumado coreógrafo y diplomático, y también está obsesionado con la creación de ópera. En 1600 compuso la ópera "Expresión del alma y la carne" y la representó en Roma. Esta es una obra de moralidad que promueve ideas religiosas de manera alegórica. Con la lucha abstracta entre "alma" y "cuerpo" y la promoción alegórica de la moral religiosa como línea principal, esta obra es la más larga y tiene la banda sonora más completa. Es un recitativo apto para el canto. Esta pieza musical, que se sitúa entre la recitación y el canto, muestra el estilo único de la música neomonofónica antigua de Roma.
En 1623, el Papa Urbano VIII ascendió al trono de Roma. Su llegada al poder tuvo un enorme impacto en el establecimiento de la posición de liderazgo de la ópera romana en Italia. Las familias urbanas apoyaron el desarrollo de la ópera. El príncipe baronesa Bellini, sobrino de Urbano VIII, construyó alrededor de 1633 un teatro de ópera con capacidad para 3.000 espectadores en el Palacio Real y desarrolló un decorado de órgano para el escenario de la ópera. Dado que Roma es la sede de la Santa Sede y de la familia real, la ópera romana aboga por escenas lujosas y deslumbrantes, que puedan atender los intereses de los nobles y satisfacer su vanidad.
Las óperas de esta época se basaban mayoritariamente en dramas épicos sobre dioses y santos. En 1634, Julio Rosspiriosi de Clemente IX (más tarde Papa) escribió el libreto y Stefano Wenlan compuso "San Alessio", que se representó en la ceremonia de inauguración de la recién construida Ópera Romana. La obra describe la historia de un "santo" romano en la Edad Media, con el tema de la promoción de la moral religiosa.
En 1662 se representó en Roma "Las Cadenas de Adone" (Las Cadenas de Adone) escrita por Domenico Mazzocchi. Esta es una típica ópera "románica" que no sólo abandona los aburridos elementos de la recitación, sino que también convierte su preludio de ópera en una forma temprana de preludio de ópera que luego fue ampliamente adoptada. Esto atendía tanto a la iglesia como a la nobleza, y el efecto escénico era lujoso y rico. El principal compositor de la ópera tardorromana fue Luigi Rossi. En 1647, llenó el antiguo tema "O'Flo" con material pop excéntrico y de moda. causó sensación en el escenario de la ópera romana. Sin embargo, debido a las limitaciones de los temas de la ópera romana y las tendencias aristocráticas, gradualmente cortó su conexión con el público en general, exprimió su propia vitalidad en el lujo y finalmente desapareció de los escenarios de la ópera. En la época del Papa Inocencio X, la ópera romana estaba en declive, pero la Escuela de Música de Venecia mostró una gran reputación.
Fiebre de la Ópera de Venecia:
Antes de 1637, la ópera todavía era propiedad privada de la nobleza. No fue hasta 1637 que Venecia construyó el primer teatro de ópera del mundo, el Teatro di San Cassino. Por primera vez en la historia se estableció una actuación pública vendiendo entradas sobrantes al público en un teatro. A medida que los nobles siguieron su ejemplo, a finales del siglo XVII Venecia, con una población de sólo 125.000 habitantes, tenía más de una docena de teatros dedicados a representar óperas, con un número de óperas cercano a las 400, y la temporada de representaciones aumentó de una durante el siglo XVII. Carnaval a las tres.
A partir de entonces, la ópera dejó de ser sólo una ópera para la corte, sino también una ópera para el público.
Siempre que se representa una ópera, por un lado está el dueño de la sala de teatro, el director de la ópera, los poetas musicales, los músicos, los cantantes, los instrumentistas, los bailarines, los escenógrafos, los vestuaristas y muchos operarios de mantenimiento, y por el otro ahí está el público: algunas personas que han pagado y las que pagarán, muy animadas. Se dice que así nació la ópera moderna. El teatro se ha convertido en un lugar público y corporativo. Ya no se concebía como un lugar de grandes y raras recompensas, sino como un lugar de operación comercial o entretenimiento, un lugar de comercio rentable, un lugar donde uno podía satisfacer su propio placer.
La madurez de la ópera:
En el siglo XVII, en la historia de la ópera, Monteverdi, destacado representante de la escuela de música veneciana, fue una figura importante que conectaba el pasado y el futuro. Monteverdi nació en 1567, tres años después de Shakespeare. Su padre era médico en la ciudad de Cremona, fabricante de violines. Comenzó a escribir madrigales a una edad temprana y luego fue al Palacio de Gonzaga en Mantua, donde se convirtió en músico de la iglesia local en 1601. Monteverdi se dedicó principalmente a la escritura pastoral en sus primeros años y, por tanto, gozó de una gran reputación. De 1590 a 1612 se desempeñó como músico y músico del duque de Mantua. Durante este período, creó dos óperas, "Oflo" (1607) y "Arianna" (1608), que son ejemplos típicos de las primeras óperas. Especialmente Flo, utiliza la música para exagerar la atmósfera y las emociones de los personajes. Su canto solista está lleno de habilidades y sus obras a dúo tienen un estilo pastoral. También hay muchos estribillos en el programa que son muy pegadizos de escuchar. Las vívidas y conmovedoras imágenes artísticas de "Arianna" también hicieron llorar a miles de espectadores. Monteverdi inició su carrera artística en Venecia en 1612, donde vivió durante 30 años hasta su muerte a la edad de 76 años. Durante este período, Adón, el matrimonio de Eneas y Lavinia, el regreso de Ulises, la coronación de Poppia, etc. Son todas sus obras innovadoras. Sus dos últimas óperas fueron "El regreso de Ulises" (1641) y "La coronación de Poppia" (16448). Entre ellas, "La coronación de Poppia" es una de las primeras óperas históricas y cuenta la historia de una prostituta que se casa. Una historia para el emperador romano Nerón. La obra está llena de ideas psicológicas e ironía. En sus óperas se integran solos (recitados, arias), dúos, orquesta y danza al servicio de la trama. Monteverdi creía que la música de ópera debería expresar emociones humanas profundas y ser coherente con el significado de la letra. Monteverdi es conocido como el "Padre de la Ópera Moderna" por su papel fundamental en el género.
Los principales compositores de la ópera veneciana son los alumnos de Monteverdi, Pierre Francesco Cavalli (1602-1676) y Antonio Sesti (1623-1669).
Cavalli creó 42 óperas, lo que también refleja la demanda de obras de ópera en Venecia. Las obras representativas de Cavalli incluyen "Las bodas de Teti y Perreo" (1639), "La reina Dido" (1641), "Egez Toto" (1643), "El amante Ercoti" (1662). En 1649 compuso una de las óperas más famosas, "Giason", en la que aparecen alternativamente arias y recitativos en cada escena, llenas de atractivo dramático.
A diferencia del estilo de Cavalli, las óperas de Sesti están más dedicadas al lirismo y la decoración. Trabajó duro para restaurar y desarrollar los elementos musicales puros originales de Italia, centrándose en melodías hermosas y suaves y esculpiendo cuidadosamente sus obras. Como resultado, se desarrollaron las arias de ópera. La obra principal de Cesti, "Olontea" (1649), se ha representado durante mucho tiempo en Venecia, Roma, Florencia, Milán, Nápoles y otros lugares. Es una de las óperas más representadas del siglo XVII. En 1667 compuso "La manzana de oro", una ópera de la corte de estilo típico barroco, creada especialmente para la boda real. Es famoso por sus lujosas escenas, arias y antífonas líricas, exquisita pincelada, orquesta y coro a gran escala, etc. Es la obra maestra de Chesty.
Los principales compositores de la ópera veneciana tardía fueron Pietro Simon Agostini (alrededor de 1635-1680) y Antonio Sartorio (1630-1680).
Intentaron crear una nueva aria en un estilo popular y adoptaron pasajes de coloratura con funciones expresivas. La obra representativa del primero es “El Insulto de las Sabinas” y del segundo es “Adelaida”.
Características de la ópera veneciana en el siglo XVII:
El desarrollo y la innovación de la creación de ópera por parte de Monteverdi y otros transformaron la ópera de una forma narrativa simple a una forma dramática, y el tema también La historia cambia gradualmente de la vida pastoral a la tragicomedia, agregando más escenas de la vida diaria. Dieron un paso de gigante hacia la ópera.
A mediados del siglo XVII, la ópera italiana tomó forma básicamente en Venecia. Estas obras de ópera representan el estilo artístico de la ópera veneciana y tienen algunas características: los dramas históricos se han convertido en las óperas de mayor éxito; el canto solista se ha convertido en la principal forma de canto de las óperas y las recitaciones están separadas, y las arias son cada vez más valoradas por el público; Bienvenidos el autor y el público; el nuevo método de canto del bel canto ocupa una posición absolutamente dominante en el canto de ópera. El desarrollo de la trama se vuelve más complicado; la estructura del guión se vuelve cada vez más rigurosa, normalmente tres actos, y cada acto se divide en varias escenas. Cabe mencionar especialmente que los dispositivos de escenografía están básicamente mecanizados. Pueden simular batallas navales, tormentas, dioses, elefantes, leones y se pueden mover hacia arriba y hacia abajo. Algunos de los logros más destacados del arte escénico veneciano continuaron hasta el siglo XIX.
Ópera Napolitana (ópera ortodoxa):
En los años 1980, el centro de la ópera italiana se trasladó de Venecia a Nápoles. El representante de la escuela de música napolitana es Alessandro Scarlatti. Su popularización del llamado "regreso al aria original" no tiene paralelo. Un "aria de regreso al principio" se refiere a cantar las dos primeras partes de una canción y luego volver al principio para cantar la primera parte nuevamente, como si no la hubieras cantado bien la primera vez y comenzar de nuevo. A los cantantes les encanta esta rutina porque es un regreso regular al escenario. Algunos espectadores están dispuestos a aceptarlo para poder escuchar la letra nuevamente y obtener una comprensión más profunda.
Scarlatti (1660-1725) creó arias de libre desarrollo basadas en las letras vocales de Cavalli, dando al bel canto un amplio espacio de exhibición. El nivel de los solos vocales se ha mejorado como nunca antes, fortaleciendo el estilo melódico principal de la ópera (es decir, un estilo melódico único en contraste con las características polifónicas y polimelodíicas). En ese momento, el aria se había arreglado en la forma A-B: un cuerpo repetido de tres partes. Cuando la primera pieza musical se repite en la tercera pieza, el cantante puede agregar decoraciones y coloratura a voluntad para mostrar su voz y sus habilidades para el canto. Las óperas de Scarlatti tienen melodías hermosas e íntimas, y elige diferentes arias para expresar diferentes emociones. Si bien valoraba la voz humana, también valoraba la interpretación independiente de la música instrumental, y adoptó una técnica de composición altamente programada para que repertorios con tramas similares pudieran utilizar la misma banda sonora. El primer conjunto instrumental, compuesto por tres partes: rápido-lento-; rápido. La forma de ópera por excelencia que creó se conoce como ópera italiana. El énfasis en las voces humanas en las óperas llevó al uso generalizado de castrati (cantantes masculinos que fueron castrados a una edad temprana, con voces agudas, hermosas y elásticas) en Europa, pero el público posterior no los tomó en serio. Los nobles jugaban al ajedrez y a las cartas en la caja, o fingían no saber nada. Los actores también muestran ciegamente sus voces a través de sus habilidades, y existe una tendencia a simplemente seguir la forma del "bel canto" e ignorar el contenido. Como resultado, la ópera perdió su valor como arte y finalmente decayó. Más tarde, debido a que la trama era la misma y aburrida, el público solo escuchó las arias mostrando sus habilidades y no la recitación.
Sus primeras obras incluyen "El error de la ignorancia" (1679), escrita por Roma, "Amor verdadero" (1680), escrita por la reina Cristina de Suecia, y General Pompeya (1683). De 1684 a 1702, Scarlatti fue director musical del Palazzo Carpio, el Dux de Nápoles, y compuso más de 40 óperas, entre ellas "Pirro y Demetrius" (1694), "Otoño de los Diez" (1697), y más tarde Regresó a Nápoles vía Roma y Venecia. Escribió 115 óperas a lo largo de su vida, la mayoría de las cuales fueron adaptadas de leyendas históricas y comedias seculares.