¿Qué es la escultura de los siglos XVII al XVIII?
Este grupo de esculturas de Bernini es una de sus primeras obras representativas. Muestra la escena del Fauno siendo jugado y divertido por los niños. El movimiento y el ruido son el centro de esta obra. El cuerpo del Fauno está inclinado hacia atrás, con los brazos moviéndose hacia adelante y hacia atrás, casi formando una línea recta. Toda la obra se basa en el tronco de un árbol, que está lleno de frutos, y dos perros de caza tumbados debajo del árbol. La composición de este grupo escultórico es vivaz y vivaz.
Este grupo de figuras escultóricas no tiene la grandeza y el poder del Renacimiento, pero es ligero y elegante, reflejando el estilo artístico barroco.
"Mujer tomando un baño" Falcao Nie representa el mayor logro de la escultura rococó francesa del siglo XVIII, y esta obra es su obra maestra. El autor muestra el momento en que una chica bañándose se quita el vestido y sus pies están a punto de meterse en el agua. Utiliza técnicas creativas realistas para crear una imagen femenina hermosa, elegante y pura. Los personajes son regordetes y encantadores, las líneas son suaves y tersas, las formas son simples y sencillas y la dinámica es armoniosa y natural.
Los rasgos corporales elegantes y estirados y el estilo de modelado realista de "La chica del baño" heredan claramente las características del arte rococó, al tiempo que integran el estilo simple del clasicismo.
"Retrato de Franklin" fue escrito por Wu Dong, y encarna la búsqueda de Wu Dong de retratar la psicología de los personajes: tratando de resumir la experiencia de vida del personaje y las características de la época dentro de un cofre muy limitado. La rigurosa configuración del carácter de Franklin por parte del escultor hace que su imagen parezca solemne, pacífica y contiene una gran magnanimidad. La forma de toda la estatua es extremadamente resumida y concisa. El autor representa vívidamente los objetos con técnicas realistas y escribe una página inmortal para el desarrollo del retrato escultórico. Franklin fue un activista social, escritor y científico estadounidense con personalidad. "Retrato de Franklin" resume su experiencia de vida y las características de la época.
"El beso de Cupido despierta el alma" es una de las obras maestras de Canova y sentó las bases de su estilo escultórico neoclásico. Esta pequeña estatua ha sido tallada con gran cuidado, demostrando plenamente las magníficas habilidades del autor. En la obra, las alas de Cupido son extremadamente delgadas, de más de un metro de largo, pero no están rotas ni dañadas. La obra no sólo tiene una superficie extremadamente lisa, sino que también tiene un fuerte sentido de la forma y está llena de colores románticos. El beso de la diosa del amor expresado en la escultura está libre de lujuria y pasión, despertando el espíritu del alma en un ambiente tranquilo. Esta estatua expresa la búsqueda de la belleza formal por parte del artista.
El Caballo de Marley es obra del escultor francés Cousteau. El escultor dedicó mucho esfuerzo a crear este caballo violento, majestuoso e incontrolable. Mantenía la cabeza en alto y trotaba con un impulso irresistible. Al lado del caballo hay un entrenador que intenta domar al feroz caballo. El contraste entre caballo y hombre en forma y fuerza transmite un espíritu invencible. En cuanto a las técnicas de talla, el escultor heredó evidentemente técnicas artísticas barrocas.
Apolo y Daphne Bernini, Italia
Daphne (Diosa Laurel) es una diosa muy hermosa. Una vez adoró a Apolo, el hijo mayor de Zeus. Finalmente, un día Apolo no pudo resistir su amor por la diosa Laurel y la persiguió. Pero como el propio Apolo era el dios del sol, su cuerpo acumulaba mucha energía térmica, lo cual era insoportable para Laurel. Una vez que se acercaba, existía el peligro de quemarle la piel. Así que cada vez que Apolo perseguía a Laurel, ella se escondía. Así, persiguiendo y escondiéndose, pero esto no era solución. Finalmente Laurel no pudo soportarlo más y gritó pidiendo ayuda. Su padre no podía soportar que su hija sufriera tanto, así que abrió una gran grieta en la tierra. El laurel saltó a un árbol grande y salió de la grieta. A partir de entonces, el árbol fue conocido como laurel. Apolo, sin saber por qué, pensó que Laurel preferiría convertirse en árbol antes que estar con él. Hasta que un día, de repente se dio cuenta de que era porque tenía demasiado calor que el laurel se había convertido en un gran árbol. Apolo prometió dejar siempre una tapadera para Laurel.
Eso es lo que ahora conocemos como la mancha solar, la eterna tapa que quedó en el corazón del dios sol, la tapa que dejó al laurel...
Apolo y Dafne Bernini
La persecución amorosa entre Apolo y Dafne descrita en la mitología griega es una historia muy atractiva y a muchos artistas les gusta utilizar este tema en sus creaciones. La más famosa de ellas es la estatua esculpida por Giovanni Lorenz Bernini.
En 1623, Bernini decoró el jardín del cardenal Spio Niebergates en Roma con cuatro grupos de estatuas, una de las cuales era Apolo y Dafne. Ahora en la colección del Museo de Arte Boggs de Roma, Italia.
La estatua muestra el momento en que la mano de Apolo toca el cuerpo de Dafne. Ambos corrían con el viento, sus cuerpos ligeros y elegantes. El cuerpo de Daphne ha comenzado a convertirse en un laurel, sus piernas voladoras se han convertido en troncos de árboles y han sido plantadas en el suelo. Han crecido hojas entre su cabello suelto y sus dedos estirados, e incluso sus senos más suaves están cubiertos con una fina capa de. ladrar. Pero todo el cuerpo de Daphne aún mantenía una postura de vuelo, y la forma de sus brazos y cuerpo tenía una elegante forma de S. Ella ladeó la cabeza y sus ojos pasaron del horror al entumecimiento y la lástima. Apolo vio a Dafne convertirse en un laurel, su expresión cambió de sorpresa a tristeza, pero no pudo recuperarla. Una de sus manos permanece sobre el cuerpo de Daphne, mientras que la otra se extiende en diagonal hacia abajo para formar una línea recta con el brazo de Daphne, haciendo que toda la estatua se sienta turbulenta y expresiva.
Las obras de Bernini están creadas imitando el estilo escultórico griego tardío, y las tramas dramáticas hacen que las estatuas estén profundamente arraigadas en los corazones de las personas. El gesto de toda la obra es impecable. No importa desde qué ángulo se mire, las dos figuras son tan hermosas como bailar. Esta obra fue escrita por Bernini para uno de los cardenales más poderosos de su tiempo. Causó sensación inmediata en Roma y todos los que lo vieron quedaron conmovidos.
El escultor y arquitecto italiano Giovanni Lorenz Bernini fue el mayor artista del siglo XVII. Nació en 1598 y murió pocos días después de cumplir 82 años. Fue el último de ese destacado grupo de artistas polifacéticos, gracias a cuyos esfuerzos Italia siguió siendo un faro de luz para el mundo occidental durante tres siglos.
Como líder del arte barroco italiano, Bernini era versátil. Era bueno escribiendo y pintando, herencia del Renacimiento. En cuanto a Bernini, se escribió una vez: Se representó un drama popular en el que pintó paisajes, esculpió estatuas, inventó máquinas, compuso música, escribió comedias e incluso construyó teatros. La influencia que tuvo sobre él en ese momento no tuvo paralelo en la historia.
Bernini nació en Nápoles. Su padre también era escultor. En 1605, su familia se trasladó a Roma. Se dice que cuando tenía ocho años hizo un dibujo de un niño, lo que sorprendió a su padre. A la edad de 17 años, pudo realizar de forma independiente un busto muy hermoso del arzobispo Sartoni. Más tarde conocí al famoso cardenal Spiopol Gates. Cuando era joven, Polquez le encargó una serie de piezas para decorar su jardín. Al producir estas obras, Bernini mostró su talento, logró un éxito inesperado y obtuvo grandes honores. Su David, escrito en 1619 (algunos dicen que en 1623), es uno de ellos.
Los personajes de Bernini están siempre en intenso movimiento. El mármol parece haber perdido peso en sus manos y las ropas de los personajes siempre ondean suavemente con el viento, dando a la gente una sensación de ligereza, vivacidad e inquietud. La representación que hace Bernini del cuerpo humano no es menor que la de Miguel Ángel, pero expresa mejor tramas dramáticas y el cuerpo humano en intenso movimiento. La influencia de la tradición clásica en él también se puede ver en sus obras, especialmente el estilo del período helenístico, que tiene evidentes ecos en sus obras. Cuando se completó la escultura "Apolo y Dafne", Bernini se ganó los elogios de toda Roma. Incluso algunas figuras religiosas importantes se sintieron conmovidas, entre ellas Urbano VIII, que pronto se convirtió en Papa, quien también elogió a Bernini. Posteriormente ingresó en la Santa Sede y el Papa le encargó la realización de un lujoso baldaquino de bronce para la Basílica de San Pedro. Se trata de una obra que combina estrechamente escultura y arquitectura. Esta escultura realista demuestra plenamente el pensamiento de Bernini de servir a la religión de todo corazón y también demuestra las características integrales, lujosas, decorativas, dramáticas y de otro tipo del arte barroco. La creación de la columnata frontal de la Basílica de San Pedro es majestuosa y dinámica, haciendo eco de la cúpula de la catedral de Miguel Ángel, haciendo de este paisaje el más magnífico de Roma.
El éxito de la escultura del altar "El Altar de Santa Teresa" marcó el pináculo de la escultura de Bernini. En esta obra, Bernini encarna el humanismo. Refleja la dignidad de las personas, los ideales y la búsqueda de una vida mejor, que también es una parte activa de la creación de Bernini y también es diferente del arte barroco en general.
Las esculturas de retratos de Bernini generalmente se pueden dividir en dos categorías : uno son retratos escultóricos realizados por encargo de papas y reyes. Estas obras son más hermosas y menos personalizadas, y a menudo carecen de la representación interna de los personajes. La segunda categoría son los retratos escultóricos que creó de amigos y familiares. Tenía más libertad a la hora de hacer retratos de amigos y familiares, por lo que era más vívido. Posteriormente, en 1665, fue invitado por el rey Luis XIV de Francia a diseñar la fachada este del Louvre en Francia. Pero en esta época, las esculturas de Bernini mostraban tendencias cada vez más estilizadas, mientras que el humanismo era débil, los factores de realismo también estaban disminuyendo y había más misterio religioso. Aunque las habilidades creativas han alcanzado el nivel de competencia, muchas obras han carecido de vitalidad e innovación.
Bernini no sólo fue un famoso escultor y arquitecto, sino también un excelente pintor. Muy poca gente menciona esto. De hecho, muchas de sus más de 65.438+000 obras a lo largo de su vida son excelentes. Además, también dibujó algunos dibujos animados. Bernini también fue un caricaturista famoso en el siglo XVII. Bernini fue esencialmente un hombre de fe. No escribió ningún ensayo que expresara sus ideas, pero Bernini era único: algunos artistas son igualmente apasionados, otros son igualmente creativos, pero en toda la historia del arte probablemente nunca habrá un guerrero más grande por sus creencias y su lucha.
La Fuente de Bernini es su aportación más destacada a Roma. Su primera fuente fue el "Barco Roto" en Piazza di Spagna, una combinación de escultura y arquitectura en forma de dosel. El Tritón es una variación importante de la fuente románica. Los estanques superpuestos de una fuente cuadrada geométrica tradicional parecen realistas. Cuatro peces curvos sostenían una enorme concha, y Poseidón se paró sobre la concha y roció agua con el cuerno de la caracola.
Pero no todos los primeros diseños arquitectónicos tuvieron éxito. En 1637 comenzó a construir el campanario sobre la fachada de la Basílica de San Pedro. Pero en 1646, cuando el peso de los campanarios comenzó a agrietar el edificio, fueron demolidos y Bernini cayó en desgracia por un tiempo.
Las obras conmemorativas más destacadas de Bernini se completaron a mediados de los años 60. La Fuente de los Cuatro Ríos en Piazza Navona, Roma, es un antiguo obelisco egipcio erigido sobre una enorme roca hueca. Hay cuatro estatuas de mármol en la cima de la roca, que simbolizan los cuatro ríos principales del mundo en el siglo XVII, a saber, el río Danubio en Europa, el río Nilo en África, el río Ganges en Asia y el río Labrador en el Américas. En la parte superior del obelisco tiene el escudo papal y una paloma con una columna marrón (el emblema familiar del Papa Inocencio X), lo que muestra claramente que el Vaticano ha sido revivido y lleno de vitalidad, y gobierna el mundo en su nombre. de Dios. A pesar de su evidente significado simbólico, la Fuente de Bernini es su mejor obra permanente.
La escenografía de Bernini sobrevivió durante varios años, lo que también muestra todo el alcance de su imaginación. La esencia del teatro de Bernini es la misma que su arte, rompió viejas reglas y estableció conexiones directas y muchas veces inesperadas con su público. Era conocido por utilizar fuego real en sus actuaciones, y en un momento incluso inundó el escenario con agua, permitiendo que el público se convirtiera, al menos por un momento, en actores entusiastas de la actuación.
El ejemplo más destacado del arte maduro de Bernini es la Capilla Cornaro de Notre Dame Vittoria en Roma. Desde el inicio de su carrera artística ha estado explorando el progreso. Encargada por el cardenal Cornaro, la iglesia está ubicada en una capilla poco profunda de la iglesia. La pieza central es "La adicción de Santa Madre Teresa", que describe una experiencia mística de Santa Madre Teresa de Ávila, una gran reformadora de la sociedad carmelita en España. Teresa soñaba con que algún día traspasaría su corazón con la flecha ardiente del amor de Dios. La creación artística de Bernini se basó en situaciones descritas por la propia Teresa. La estatua tiene la pose de una santa obsesionada que se desmaya en una visión, con su velo colgando de la portada y colocado en un nicho sobre el altar, iluminado por la luz del aire. Este trabajo combina muchos elementos del arte arquitectónico y el arte decorativo, y es metódico y en capas. A izquierda y derecha se pueden ver muchos miembros de la familia Cornaro en un espacio que parece un palco de ópera. Estaban llenos de energía, ya sea hablando, leyendo u orando. La Capilla Cornaro encarna plenamente el ideal pictórico tridimensional de Bernini.
En el mármol blanco están talladas imágenes de Santa Teresa y ángeles, pero el espectador no puede decir si son esculturas tridimensionales o simplemente relieves profundos. La luz del sol natural forma una parte integral de esta escultura, brillando por encima y detrás de ambas imágenes desde fuentes de luz ocultas. La Adicción de Santa Madre Teresa no es una escultura en el sentido tradicional, sino un paisaje organizado compuesto de escultura, pintura y luz, que incluye a los fieles en un drama religioso.
El mayor logro arquitectónico de Bernini es la columnata que rodea la plaza frente a la Basílica de San Pedro. La función principal de este enorme espacio es dar cabida a las personas que vienen a escuchar las bendiciones del Papa en Semana Santa y otras ocasiones especiales. Bernini diseñó un enorme patrón ovalado que conecta la iglesia con un vestíbulo trapezoidal. De esta forma describe a la Iglesia como una madre que la rodea con sus brazos. Para satisfacer la necesidad de acceso libre al lugar, el diseño de columnas exentas fue una solución pionera. La plaza guía a los visitantes hacia la iglesia, compensando la falta de una amplia fachada en la Basílica de San Pedro. En el centro del Óvalo de Bernini se encuentra el Obelisco Vaticano, que Sixto V trasladó al frente de la iglesia en 1586. Bernini trasladó una fuente construida en Maderno al eje longitudinal de la plaza. Para combinar perfectamente con el paisaje, se añadió uno idéntico en el lado opuesto. Este diseño es similar a la imagen de Bernini de la Piazza Santandria en el Monte Quirinal, sólo que con diferentes significados y funciones, pero el patrón de los dos óvalos es igualmente refrescante.
La decoración religiosa más magnífica de Bernini es la sede papal, el trono de San Pedro, completado entre 1657 y 1666. El trono papal medieval de madera estaba hecho de bronce y dorado. La tarea de Bernini no era sólo decorar las sillas, sino también crear un propósito significativo para asistir a la Basílica de San Pedro en el pasillo trasero. La fachada del trono está sostenida por estatuas de bronce de cuatro figuras famosas: los primeros teólogos cristianos San Ambrosio, San Atanasio, San Juan Crisóstomo y San Agustín. Arriba están el halo dorado de ángeles en las nubes y la luz del Espíritu Santo pintada en la ventana ovalada. La iluminación natural de la manifestación del Espíritu Santo se convierte en un símbolo tangible de la misericordia de Dios que fluye a través de la iglesia en todo el mundo. La silla se creó aproximadamente al mismo tiempo que el cuadrado. La obvia diferencia entre estas dos obras muestra que la versatilidad de Bernini es realmente asombrosa. Ambas obras fueron creadas por el Papa Alejandro VII (que reinó entre 1655 y 1667) de la familia Qi Ji.
El Éxtasis de Santa Teresa Bernini, Italia
Giovanni Lorenz Bernini fue un escultor y arquitecto italiano, uno de los principales representantes del arte barroco. Primero, también es el fundador del arte barroco. Sus obras se caracterizan por las características del arte barroco, que se reflejan en la integración de la arquitectura, la escultura y la pintura en la iglesia. Presta atención a la forma de la obra, especialmente los elementos de la pintura en la escultura, y es bueno en su uso. Elementos delicados. Sus técnicas únicas y composiciones exageradas expresan los intensos movimientos de los personajes y el estado mental del momento, dando a sus obras un fuerte sentido dramático. El Éxtasis de Santa Teresa en la imagen es un ejemplo perfecto del arte barroco. La estatua muestra a Santa Teresa teniendo una visión en la que un ángel le arrojó Azuma, golpeando su corazón, cuerpo y espíritu. Todos quedaron intoxicados por ello. La estatua es elegante y llena de sensación y movimiento dramáticos, que recuerda a Miguel Ángel y las estatuas antiguas. Bernini también fue un artista prolífico. Usó sus obras maestras para embellecer Roma y convertirla en una hermosa ciudad barroca y pasear por las calles de Roma. Estas obras se pueden encontrar en todas partes. Fue un gran arquitecto y el plano de la Plaza de San Pedro en Roma es uno de sus mayores logros arquitectónicos. Esto demuestra que sus obras fueron muy queridas por el Vaticano y la sociedad de aquella época.
El Fauno de Voltaire
Voltaire fue un pensador, escritor y filósofo de la Ilustración francés. Voltaire fue el abanderado de la Ilustración burguesa francesa en el siglo XVIII. Era conocido como el rey del pensamiento francés, el mejor poeta de Francia y la conciencia de Europa. Voltaire no sólo tuvo logros destacados en filosofía, sino que también fue famoso por su defensa de las libertades civiles, especialmente la libertad de creencia y la justicia judicial. Voltaire apoyó abiertamente la reforma social, a pesar de la estricta censura de su época. Sus comentarios eran adeptos a la sátira, y a menudo atacaban el dogma de la iglesia cristiana y el sistema educativo francés de la época. Hugo comentó una vez: El nombre de Voltaire no representa una persona, sino toda una era. Defendió los derechos humanos naturales defendidos por Rousseau y creía que todos nacemos libres e iguales, y que todos tenemos derecho a buscar la supervivencia y la felicidad, que es un regalo de Dios e inalienable. Esta es una idea innata de derechos humanos.
Estatua de Voltaire
Se trata de un destacado representante de la escultura clásica. El anciano estaba sentado tranquilamente en un sillón, vestido con una antigua túnica romana, con las manos en los apoyabrazos y la cabeza ligeramente inclinada, como si escuchara atentamente las conversaciones de la gente. El cuerpo delgado y envejecido es vagamente perceptible, pero la túnica lo cubre con una línea recta de arriba a abajo, y los gruesos pliegues son particularmente llamativos. Esto le da a toda la escultura un efecto monumental y el ingenioso manejo es sorprendente. La descripción facial de Voltaire es particularmente delicada y contiene un contenido extremadamente rico. Su fuerza no es externa, sino interna. Es la actitud tranquila de un hombre sabio ante todos los problemas. Es condescendiente, cómodo y tranquilo, ríe y maldice, y es gracioso e ingenioso. Especialmente esos ojos que están hechos para parecerse a personas reales. La parte del iris está completamente hundida y la sombra de la parte hundida está llena de puntos negros. Estos ojos cristalinos y aparentemente llorosos están llenos de confianza y fuerza. Wu Dong fue el primer escultor que supo representar los ojos. comentó uno de sus amigos.
Entre los pocos escultores de la historia del arte occidental, Wu Dong ocupa un puesto importante. Vivió en la época de la Ilustración francesa y fue un escultor que hizo época y desempeñó un papel destacado en la transición del clasicismo francés al realismo.
Jean-Antoine Udon nació en Versalles en una familia de cuidadores. Cuando tenía 7 años, el jardín de su padre se convirtió en una escuela de arte dedicada a formar a los mejores estudiantes extranjeros. Como resultado, Xiao Wudong entró en contacto con algunos artistas franceses famosos desde una edad temprana. Talentoso e influenciado artísticamente, Wu Dong tenía un talento artístico considerable cuando era joven. Ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de París a los 15 años. Cuando tenía 20 años, su escultura en relieve "La reina Seba presenta un regalo al rey Salomón" ganó el gran premio y fue seleccionada para estudiar en la Real Academia Francesa de Bellas Artes en Roma. Cuando Wu Dong regresó a París después de estudiar en Roma a la edad de 27 años, se dio cuenta de que si los artistas jóvenes querían ser reconocidos por la sociedad, debían trabajar duro para participar en la exposición bienal del salón nacional. Fue en estas exposiciones que llamó la atención del crítico Diderot, quien lo recomendó a la emperatriz rusa Catalina II, para quien hizo hacer una estatua.
"El Dios durmiente" de Wu Dong, escrita en 1769, se exhibió en el Salón de 1771. Debido al éxito de este trabajo, fue ascendido a miembro de la Real Academia de Ciencias. Esta estatua de tamaño natural de un hombre desnudo recuerda la distribución espacial del período barroco romano y el fuerte estilo de Miguel Ángel. A la edad de 35 años, Wu Dong creó otra obra maestra: "Diana". La obra ya había causado revuelo incluso antes de ser expuesta. La imagen es la de una mujer desnuda, inusualmente regordeta, redonda y tersa, refinada y bella, de expresión sutil y llena de vida. La diosa aterrizó sobre un pie y todo el peso de su cuerpo cayó sobre los dedos de los pies, dando a las personas una belleza ligera y delicada. Los movimientos coordinados de sus manos y todo el cuerpo con el arco y la flecha, especialmente la cabeza levantada y la inspección alerta de la dirección de avance, dan a la estatua una fuerte sensación de movimiento, lo cual es un gran éxito. Wu Dong combina hábilmente el clasicismo tradicional con la belleza curvilínea del rococó en sus obras. Sleep and Diana es el resumen del estilo clásico idealizado de Wu Dong.
El amigo y escritor de Diderot, Green, señaló una vez que Houdon fue el primer escultor que supo representar ojos humanos. Wu Dong utiliza varios métodos y técnicas para dar forma y representar los ojos, y sus maravillosos toques finales revelan profundamente los misterios internos de las personas. Los retratos con los que entró en contacto, ya fueran heroicos o amables y reservados, daban a la gente una sensación de claridad cristalina. El año siguiente a que le concedieran el título de Académico de la Real Academia de Ciencias de Wudong, es decir, el año en que tenía 37 años, fue su año más creativo. Este año se produjeron destacados retratos escultóricos como Voltaire, Molière, Rousseau y Franklin. Entre ellos, Voltaire y Molière fueron los más exitosos. Todos mostraron características y personalidades distintivas de la época. La razón por la que Wu Dong pudo crear tantos retratos de figuras destacadas y avanzadas con características personales distintivas y profundidad de pensamiento es inseparable de sus ideales sociales y conceptos estéticos progresistas. Una vez dijo: "La característica más singular de un arte de talla tan difícil es que puede tallar a personas que han ganado honor y creado felicidad para la patria en imágenes casi inmortales, manteniendo al mismo tiempo la total autenticidad de sus características. Este tipo de pensamiento continúa siguiéndome e inspirándome en mi trabajo artístico a largo plazo."
Esta es la grandeza de Wu Wu. A la edad de 62 años, Wu Dong recibió el título de Escultor Jefe de la Real Academia y Profesor de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura. Influyó directamente en Lutero, Carbón y Rodin, quienes también eran sus fervientes admiradores.