Acerca de los directores de cine..

Sergei Eisenstein

Obra maestra: “Las reglas del juego”

Sergei Eisenstein (antigua Unión Soviética, 1898-1948)

Un propagandista, un interlocutor y un reformador feroz. Posee un poder mucho más allá del de sus contemporáneos. Puede que sus películas no se consideren arte absoluto, pero sus ideas todavía se utilizan hoy en día. Sus películas son tan poderosas, como una vaca sagrada, que incluso las situaciones formales resultan inolvidables. Una de las funciones originales del arte es la propaganda, aunque la filosofía del arte moderno ya no lo define así, este puede ser un proceso que se debe experimentar cuando se inicia un arte. Al menos en esa época, influyó en una generación, y esas técnicas más básicas todavía se utilizan hoy en día. ¡Creo que te sorprenderás igualmente cuando veas esos famosos clips de hoy!

Ingmar Bergman

Desde que ingresó a la industria cinematográfica en la década de 1950, Ingmar Bergman se ha distinguido por su estilo de imagen simple, su espíritu melancólico y racional y la exploración de una serie de temas como este. como vida y muerte, alma y cuerpo, espíritu y existencia, lo ha convertido en una de las pocas personas en el mundo del cine que ha incluido películas en temas filosóficos serios. El espíritu racional del cine sueco establecido por Bergman y el estilo realista del nuevo cine sueco de los años 1960 tienen el mismo objetivo y han influido mucho en el cine francés de la Nueva Ola.

Bergman, un gran director que tenía la libertad de rodar películas directamente como un escritor y que siempre ha mantenido su posición como director de escena de primer nivel en Suecia, realizó "Fresas salvajes", "La primavera virgen", "Gritos y Susurros" y muchos otros clásicos. Tras rodar "Fanny y Alexander" en 1981, se despidió de la industria cinematográfica y se dedicó a la escena dramática que le apasionaba. Este hombre de 85 años se ha convertido en el "Séptimo Sello" más misterioso y definitivo del arte cinematográfico con su espíritu asombroso y vigoroso.

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Fellini

El 20 de enero de 1920, Fellini nació en Rimini, Italia, en octubre de 1993. El día 31, Murió en Roma debido a una enfermedad cardíaca y un derrame cerebral. Por sus experiencias de joven, es director, actor y escritor todo en uno.

Como artista cinematográfico ganador de cinco premios Oscar, Fellini, junto con Ingmar Bergman y Andrei Tarkovsky, es conocido como la "Santísima Trinidad" de las películas de arte moderno en el mundo, es la cima insuperable del cine. Películas de arte europeas desde la década de 1960. Fellini también guió el proceso espiritual de la Italia de la posguerra con su fuerte marca personal: el "estilo Fellini".

Akira Kurosawa (Japón, 1910-1998)

Un guerrero, un samurái. Las emociones transmitidas por la cámara de Akira Kurosawa también son violentas, tan violentas que la gente no puede creer en este mundo humano. A través de su lente, el drama se transforma en una película, pero al final la imagen misma produce un drama independiente. Una expresión tan fuerte de la naturaleza humana revela la imprevisibilidad de la naturaleza humana. ¡Qué gran técnica! Quizás a sus ojos la mayor tragedia de este mundo resida en la desconfianza en la moralidad. Por lo tanto, siempre hay extrema tristeza e impotencia en los majestuosos arreglos e imágenes.

● Obras representativas: "Rashomon", "Seven Samurai", "Ran"

Stephen Spielberg

Stephen Spielberg Nacido en una familia judía en Cincinnati, Ohio , su padre era ingeniero eléctrico y su madre era pianista en el pasado; este maestro de las exitosas películas de efectos especiales de ciencia ficción luego combinó hábilmente el conocimiento tecnológico polarizado y sus ambiciones artísticas provienen de las enseñanzas de su padre sobre la tecnología y la influencia de su madre en la estética. Su amor de toda la vida por la narración fue influenciado por el hecho de que su padre le contara desde una edad temprana sus heroicas pero falsas experiencias luchando contra los japoneses en Birmania durante la Segunda Guerra Mundial. Esto también le dio a Spielberg una impresión romántica de la época inocente de los años 40, que aparece a menudo en sus películas, contrastando la insatisfactoria vida real con una época ideal tan inalcanzable.

Debido al trabajo de su padre, Spielberg siguió mudándose y cambiando de escuela durante su infancia (finalmente se mudaron de Nueva Jersey a Phoenix, Arizona), lo que provocó que se sintiera bastante inestable en las relaciones interpersonales, además, sus padres tenían personalidades inconsistentes durante años; Las riñas y su inferior fuerza física hicieron que la infancia de Spielberg transcurriera siempre en un alto grado de desorden y frustración. Por lo tanto, aprendió de su madre una cierta visión de la vida: una visión optimista de esperar siempre algo bueno por venir, y esto también se reflejó en sus películas y se convirtió en el tono de sus películas.

Obras: "Fuego", "Tiburón", "Parque Jurásico", "La lista de Schindler", "El mundo perdido", "Salvar al soldado Ryan", "ET" y "Stoneland" "El duelo"

Alfred Hitchcock (británico/estadounidense, 1899-1980)

Ya no quiero decir mucho sobre este tipo oscuro pero amable. Desde cierto punto de vista, se diferencia de los artistas extremos, pero consigue el mismo efecto. En su expresión, esas sustancias originalmente ordinarias se volverán extraordinarias e incluso mortales. Lo que quiero mencionar aquí no es el "suspenso" que se ha repetido innumerables veces, sino el "romance". ¿Quién hubiera pensado que un hombre tan gordo podría ser la persona más delicada y romántica del mundo? Al mirar las películas de Hitchcock, si no puedes detectar el delicado romance y el humor, entonces al menos no has comenzado todavía. Este tipo de romance no solo se refiere a la sutil conexión interior entre los personajes, sino que también esos meticulosos planos, ya sean subjetivos u objetivos, forman en sí mismos una especie de romance. ¡Incluso lo suficientemente romántico como para matar! Hitchcock es el único maestro de cine que puede hacer que una escena de beso sea tan tensa, melancólica e incómoda como un asesinato, y al mismo tiempo hacer que el asesinato sea tan suave y pacífico como un beso. ¿Cómo pudo hacer esto? ¿Será porque el sexo y la muerte siempre están estrechamente vinculados? No lo pienses demasiado, en cuanto lo pienses, secretamente sonreirá en el cielo.

● Obras representativas: "Vértigo", "Beauty Trap"

Stanley Kubrick nació el 26 de julio de 1928 en el Bronx, Nueva York, Estados Unidos. Sus antepasados ​​eran de A. Inmigrante judío del Imperio austrohúngaro, su padre era médico. En 1941, cuando Kubrick tenía 13 años, su padre le regaló una cámara y se interesó por la fotografía.

En 1946 se incorporó a la revista "Prospect" como fotoperiodista, lo que le dio la oportunidad de viajar por todo Estados Unidos y realizó un trabajo destacado. En 1950, con 3.800 dólares de ahorros personales, escribió, dirigió y trabajó como fotógrafo para filmar un corto documental "El día del combate de boxeo", que registraba la participación del boxeador Walter Cartier en el combate. Una vez finalizado, fue vendido a. RKO Films por 4.000 dólares. Ese mismo año, dejó su trabajo en la revista Prospect, asistió a la Universidad de Columbia, se dedicó al estudio de obras literarias y miró atentamente películas clásicas en el Museo de Arte Moderno, esforzándose por mejorar su calidad artística cinematográfica.

El pináculo de la carrera de Kubrick fue el clásico del cine de ciencia ficción de 1968, 2001: Un viaje espacial, que escribió y dirigió una película con deslumbrantes efectos visuales y originalidad de la música. La naranja mecánica de 1971 fue una representación impresionante de pandilleros violentos, pero fue prohibida en el Reino Unido por elogiar la violencia.

Las obras clásicas también incluyen Invincible, que describe la rebelión de los esclavos, The Pear Blossoms Under the Begonia, adaptada de la impactante novela, y Dr. Strangelove, The War of 1987, que describe la Guerra Fría que puede conducir al estallido de la guerra nuclear. Las películas de Kubrick tenían principalmente temas de crimen y violencia, y tendían a ser antisistema. A menudo eran controvertidas y las críticas cinematográficas estaban polarizadas. Fue nominado a catorce premios Oscar en su vida y ganó ocho, pero nunca ganó el premio al Mejor Director. El premio hizo que la gente de la industria cinematográfica sintiera lástima por este destacado director de la posguerra.

Después de muchos años de inactividad, comenzó a filmar el thriller erótico Eye-opening en 1996. Desafortunadamente, no lo terminó hasta enero. Cuando estaba comenzando el trabajo de postproducción de la película, de repente. Falleció y regresó a Occidente sin cumplir su ambición. El 7 de marzo de 1999 Kubrick falleció en Inglaterra a la edad de 71 años. Los fanáticos del cine estaban extremadamente sorprendidos y arrepentidos. Los cinéfilos rinden homenaje al maestro y sólo pueden recordarlo desde la reveladora perspectiva de su obra de despedida...

Chaplin

En la historia del cine, hay innumerables personas que se han convertido en maestros filmando tragedias, pero hay muy pocas personas que se han convertido en maestros a través de películas de comedia. Esto es suficiente para demostrar lo difícil que es la comedia. Difícil que la tragedia.

Pero Chaplin lo hizo, el único en un siglo. La imagen del vagabundo con grandes zapatos de cuero, sosteniendo un bastón delgado y caminando como un pingüino ha provocado risas interminables en generaciones de espectadores. Detrás de esta risa se esconde la soledad y la desolación de la vida. Este conjunto de DVD contiene 10 largometrajes de Chaplin, más dos cortometrajes, que representan los logros más importantes de la vida de Chaplin. Lo más gratificante es que las películas más importantes entre ellas son "City Lights" y "Gold Rush". "Memories" y "Modern Times" son versiones restauradas digitalmente. La calidad de la imagen es mucho más clara que la original. Es una buena opción para coleccionar.

Con sombrero de copa, un par de zapatos puntiagudos, un bigote negro debajo de la nariz, una blusa ajustada y pantalones holgados que se llevaban torpemente al cuerpo, bailaba con sus manos en un bastón, apareciendo en la pantalla como un pato: esta es la imagen del caballero vagabundo que Chaplin creó para nosotros. Charlie Chaplin fue una superestrella en la era del cine mudo de Hollywood. Él y la imagen de Charlotte que creó serán recordados para siempre. Ya sea la bondad, el humor y la desgracia del vagabundo Charlot, o la terquedad y arrogancia del gran dictador, estos se han convertido en miradas clásicas en la historia del cine mundial.

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David Lean

David Lean nació en Inglaterra en 1908 y comenzó a filmar en 1928. Famoso por realizar películas literarias y dramáticas. películas. En 1942 dirigió la inolvidable obra romántica "Nos conocimos demasiado tarde". De 1946 a 1948, adaptó a la pantalla "Las lágrimas de la estrella solitaria" y "Oliver Twist" de Dickens, produciendo películas con fuertes características nacionales británicas. A partir de mediados de la década de 1950, el estilo de Lean cambió y emprendió un camino internacional, especializándose en "películas transoceánicas" (películas que atendían los gustos del público británico y estadounidense a ambos lados del Atlántico), como "Bridge on the River Kwai" La "película transoceánica" más famosa de la Gran Bretaña de los años cincuenta. Lean, respaldado por un fuerte capital estadounidense, hizo que la película fuera espectacular y magnífica. Por ello ganó su primer premio al Mejor Director. En 1962, volvió a rodar la superproducción histórica "Lawrence de Arabia" y ganó su segunda estatua de oro. Dirigió "Doctor Zhivago" en 1965 y "Pasaje a la India" en 1984. Después de más de 40 años de cine, David Lean sólo hizo 16 películas, pero fue nominado a 56 premios Oscar, ganando *** Ha ganado 27 de oro. Ha sido nominado al Premio al Mejor Director siete veces y ganó dos veces. Es conocido como el decano de la industria cinematográfica británica.

Cronología de obras:

Serie Descubrimiento Grandes esperanzas (2001)

Un pasaje a la India (1984)

La hija de Ryan (1970) )

La historia más grande jamás contada (1965)

Doctor Zhivago (1965)

Lawrence de Arabia (1962)

El puente en el río Kwai (1957)

Summertime (1955)

La elección de la mujer Hobson (1954)

La barrera del sonido (1952)

Madeleine (1950)

El duende feliz Espíritu alegre (1949)

Oliver Twist (1948)

Grandes esperanzas (1946)

Breve encuentro (1945)

Esta raza feliz (1944)

En la que servimos (1942)

Trabajos de guión

Pasaje a la India (1984)

Blithe Spirit (1949)

Oliver Twist (1948)

La estrella solitaria: Grandes esperanzas (1946)

Breve encuentro (1945)

Esta raza feliz (1944)

Jean-Luc Godard

Director franco-suizo, figura representativa del cine francés El movimiento New Wave, rompió las reglas tradicionales del cine, como la narrativa, la continuidad, etc. Fue educado en Suiza y París en sus primeros años, y viajó por América del Norte y del Sur durante tres años.

En 1950 ingresó en la redacción de los "Cahiers du Cinema" franceses y comenzó a dedicarse a la crítica cinematográfica a tiempo completo. En los diez años siguientes, pasó todo el día en la Filmoteca, estudiando y viendo un gran número de películas de diversos tipos, sentando una base sólida para la alfabetización cinematográfica. De 1954 a 1958 intentó dirigir cinco cortometrajes. Con la ayuda de Truffaut rodó su primer largometraje, "Breathless", y ganó el premio al mejor director en el Festival de Cine de Berlín.

Desde finales de la década de 1950 hasta mediados de la década de 1960 fue el período cumbre de la creación de Godard. Después de 1967, todas sus obras fueron películas políticas, lo que alienó a un gran número de espectadores que lo amaban. Después de la "tormenta de mayo" en Francia en 1968, Godard y Jean-Pierre Gauland, el líder del movimiento estudiantil francés en ese momento, organizaron el "Grupo Vertov", que creía en Djiga Vertov, el fundador del primer "cine" soviético. Teoría de Eyes: "Para hacer una película revolucionaria, primero debemos revolucionar la película". El grupo realizó una serie de "películas políticas" como "Verdad", "Viento del Este", "La lucha de Italia", "Hasta la victoria", "Todo va bien", etc. En la década de 1970 dejó de filmar debido a un accidente automovilístico y se mudó a Suiza. En 1980, regresó a Francia para hacer películas, entre las que destacan "Carmen Named" y "New Wave".