El creador del mundialmente famoso cuadro "Paloma de la paz" es Picasso.
La pintura mundialmente famosa "Paloma de la paz" fue creada por Picasso. Consideraba la paloma como un símbolo de la paz mundial. El mundo reconoció que comenzó con Picasso. En 1940, los bandidos fascistas de Hitler capturaron París, la capital francesa. En ese momento, Picasso estaba sentado en el estudio deprimido, cuando alguien llamó a la puerta. Fue el viejo vecino Mish, quien le contó a Picasso una historia trágica, sosteniendo una paloma ensangrentada en la mano. Resulta que el nieto del anciano crió un grupo de palomas. Por lo general, suele utilizar una caña de bambú atada con una tela blanca como señal para atraer palomas. Cuando supo que su padre había muerto en la batalla para defender París, su joven corazón se llenó de odio y ira. Creía que las franjas blancas significaban rendirse al enemigo, por lo que usó franjas rojas para atraer a las palomas. Tokuchi descubrió la llamativa tira de tela roja y los inhumanos gánsteres fascistas lo arrojaron escaleras abajo y murió en la calle. También mataron a todas las palomas de los palomares a bayonetas. ¿El viejo se detuvo aquí y le dijo a Picasso? Señor, ¿podría pedirle que me dibuje una paloma en memoria de mi nieto asesinado por los fascistas? .
¿Más tarde, Picasso pintó una paloma voladora por pena y enfado? ¿Es eso todo? ¿Paloma de la paz? prototipo. En octubre de 1950, para conmemorar la Conferencia Mundial de la Paz celebrada en Varsovia, Picasso pintó felizmente una paloma voladora con una rama de olivo. ¿En esa época el famoso poeta chileno Neruda lo llamó? ¿Paloma de la paz? Por lo tanto, la paloma se considera oficialmente un símbolo de paz.
Significado simbólico
Mensajero del amor
En el pasado lejano, las palomas eran consideradas mensajeras del amor. Por ejemplo, en la antigua Babilonia, las palomas eran aves sagradas junto a Kista, la poderosa diosa del amor y la educación, e innumerables niñas estaban fascinadas por ellas. ¿En la vida se les llama niñas? ¿Amor paloma? .
Símbolo de la Paz
Hasta el comienzo de la Era, la paloma era considerada un símbolo de paz. ¿Antiguo Testamento? "Génesis" registra que después del antiguo diluvio, Noé soltó una paloma del arca para ver si el diluvio había amainado. Dios le pidió a la paloma que retirara la rama de olivo, indicando que el diluvio había amainado y todavía había esperanza en el mundo. Noé sabía que las inundaciones estaban comenzando a retroceder y la paz estaba llegando. Después de que la inundación retrocedió, un valle lleno de árboles verdes y un camino tranquilo lleno de flores apareció frente a todo en el mundo. Desde entonces, la gente ha utilizado palomas y ramas de olivo para simbolizar la paz.
El movimiento de reforma religiosa del siglo XVI le dio a la paloma una nueva misión, ¿verdad? ¿Espíritu Santo? encarnación. Hasta el siglo XVII, ¿palomas? ¿Reinstalación oficial? De nuevo como pacificador. Muchas ciudades del Imperio Alemán emitieron un conjunto de palomas que sostenían una rama de olivo en el pico, con el diseño grabado en la parte inferior. ¿Las palomas bendicen la paz? Monedas conmemorativas
Schiller, un destacado representante del movimiento de huracanes alemán, hizo que la paloma pasara de ser un símbolo religioso de paz a la política. La paloma volvió a convertirse en un guerrero heroico, ya no en un símbolo de esperanza sin resistencia.
Acerca de Picasso Picasso (25 de octubre de 1881 - 8 de abril de 1973) fue un pintor y escultor español. * * * Miembro del partido. Es el fundador del arte moderno y el principal representante de la pintura modernista occidental. "Les Demoiselles d'Avignon", escrita por él en 1907, fue la primera obra con tendencia cubista y una famosa obra maestra. No sólo marcó un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno, que desencadenó el nacimiento del movimiento cubismo. En los diez años siguientes, esta pintura condujo a un desarrollo sin precedentes de la pintura cubista francesa, e incluso se extendió al ballet, la escenografía, la literatura, la música y otros campos. "Les Demoiselles d'Avignon" creó una nueva situación en el cubismo francés, y Picasso y Braque también se convirtieron en figuras influyentes en esta escuela de pintura.
Las primeras experiencias de la vida de Picasso.
Picasso fue criado por su padre desde una edad temprana y logró progresos sorprendentes, que se pueden ver en las primeras obras de Picasso recopiladas por el Museo Picasso. Durante 1893, el infantilismo de las primeras obras de Picasso se desvaneció gradualmente y, en 1894, Picasso comenzó oficialmente su carrera como pintor. A mediados de la década de 1890, las pinturas de Picasso mostraban un fuerte estilo de realismo tradicional, y "Primera Comunión" era su obra maestra en ese momento, lo que demuestra que el joven Picasso era capaz de manejar detalles difíciles [5].
Ese mismo año, Picasso, de 14 años, pintó un retrato de su tía Pepa, lo que hizo que Juan Eduardo se sintiera vívido y enérgico. ¿Serlot elogió una vez? ¿Sin duda uno de los mejores cuadros de toda la historia del arte español? .
A partir de 1897, el estilo pictórico realista de Picasso estuvo influenciado por el Simbolismo. En una serie de pinturas de paisajes, el uso de tonos violetas y verdes antinaturales es característico del período realista de Picasso (1899-1900). Las obras de Picasso durante este período estuvieron influenciadas por Rossetti, Stalin, Toulouse-Lautrec y Edouard? ¿La influencia de Munch y otros junto con la del pintor El? Las características de Greco dieron origen al estilo de pintura moderna único de Picasso.
La Época Azul
¿Picasso y su amigo Carlos vivieron un viaje solitario en España? La influencia del suicidio de Casagemas hizo que las pinturas del Período Azul (1901-1904) mostraran a menudo un sentimiento lúgubre. Las pinturas de este período están dominadas por los azules y turquesas, y rara vez se utilizan colores cálidos. Se especula que la época exacta del período azul puede ser en la primavera de 1901 en España, o en la segunda mitad de 1901 en París. Durante este período, Picasso creó numerosas obras que representaban a madres y niños demacrados, con colores más oscuros y, en ocasiones, a prostitutas y mendigos. Después de la muerte de Casa Guimas, Picasso pintó varios retratos de él en el otoño de 1901. En 1903, completó la obra más melancólica de su vida, "La Vie", que ahora se encuentra en la colección del Museo de Arte de Cleveland. El ambiente melancólico se extendió al famoso grabado "Frugal Dining" (1904). La obra representa a un hombre invisible y una mujer visible, ambos muy delgados, sentados en una mesa vieja. ¿Picasso se utilizó a menudo durante el período azul? ¿Ciego? Este tema, como "La comida del ciego" (1903, recopilado por el Museo Metropolitano) y "Celestina" (1903), son ambos representantes del Período Azul.
Período Rosa
En 1904, Picasso conoció a Fernand, un modelo que trabajaba para escultores y artistas, en París. Fernández Olivier, quien se enamoró de él, inició el Período Rosa (también conocido como Período Rosa, 1904-1906). Influenciado por su dulce relación con Fernand, Picasso hizo un uso extensivo de naranjas y rosas brillantes y optimistas, y sus temas representaban principalmente gente de circo, acróbatas y payasos, lo que se convirtió en una de las características personales de Picasso. Y 1904 se considera el período de transición entre el período azul y el período rosa.
El período cubista
Cuando Picasso vio por primera vez una escultura de un hombre negro, quedó profundamente conmovido. Las tallas originales, audaces y fuertes de personas negras dieron a Picasso un gran estímulo. ¿1907? ¿Las muchachas de Aviñón? La pintura se convirtió en un hito en su creación del estilo cubista. El cubismo de Picasso no es básicamente puramente estético, sino que se inclina más hacia la racionalidad y la abstracción. Reorganiza y combina objetos para dar a las personas sentimientos más nuevos y más profundos.
Período posterior
Durante la Segunda Guerra Mundial, vivió principalmente en París. Después de la liberación de París, se unió a Francia.
Murió en Mougan, Francia, el 8 de abril de 1973.
En mayo de 2004, la primera obra de Picasso, "El niño con la pipa", ganó la licitación con un precio de 65.438+0,04 millones de dólares estadounidenses, estableciendo un nuevo récord de 654,38+0,990 dólares estadounidenses. El récord de subasta de un cuadro de Van Gogh es de 82,5 millones de dólares.
Principales obras de Picasso Picasso dejó una asombrosa cantidad de obras a lo largo de su vida, con estilos ricos y diversos y una creatividad extraordinaria. Las obras representativas incluyen: "Les Demoiselles d'Avignon", "La botella", "Vidrio y violín", "Guernica" y "El sueño".
Les Demoiselles d'Avignon, Picasso, 1907, pintura al óleo, Nueva York, Museo de Arte Moderno Influenciado por las primitivas esculturas africanas y las pinturas de Cézanne, Picasso se dedicó a explorar nuevos estilos de pintura. Entonces, ¿pintó una obra maestra que hizo época? Chica de Aviñón. Esta pintura al óleo increíblemente grande no sólo marcó un importante punto de inflexión en la historia artística personal de Picasso, sino también un avance revolucionario en la historia del arte occidental moderno, desencadenando el nacimiento del movimiento cubismo. "Les Demoiselles d'Avignon" se publicó por primera vez en 1906 y se completó en 1907, con muchas revisiones durante ese período. En este cuadro, cinco mujeres desnudas y un grupo de naturalezas muertas forman una composición formal. ¿El nombre de este cuadro es Andrew, el amigo de Picasso? Selman, se dice que al propio Picasso no le gustó. Pero en fin, este es sólo el nombre de la obra.
En el arte moderno, los títulos son cada vez menos relevantes para las obras, y los pintores a menudo no utilizan conscientemente títulos para explicar el contenido de sus obras. Lo mismo debe decirse de Las señoritas de Aviñón de Picasso. La intención original de la pintura era una alegoría sobre las enfermedades de transmisión sexual, titulada "La recompensa del pecado", lo cual es claramente evidente en el boceto original. El boceto incluye a un hombre sosteniendo un esqueleto, lo que recuerda un antiguo lema moral español: ¿Todo está vacío? . Pero durante la creación formal del cuadro, estas anécdotas o detalles implícitos fueron eliminados por el artista. Su impacto final no proviene de ninguna descripción literaria, sino del poder conmovedor de su lenguaje pictórico.
Este cuadro es la primera obra cubista. Las imágenes de las tres mujeres desnudas del lado izquierdo de la imagen son obviamente rígidas deformaciones del cuerpo humano clásico; los rostros y posturas ásperos y anormales de las dos mujeres desnudas del lado derecho están llenos de las características salvajes del arte primitivo. Los pintores fauvistas descubrieron el encanto original de las esculturas africanas y oceánicas y presentaron a Picasso. Sin embargo, fue Picasso, no los pintores fauvistas, quien destruyó la estética clásica con el arte primitivo. En esta pintura no sólo se niegan las proporciones, sino también la totalidad orgánica y la continuidad del cuerpo humano. Entonces, ¿la pintura es (como dijo un crítico) como un cristal roto? . Aquí Picasso destruyó muchas cosas, pero en el proceso de destrucción, ¿qué ganó? A medida que nos recuperamos del impacto de ver la pintura por primera vez, comenzamos a ver que la destrucción es bastante ordenada: todo, tanto la imagen como el fondo, está dividido en bloques geométricos angulares. Notamos que estos fragmentos no son planos, tienen una sensación tridimensional porque están sombreados. No siempre estamos seguros de si son cóncavos o convexos; algunos parecen bloques sólidos, mientras que otros parecen fragmentos de un cuerpo transparente. Estos bloques inusuales dan al cuadro cierta unidad y continuidad.
En esta pintura podemos ver un nuevo método para expresar el espacio tridimensional en un plano bidimensional. Este método se utilizó por primera vez en las pinturas de Cézanne. Vemos que las caras de las dos imágenes en el centro de la imagen están de frente, pero sus narices están dibujadas de perfil; las cabezas están en el lado izquierdo de la imagen, pero los ojos están de frente. Vídeos desde diferentes ángulos se combinan en una misma imagen. ¿Cómo se llama esto? ¿Sincronizar vídeo? El uso del lenguaje es más obvio en la imagen en cuclillas en el lado derecho de la imagen. Esta imagen de tres cuartos de la espalda está separada del eje central de la columna debido al desmontaje y empalme. Sus piernas y brazos están alargados, lo que sugiere una extensión hacia la profundidad; su cabeza está volteada para mirar al espectador. Picasso parece haber dado vueltas de 180 grados alrededor de la imagen antes de componer imágenes desde varios ángulos en esta imagen. Este método de pintura rompe por completo las restricciones de perspectiva de los pintores en los 500 años transcurridos desde el Renacimiento italiano.
Picasso intentó mantener el cuadro plano. Aunque muchos de los bloques de la pintura son cóncavos y convexos, no son profundamente cóncavos ni convexos. De hecho, el espacio que se muestra en la pantalla es tan poco profundo que la pintura parece representar una imagen en relieve. El pintor eliminó deliberadamente la distancia entre los personajes y el fondo, intentando que todas las partes del cuadro aparecieran en la misma superficie. Si prestamos un poco de atención a la mancha azul del fondo a la derecha, podemos detectar la originalidad del artista. El azul suele tener visualmente un efecto de retroceso. Para contrarrestar este efecto, Picasso enmarcó estas manchas azules con bordes blancos deslumbrantes, de modo que pareciera que destacaban desesperadamente.
Les Demoiselles d'Avignon es en realidad una estructura de pintura independiente que no se preocupa por el mundo exterior. Lo que le importa es el mundo formado por sus propias formas y colores. Nació de la inmortal obra de Cézanne que representa a una chica bañándose. Forma una estructura puramente pictórica en un orden diferente al orden natural.
Retrato de Cassirer, Picasso, 1910, óleo, ¿100 años? 61,5 cm, Centro de Arte de Chicago, Chicago. ¿Picasso 1909? ¿Cubismo analítico? Las pinturas de la época muestran además un desprecio por la representación objetiva. Durante este periodo, las imágenes de sus obras, ya fueran naturalezas muertas, paisajes o figuras, estaban completamente descompuestas, dejando al espectador con poca comprensión de ellas. Aunque cada pintura tiene un título, es difícil para las personas encontrar el objeto relacionado con el título. Esas formas descompuestas y fondos se fusionan entre sí, haciendo que toda la imagen esté llena de bloques de diferentes formas entrelazados con líneas verticales, diagonales y horizontales. En esta compleja estructura de red, las imágenes emergen lentamente pero pueden disolverse instantáneamente en bloques complejos. Aquí se minimiza el papel del color. Parece que en la pintura sólo hay algunos monótonos colores negro, blanco, gris y marrón. De hecho, lo que el pintor quiere expresar es sólo la estructura compuesta de líneas, formas y formas, y la tensión que emana de esta estructura.
Este retrato de Cussler demuestra claramente cómo Picasso aplicó el lenguaje analítico del cubismo a la creación de figuras específicas. Lo sorprendente es que Picasso nunca dejó de utilizar modelos como referencia en esta representación extremadamente abstracta de imágenes en descomposición y abandono del color. Para pintar este cuadro, le pidió a su viejo amigo el Sr. Kessler que se sentara pacientemente frente a él veinte veces. Se esforzó por descomponer la forma en detalle, obteniendo así una estructura pictórica que parece estar compuesta de capas de bloques de color transparentes superpuestos. Los únicos colores del cuadro son el azul, el ocre y el violeta grisáceo. El color aquí juega sólo un papel menor. Aunque el contorno de la imagen del Sr. Kessler todavía puede verse vagamente en el entrelazado de líneas y cuadrados, es difícil juzgar su parecido con la persona real. Roland, ¿el experto en Picasso más famoso? Después de ver esta pintura, Penrose una vez hizo esta evaluación: Con cada separación, un plano se separa de la parte adyacente, alejándose continuamente, creando una sensación de inmediatez que recuerda a las ondas del agua. Mientras tus ojos vagan a través de estas ondas, puedes captar algunas señales aquí y allá, como una nariz, dos ojos, un cabello cuidadosamente peinado, una pulsera, un par de manos cruzadas. Pero ¿qué pasa con el placer constante de deambular por una superficie que convence por su apariencia similar, mientras la vista se mueve de un punto a otro? Ver un cuadro así crea imaginación; el cuadro, aunque ambiguo, parece real, y hace su propia interpretación con alegría, impulsado por la vida simétrica y armoniosa de esta nueva realidad. ? (Pablo Picasso, 1998, p. 10)
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