Pinturas al óleo, murales y pinturas de techo de fama mundial

Leonardo da Vinci es un símbolo de la sabiduría humana. Como un dios, tiene ideales infinitos, intenta recrear la belleza del mundo, medir su inmensidad y explicar sus misterios. Pero él sólo tiene vida y fuerza ordinarias. Su ambición es descubrirlo todo, estudiarlo todo y crearlo todo. Su vida fue un camino interminable lleno de sublimes obras inacabadas. Antes de morir, dijo con tristeza: "Nunca he terminado un solo trabajo en mi vida". Leonardo nació en el pequeño pueblo de Finch en las afueras de Florencia, por eso lo llamaron Finch. Cuando tenía 5 años, podía dibujar de memoria un retrato de su madre en la playa. También podía improvisar música y cantar consigo mismo, lo que asombró a todos los presentes. El padre Antonio, abogado, se dio cuenta de las habilidades pictóricas de su hijo y decidió enviarlo a estudiar al Estudio Rocchio del Consejo de Artistas Florentinos. Allí se educó no sólo en las artes de la pintura, la escultura y la arquitectura, sino también en otras ciencias. Finch estudió la relación entre la luz y la oscuridad en los huevos en el estudio de Rocchio y descubrió el método de pintura de gradientes de luz y oscuridad. Pasó seis años en el estudio de Verrocchio, convirtiéndose en un modelo con ideas científicas modernas y sabiduría humana. Finch no pudo expresar su talento en Florencia. Está decidido a llevar su arte y sabiduría al mundo real y brillar. A la edad de 31 años, escribió una carta a Ludovico Sforza, archiduque de Milán, en la que enumeraba sus diversos talentos. Finalmente, dijo que podría crear una estatua ecuestre del padre del Gran Duque, la estatua más grande que el mundo haya visto jamás. La estatua de cerámica del maestro que completó esta obra maestra a la edad de 41 años no se completó porque no había suficiente bronce para fundirla. Fue destruida durante la invasión francesa en 1499, de lo contrario sería una maravilla del mundo. La recompensa del Gran Duque por su genio y arduo trabajo no fueron monedas de oro, sino palabras de oro, lo que inquietó mucho a Finch. Para consolarlo, el Archiduque le pidió que pintara un cuadro para el refectorio del Templo de Graciela en Milán. Esta es la última cena. Si "La Última Cena" es el cuadro religioso más famoso del mundo, entonces la "Mona Lisa", pintada por Vinci cuando regresó a Florencia desde Milán a la edad de 51 años, es sin duda el retrato más famoso y grandioso del mundo. Estas dos obras de fama mundial han hecho que el nombre de Leonardo da Vinci sea inmortal en la historia. El lenguaje artístico único de Leonardo da Vinci es utilizar luces y sombras para crear una imagen plana tridimensional. Una vez dijo: "El mayor milagro de la pintura es hacer que una pintura plana parezca desigual". Utilizó el principio de cambio de luz de una esfera para ser pionero en el método de transferencia de luz y oscuridad (también conocido como método de gradiente de luz y oscuridad). Es decir, la imagen pasa de claro a oscuro. La transición es continua, como el humo, sin límites evidentes. La Mona Lisa es un ejemplo de este método de pintura. Vasari creía que este tipo de pintura de luces y sombras era un punto de inflexión en el arte de la pintura. Fincher pasó su vida explorando el temperamento noble del arte y solo podía sentirse satisfecho con la creación de la belleza. En el siglo XV, la búsqueda y creación de ciencia, razón y belleza en Italia alcanzó su punto máximo gracias a Leonardo da Vinci. Pero el talento del maestro no fue valorado ni apreciado en sus últimos años, y la indiferencia del Papa lo entristeció. Cuando el rey Francisco I de Francia volvió a ocupar Milán en 1515, invitó al maestro a establecerse en Crucible, Francia, y postularse como pintor de la corte. El maestro murió en un país extranjero en 1519 a la edad de 67 años. Su alumno Francisco Muecki dijo: "La muerte de Finch es una pérdida para todos. El Creador no puede crear otra persona como él".

Mona Lisa (alrededor de 1503-1506) (pintura al óleo sobre madera 77 x 53 cm)

Se dice que hay tres tesoros en el famoso Museo del Louvre en Francia: uno es Afrodita de Milos; el segundo es la Victoria de Samos y el tercero es la Mona Lisa. Se desconoce quién escribió las dos primeras obras, pero "Mona Lisa" fue escrita por Leonardo da Vinci durante el Renacimiento italiano y es casi un nombre familiar. Los ojos mágicos y enfocados, las mejillas suaves y rojizas, los labios que se tocan y la sonrisa implícita y ambigua en "Mona Lisa" siempre confunden a la gente...

Según los registros históricos, Mona Lisa era la esposa de Giocondo, un famoso banquero de Florencia en aquella época. Para despertar sus sentimientos internos, Leonardo da Vinci invitó una vez a un pianista a tocar para ella y a un payaso a actuar para ella. Sin embargo, esta mujer bien informada, fría y racional no permitió que el artista consiguiera lo que quería plasmar, por lo que el artista tuvo que posponer la pintura de forma intermitente durante tres años. Un día, mientras la mujer rica estaba mirando los bocetos del artista, de repente encontró una pintura de patas de pato y se quedó muy perpleja.

El artista dijo que pintó esto para la investigación y el diseño de aviones, porque existen algunas similitudes entre el flujo de agua y el flujo de aire; la flotabilidad del agua y la flotabilidad atmosférica de los patos deslizándose en el agua y los pájaros volando en el aire; Aunque esquiar con patas de pato es sencillo, esconde algunos secretos del vuelo en avión. Cuando esta mujer fría y racional escuchó estas palabras, pensó que una vez que el diseño del avión fuera exitoso, los humanos podrían volar libremente en el cielo... Inmediatamente se sorprendió y sonrió con sinceridad. Esta rara sonrisa del corazón fue capturada inmediatamente por Leonardo da Vinci y moldeada con éxito. De hecho, esta inolvidable "sonrisa" escrita por Leonardo da Vinci ya no es una expresión específica de la señora Giocondo, sino una expresión abstracta, universal y típica, pertenece a la Mona Lisa, pertenece a Leonardo da Vinci. pertenece a algo sutil en nuestra humanidad que todos compartimos. Quizás este sea el gran encanto de Mona Lisa. Obviamente, la "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci heredó las normas de solemnidad, elegancia, equilibrio, estabilidad, idealismo y expresión racional del clasicismo griego, pero rompió aún más las limitaciones de las características humanistas del arte clásico griego y proporcionó un arte posterior más avanzado; Avanzado hacia expresiones verdaderas, objetivas, más profundas, más internas y más sutiles, dando ejemplo.

La Última Cena (ca. 1498) (fresco 460 x 880 cm)

En vísperas de celebrar la Pascua, Jesús y sus doce discípulos se sientan a la mesa y cenan. Celebrar la Pascua . Había trece personas alrededor de la mesa. Esta fue su última cena juntos.

En la mesa, Jesús de repente se sintió muy molesto. Les dijo a sus discípulos que uno de ellos lo traicionaría. Pero Jesús no dijo que era Judas, y los discípulos no sabían quién traicionaría a Jesús.

La Última Cena del gran artista italiano Leonardo da Vinci es la más famosa de todas las obras sobre este tema. Pintó este cuadro directamente en la pared del refectorio de un monasterio de Milán. Los doce discípulos estaban sentados a la mesa, divididos en cuatro grupos. Jesús se sentó en medio de la mesa. Extendió las manos en un gesto triste, indicando que algunos de sus discípulos lo habían traicionado.

La mayoría de los discípulos saltaron de emoción, pero la imagen de Jesús estaba muy tranquila. Podemos ver su silueta clara contra la pared de ventanas del fondo. A través de la ventana podemos ver el tranquilo paisaje. El cielo azul es como el nimbo sobre la cabeza de Jesús.

En el grupo a la derecha de Jesús, vemos un rostro oscuro, inclinado hacia atrás, como escondiéndose de Jesús. Tenía los codos apoyados en la mesa del comedor y sostenía una billetera. Sabemos que es el traidor Judas.

La bolsa en la mano de Judas es un símbolo de él, recordándonos que él es quien guarda el dinero para Jesús y los demás discípulos. La bolsa contenía treinta monedas de plata como recompensa por vender a Jesús.

Aunque no tenga billetera, podemos identificar al malvado enemigo Judas en el cuadro de Leonardo da Vinci.

Junto a la silueta de Judas se encuentra San Pedro, y también podemos ver su cabeza plateada y sus manos blancas. Se inclinó hacia el joven St. John. Pedro sostenía en su mano derecha un cuchillo que colgaba de su cadera y, como por accidente, la punta del cuchillo apuntaba a la espalda de Judas. La cabeza de San Juan se inclinó hacia Pedro. De todos los discípulos, él era el favorito de Jesús. Juan estaba tan tranquilo como Jesús y había entendido las palabras de su maestro.

A la izquierda de Jesús está el pequeño Santiago. Intentó comprender las terribles palabras que escuchó, abrió las manos, gritó.

Mirando por encima del hombro de Jacob, vemos a Santo Tomás, Tomás confundido, cuya mirada escéptica se expresa a través de sus dedos erguidos.

Al otro lado de Santiago, San Felipe se inclina hacia Jesús y le pone las manos en el pecho, como diciendo: "Tú conoces mi corazón, y sabes también que nunca te traicionaré. " ” Su rostro estaba dolorido por el amor y la devoción.

Los seis discípulos al lado de Jesús son el centro de la historia.

Bartolomé y Jacob padre se inclinaron hacia ellos, junto a ellos el viejo Andrés no se puso de pie, pero quería escuchar, por lo que levantó las manos como pidiendo silencio.

Quedaban a la derecha tres discípulos, que comentaban lo que decía Jesús, señalando con el dedo. la mesa.

Todo lo que vieron sucedió en esta obra maestra, pero cada vez que la admiramos, obtenemos un nuevo significado de los sentimientos y personajes de los discípulos.

La Señora de la. Rocks (c. 1503-1506) (retablo de 189,5 x 119,5 cm) se encuentra ahora en la National Gallery de Londres.

Este cuadro fue un retablo realizado para una capilla de la Iglesia de San Francisco de Milán a petición de un grupo religioso. En este cuadro, la Virgen vive en el centro del cuadro. Sostiene al niño San Juan en su mano derecha y sienta al niño Jesús en su mano izquierda. Un ángel forma una composición triangular detrás de Jesús y se responden con gestos. El fondo es una cueva profunda, salpicada de flores y plantas, y la cueva está completamente expuesta. Aunque esta pintura tiene una temática tradicional, sus técnicas de expresión y disposición compositiva muestran el profundo nivel artístico de Leonardo da Vinci. La exquisita representación de personajes y fondos, el uso de pinceladas ahumadas, el realismo científico, la perspectiva y la restauración muestran que ha alcanzado un nuevo nivel en el tratamiento de la relación dialéctica entre realismo y procesamiento artístico. Esta pintura marca el comienzo del período creativo de Leonardo da Vinci.

Da Vinci y sus pinturas.

Mona Lisa. También conocida como LA GIOCONDA

La Última Cena

La Virgen y Santa Ana.

Mujer con el Mercado

Virgen de la Roca

Madre y Niño

Miguel Ángel (1475 ~ 1564)

Miguel Ángel

Escultor, pintor y arquitecto del Renacimiento italiano. Nació en Cabrise, cerca de Arezzo, el 6 de marzo de 1475 y murió en Roma el 8 de febrero de 1564. En sus primeros años trabajó como aprendiz en el taller del pintor florentino D. Girandayo. Posteriormente, debido a su afición a la escultura, se trasladó a trabajar a los Jardines de los Medici, donde se conservan las reliquias escultóricas más antiguas. Sus primeras obras son los relieves "La Virgen de la Escalera" y "La Batalla de Santor", creados a la edad de 65.438+07 años. Son simples y sólidas, tranquilas y solemnes, profundamente arraigadas en la esencia del estilo clásico, lo que indica que desde el principio persiguió la expresión del cuerpo humano en intenso movimiento.

Estatuas de Miguel Ángel

De 1494 a 1499, "La diosa del vino" y "El duelo por Cristo" de Miguel Ángel fueron tan sobresalientes que todo el mundo del arte romano se quedó estupefacto. Es difícil creer que él escribió estas obras maestras. 1501 ~ 1505 Principalmente en Florencia en aquella época, la Estatua de David, los frescos de Cassina y la Sagrada Familia son obras monumentales. Entre ellos, "David" tiene una altura neta de 4,1 metros y muestra la historia del joven héroe judío legendario David derrotando a su enemigo Goliat en una postura desnuda. El cuerpo de David es fuerte y majestuoso, lo que significa que es tan fuerte como el acero, lo que significa que puede resistir el poder y defender al pueblo de Florencia, lo cual tiene un significado político obvio. Originalmente se planeó colocar la pieza en la catedral como escultura decorativa, pero debido a su gran éxito, el gobierno decidió colocarla frente al ayuntamiento como símbolo de la ciudad. Posteriormente, para proteger la obra original, fue trasladada al Museo de Bellas Artes de Florencia. En 1505, Miguel Ángel fue invitado a Roma para diseñar y realizar esculturas para la tumba del Papa Julio II. Debido a varios cambios de planes, no pudo completar el trabajo de forma intermitente durante unos 40 años, lo que fue un gran arrepentimiento en su vida.

En 1508, Miguel Ángel aceptó el encargo del Papa y del gobierno de pintar murales en la pared superior de la Capilla Sixtina. Después de muchas luchas para completar este enorme proyecto, el Papa prometió no interferir en su trabajo. Tras conseguir plena libertad creativa, se dedicó a la creación con gran pasión. Todo el mural está enmarcado por una magnífica estructura arquitectónica. El techo de toda la sala rectangular está dividido en una parte central y una parte periférica, la parte central es la parte principal, y ambas están pintadas con historias y personajes religiosos. En el centro hay 9 cuadros basados ​​en las historias desde el principio del mundo hasta el diluvio y el arca de la Biblia, rodeados por 12 profetas y profetas, Moisés, David, etc. Todas las pinturas cubren un área de más de 500 metros cuadrados y la mayoría de ellas crean 343 personajes gigantes. Durante el proceso de pintura que duró cuatro años, se negó a cooperar con sus asistentes y lo hizo todo él mismo. Se elogia mucho el trabajo duro. Tras su inauguración, el mural fue reconocido como una obra sin precedentes. El mundo del arte incluso considera que los numerosos personajes que creó son magníficos, vigorosos y de carácter fuerte como las creaciones artísticas más perfectas durante el apogeo del Renacimiento.

Pintura del techo de la Capilla Sixtina

Su diseño arquitectónico utilizó audazmente columnas clásicas y creó un nuevo estilo. Fue bueno para resaltar el sentido tridimensional de las estructuras de columnas y tuvo un gran impacto en ellas. La futura arquitectura barroca tiene un gran impacto.

En sus últimos años, Miguel Ángel no sólo fue responsable de la construcción de la Basílica de San Pedro, sino que también participó en el diseño arquitectónico del Palacio Farnese, Porta Pia y la Plaza del Capitolio. Entre ellas, la obra representativa es la gran cúpula diseñada para la sala de la Basílica de San Pedro.

La base de esta gran cúpula está decorada en un estilo clásico, y los aleros están tallados con guirnaldas, dando a las personas una sensación tridimensional y rica, la forma y la curva de la cúpula en sí están llenas de vitalidad, que es un modelo suyo; Estilo artístico majestuoso y poderoso inherente al diseño arquitectónico, sentando una base sólida para el futuro. La construcción de techos en catedrales y edificios gubernamentales en Europa y América fue un ejemplo. Otras obras importantes incluyen el retablo "El Juicio Final" creado en sus últimos años y esculturas para la tumba del Papa Julio II, aunque la tumba aún no está terminada, muchas de las esculturas son sus obras más maduras, como "Moisés, el; Esclavo moribundo", y más tarde "Día y noche" y "Dan y Xi" fueron esculturas realizadas para las tumbas de la familia Medici.

Rafael

Rafael

Rafael (1483 ~ 1520) Rafael fue un pintor italiano. Nacido en Urbino el 6 de abril de 1483, fallecido en Roma el 6 de abril de 1520. Su nombre original era Raphael St. George. Estudió pintura con su padre (pintor de la corte del duque de Urbino) desde niño, y posteriormente se trasladó a la escuela de Perugino, donde inició su carrera en 1500. Las primeras obras de Rafael muestran un genio extraordinario. "Las bodas de la Virgen" fue pintada a la edad de 21 años, lo que no sólo demuestra que absorbió plenamente la esencia artística de Perugino, sino que también vino desde atrás e introdujo innovaciones en la composición y la creación de imágenes. En particular, el equilibrio del cuadro, la descripción del fondo y las imágenes dignas y elegantes de la Virgen María y su esposo José son poco comunes en las obras de pintores anteriores.

Residió en Florencia de 1504 a 1508, donde se recuperó e influyó por la política, el espíritu democrático y el pensamiento humanista. Al mismo tiempo, comprendió cuidadosamente las características artísticas de los maestros de cada escuela de pintura y aprendió de sus puntos fuertes. En particular, se dedicó a estudiar las técnicas de composición de Leonardo da Vinci y la expresión del cuerpo humano y el estilo heroico de Miguel Ángel, para que su belleza. Su estilo con un espíritu clásico único se hizo cada vez más maduro. Rápidamente logró grandes logros tan famosos como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Su serie de retratos de la Virgen María se diferencia de temas similares pintados por pintores medievales, todos los cuales encarnan ideas humanistas con calidez maternal y aptitud juvenil. Entre los más famosos se encuentran "Notre Dame de Oriole" (Galería de los Uffizi, Florencia), "Notre Dame on the Grass" (Kunsthistorisches Museum, Viena) y "Notre Dame in the Garden" (Museo del Louvre). De 1512 a 1513 pintó el gran óleo "Madonna Sixtina". Las figuras son de tamaño natural, y la composición triangular compuesta por la Virgen y los santos es solemne y equilibrada. La Virgen María y Jesús son fuertes y poderosos, mostrando la alegría y la grandeza del amor maternal. La otra, más alta, es la Virgen de Forino en forma de retablo, así como la Virgen de la Silla y la Virgen de Alba, creadas posteriormente, ambas obras perfectas suyas.

A partir de 1509, fue invitado por el Papa Julio II a pintar murales en el Palacio del Vaticano, entre los que destacan los murales de la Sala de las Firmas. Estas pinturas que decoran las paredes y el techo de la sala representan los cuatro aspectos de las actividades espirituales humanas: teología, filosofía, poética y derecho. Además de su estilo pictórico único, sus obras también prestan especial atención a la plena armonía entre la expresión pictórica y la decoración arquitectónica, dando a las personas un sentimiento rico y solemne. Otras obras importantes de este período son: La Expulsión de Heliodoro del Templo y la Misa de Bolshina en el Salón de Eliodoro, El Incendio de Borgo en el Ministerio de Bomberos, Fanet "El Triunfo de Galatea" en Villa Cina. La forma de la imagen y el uso de la luz y el color en estas obras han alcanzado un nuevo nivel y son conocidas como la cima del arte mural antiguo y moderno. Rafael pintó la Virgen Sixtina a la edad de 23 años y sus retratos también lograron un gran éxito. . Tanto físico como espiritual, lleno de encanto. La mayoría de ellos adoptan una postura ligeramente de lado para ocultar el fondo, y en la imagen sólo destaca el comportamiento natural y amigable de los personajes. Entre sus obras representativas se encuentran "Imagen de Castiglione" e "Imagen de una mujer con velo". El primero describe a un erudito afable y conocedor, lo cual se muestra vívidamente. Este último representa a una niña cuya apariencia es similar a la imagen de la Virgen en las obras del autor, pero cuyo vestido elegante y figura fuerte representan apropiadamente a la mujer en la vida. En la primavera de 1520 cayó gravemente enfermo y todavía pintaba la Transfiguración de Cristo. Aunque no se completó, las piezas creadas por él siguen siendo brillantes y magníficas, lo que indica que todavía estaba explorando, enriqueciendo y perfeccionando su propio estilo en el último momento de su vida.

Botticelli (1445 ~ 1510)

Sandro Botticelli

Pintor italiano. Uno de los representantes de la Escuela Florentina de Pintura. Nacido en Florencia y fallecido en el mismo lugar el 17 de mayo de 1510.

El nombre original de Botticelli era Alessandro di Mariano Filipepi, que era su apodo. Estudió orfebrería y plata en sus primeros años, y posteriormente trabajó como ayudante en los talleres de A. Pollaiuolo y A. Del Verrocchio, y pronto mostró su talento para la pintura. Abrió su propio estudio en 1470. Las obras reflejan el nivel artístico del Renacimiento tanto en contenido como en forma, y ​​tienen un estilo personal evidente. Usó el humanismo para expresar contenido religioso, realizando pinturas religiosas llenas de espíritu secular. Las obras que representan la vida de Cristo y retratos de santos y personajes bíblicos de los años 1970, del 65438 al 2005, tienen composiciones novedosas y son muy apreciadas por el público. Posteriormente, sus obras fueron personalizadas principalmente por la familia Medici. Entre ellas, "Primavera", "El nacimiento de Venus" y "Venus y Marte" enfatizaron la belleza y pureza de la diosa, pero sus expresiones eran un poco tristes y plenas. de belleza implícita, una de las primeras obras de arte clásicas exitosas en el arte occidental. En la década de 1980, fue invitado por el Papa a pintar grandes murales para la Capilla Sixtina del Vaticano. También utilizó una línea para ilustrar la "Divina Comedia" de Dante, mostrando su profundo conocimiento del dibujo. Su estilo elegante, sus colores brillantes y magníficos y sus líneas suaves son únicos entre los maestros del Renacimiento, pero no ha sido reconocido durante mucho tiempo en la historia del arte occidental. No fue hasta el romanticismo del siglo XIX y el movimiento prerrafaelita en Inglaterra que la gente empezó a reconocerlo y elogiarlo como uno de los maestros del Renacimiento temprano.

Klimt

El pintor secesionista austriaco Klimt, al igual que Böcklin, tiene un fuerte sentimiento de tristeza en sus obras, lo que ha sido criticado por algunos críticos. Pero como reflejo psicológico del malestar social en Europa a finales de 2019, esta es una tendencia común.

¿Gustav? Gustav Niemt (1862-1918) nació en Viena en julio de 1862 en una familia de joyeros de oro y plata. Las habilidades metalúrgicas de la familia tuvieron un profundo impacto en la vida del pintor. A los 15 años ingresó con su hermano mayor en la Escuela de Artes y Oficios de Viena, donde recibió una formación sistemática en técnicas de pintura. Después de graduarme, me uní a la Asociación de Arquitectos de Viena y trabajé en murales y decoración arquitectónica. En 1888 pintó el mural "Historia del drama" para el Burgtheater de Viena, que fue reconocido por el público. Posteriormente pintó un mural "Atenea, la patrona del arte" para el museo de arte, con una composición inteligente y variada. En esta época, aunque Klimt utilizaba más técnicas decorativas, su estilo seguía siendo clásico.

Los murales de 1897 en la Universidad de Viena supusieron un cambio importante en su estilo. Este grupo de murales fue pintado basándose en los tres departamentos de Medicina, Derecho y Filosofía de la Universidad de Viena. Esta pintura utiliza técnicas simbólicas para representar el sufrimiento del mundo, con un tono lúgubre de misantropía pasiva. Una vez finalizado el trabajo, fue criticado por la Asociación de Académicos Universitarios y rechazado. Durante este período, Klimt y algunos pintores jóvenes radicales se separaron de la asociación de artistas controlada por el clasicismo y pasaron a ser conocidos como la "Secesión de Viena". Este, el movimiento Art Nouveau en el sur de Europa y el "estilo juvenil" en Alemania tienden a perseguir la decoración y la formalidad, y son una fuerza importante en la promoción de la carrera de diseño artístico y artesanal europeo.

En 1900, Klimt expuso los murales devueltos por la Universidad de Viena en la Exposición Universal de París, que recibieron entusiastas elogios de los jóvenes artistas. Esto estableció su posición de liderazgo en los círculos de la pintura austriaca. En 1902, él y el escultor Klinger emprendieron los trabajos de decoración de la sala de conciertos de Beethoven. La estatua principal de Beethoven fue completada por Klinger, y la cinta musical decorativa en la pared detrás de la estatua fue compuesta por Klimt y tuvo mucho éxito. En 1909, Klimt creó el mural "Árbol de la vida" para el restaurante del Stocklet Apartment en Bruselas. Usó con audacia y libertad varios patrones decorativos planos para crear un efecto rico en colores orientales y una concepción artística misteriosa.

Aunque Klimt nunca había estado en Oriente, estaba interesado en el arte oriental, especialmente en las imágenes populares chinas de Año Nuevo impresas en madera en color. Coleccionó muchas pinturas populares de Año Nuevo y las copió repetidamente. Se dice que en su estudio hay una pintura del "Dios de la Puerta" con una filigrana de madera china. Le gustan especialmente los colores fuertes de los cuadros de madera de Año Nuevo. Solía ​​utilizar personajes de ópera en las imágenes de Año Nuevo como fondo en muchos de sus retratos, lo que parecía interesante.

El estilo oriental combinado con la artesanía ancestral en joyería de oro y plata llevó el arte decorativo de Klimt a alturas sin precedentes. Utilizó audazmente algunas técnicas especiales en sus obras, como drenar polvo, pegar láminas de oro, incrustar caracoles de bario, pegar plumas, etc., y logró efectos artísticos especiales. La "Serpiente de agua-I" aquí está pintada utilizando varios métodos, como coloración de huevo, polvo escurrido y dorado.

En la pintura, el cuerpo humano de color azul claro está entrelazado con el cuerpo sinuoso de la serpiente, y se intercalan patrones de plantas acuáticas doradas y verde esmeralda, formando un ritmo musical casi abstracto compuesto de puntos y líneas. Otra de sus obras, “Water Snake-R”, es una composición horizontal y decorativa casi abstracta. Estas dos obras de la serie Water Snake muestran la tendencia de Klimt a perseguir lo extraño, lo deforme y lo erótico en sus últimos años. Esto fue influenciado principalmente por su amigo, el famoso psicoanalista y psiquiatra Freud. Debido al impacto de la Primera Guerra Mundial, la economía austriaca estaba en depresión y la vida de los artistas era bastante pobre. 1965438 + El 6 de febrero de 2008, Klimt murió de fiebre tifoidea tras sufrir un resfriado. Sus principales obras fueron destruidas durante la Segunda Guerra Mundial y muy pocas de sus obras aún existen.

Modigliani

A principios del siglo XX, cuando los maestros de arte y sus escuelas surgían sin cesar, el nombre de Modigliani no era prominente ni ruidoso. Pero mirando hacia atrás en esa gloriosa historia, tiene un significado que no se puede ignorar; es un verdadero solitario, libre de todas las escuelas de arte de moda y estrechamente relacionado con los nuevos conceptos artísticos. El estilo artístico único creado por Modigliani no vive de una manera determinada, sino que trasciende las limitaciones del tiempo y el espacio y se convierte en una forma inmutable de belleza. Sus obras representan varios personajes humanos con el temperamento de un poeta y la visión de un escultor, creando un estilo especial. Son esas obras de líneas delicadas, colores suaves y pinceladas vívidas las que establecieron y consolidaron su posición en la historia del arte moderno.

La vida de Modigliani fue como un cometa radiante, fugaz. Con el paso del tiempo, el nombre de Modigliani no ha sido olvidado por el mundo, pero se ha vuelto más deslumbrante. "Porque, en este confuso comienzo del siglo XX, su arte cumplió con éxito la misión de un artista, contando para siempre el eterno dolor del alma que existe en el destino humano.

Aunque sus obras fueron influenciadas por el Neo- Impresionismo, cubismo y arte primitivo, no se convirtió visualmente en el abanderado de la revolución pictórica como Picasso, Matisse, Braque o las Tumbas de Candace y Klee de posguerra. Más bien, parece haberse adherido al espíritu tradicional del arte italiano. en el siglo XV su temperamento poético único y su visión de escultor crearon profundamente un estilo artístico especial.

Territorio religioso

En el paisaje cultural, la imagen del paisaje religioso es muy distinta. Sin embargo, cada religión a menudo tiene sus propias características, que son muy diferentes entre sí. El paisaje religioso se caracteriza por la arquitectura del templo y el diseño del cementerio, la estructura del asentamiento y las características geográficas. /p>

La arquitectura de los templos juega un papel importante en el paisaje religioso. Estos edificios están dedicados a dioses y creyentes. Todos muestran sus propias características en términos de escala, estilo, decoración, materiales y funciones. p>1. Iglesia cristiana. En el cristianismo, para los católicos romanos, la iglesia es la residencia de Dios, y el altar es el lugar más importante para las ceremonias religiosas. Con este fin, las iglesias católicas se esfuerzan por expresar su altura y lujo. en arquitectura para agradar a Dios y dar a los creyentes una atmósfera solemne. Las iglesias católicas generalmente están ubicadas en el centro de la comunidad, tanto en el arte arquitectónico como en el estilo decorativo.

La iglesia protestante es obviamente diferente de la católica. iglesia, formando un fuerte contraste. En el concepto protestante, la iglesia es sólo un lugar donde los cristianos se reúnen para adorar, pero no vivía en la iglesia. Al mismo tiempo, los protestantes se oponían a la tendencia católica de perseguir el lujo y el formalismo. , y se centró en la simplicidad y la practicidad La iglesia protestante era pequeña y sencilla en decoración, pero esta iglesia discreta era más atractiva para los protestantes. Los protestantes más devotos creen que sólo a través de la devoción y la vida sencilla se puede lograr el propósito de salvar a la humanidad. Para reflejar este concepto, las iglesias protestantes no persiguen una apariencia llamativa en el diseño de la iglesia.

Principalmente las iglesias románicas, bizantinas y góticas son un estilo arquitectónico común adoptado por algunas catedrales después de que el cristianismo se convirtiera en el. religión estatal del Imperio Romano. Sigue el modelo de la basílica romana y la iglesia "basílica" paleocristiana. Es una sala rectangular con dos filas de pilares separados por un largo pasillo. El pasillo en el medio se llama sala central. y los dos lados se llaman corredores laterales. El salón corre de este a oeste, con una bóveda semicircular en el extremo oeste y un altar semicircular debajo había un altar, donde los misioneros realizaban ceremonias. Posteriormente se construyó la bóveda. extremo y la puerta de la iglesia se abrió en el extremo oeste.

El imponente altar representa el Monte de las Calaveras donde Jesús fue crucificado y está colocado en el lado este para evitar cambiar de dirección cada vez que se realiza una oración por la crucifixión de Jesús. A medida que los rituales religiosos se volvieron cada vez más complejos, el espacio horizontal norte-sur frente al altar se expandió, y su altura y ancho correspondieron al salón principal. Esto forma un plano en forma de cruz, corto horizontalmente y largo verticalmente, con el punto de intersección cerca del extremo este. Conocida como la Cruz Latina, simboliza la Pasión de Jesús y refuerza el significado religioso.

El principal logro y característica de la arquitectura bizantina es la cúpula de planta cuadrada, con la construcción y el peso de la cúpula descansando sobre cuatro columnas independientes, lo que supone una gran contribución al desarrollo de la arquitectura europea. Hagia Sophia es un edificio típico bizantino. La base de su sala es rectangular como la románica, pero la cubierta de la parte central está compuesta por una enorme bóveda de medio punto y bóvedas de medio punto en la parte delantera y trasera. La característica de la Iglesia Ortodoxa es que la base cambia de rectangular a cuadrada, pero el estilo bizantino aún se conserva en el arte arquitectónico de las iglesias de Europa del Este, sobresale la cúpula y eleva la base del tambor para hacerla más llena. En la actualidad, la Iglesia Vasi Brazheny en la Plaza Roja de la Unión Soviética es una famosa iglesia bizantina. Se caracteriza por un gran muelle en el centro, rodeado por ocho pequeños muelles dispuestos en forma de cuadrado, cada uno con una cúpula de diferentes tamaños. Este edificio es un tesoro entre la arquitectura religiosa del mundo.

La arquitectura gótica se desarrolló en toda Francia. Desde el siglo XII al XV, la artesanía urbana y los gremios comerciales estuvieron bastante desarrollados, y la ciudad implementó un cierto grado de democracia. Los ciudadanos construyeron iglesias con gran entusiasmo y exhibieron sus ciudades compitiendo por la victoria. Además, en aquella época la iglesia ya no era un edificio puramente religioso. Se ha convertido en el centro de la vida pública de la ciudad, ayuntamiento, auditorio público e incluso utilizado como mercado y teatro. En las fiestas religiosas, las iglesias suelen convertirse en lugares animados para jugar.

La arquitectura gótica se caracteriza por altas agujas. En el diseño, se utilizan arcos transversales, billetes volantes, columnas esbeltas y nuevas estructuras de marco para aumentar la resistencia de la parte superior de soporte, de modo que todo el edificio se caracteriza por sus líneas rectas, su apariencia majestuosa y el espacio abierto dentro de la iglesia, combinado con vidrieras con incrustaciones Las largas ventanas crean una fuerte atmósfera religiosa en la iglesia. El plano de la iglesia sigue siendo básicamente de cruz latina, excepto que se agregan un par de torres altas a ambos lados de la puerta del extremo oeste. Los edificios góticos famosos incluyen Notre Dame de París, Milán, Italia, Colonia, Alemania y Westminster, Inglaterra.

Las iglesias protestantes se diferencian entre sí. En términos generales, los edificios de las iglesias son relativamente simples, en su mayoría auditorios rectangulares. Internamente, debido al énfasis en la predicación, el podio suele colocarse en una posición destacada. Las iglesias protestantes calvinistas ni siquiera tenían iconos, pinturas religiosas, vidrieras ni altares. En los últimos años, el arte arquitectónico europeo y americano se ha diversificado, y los edificios religiosos también se han deshecho de los viejos estilos tradicionales y han surgido algunos estilos nuevos.

2. Los principales edificios religiosos islámicos son las mezquitas. Las mezquitas son lugares de reunión para la comunidad. A diferencia de una iglesia católica, no es un santuario sino un lugar para que los fieles adoran juntos.

La mezquita original utilizaba un edificio cristiano de estilo basílica de este a oeste. Debido a que es necesario mirar hacia la tierra santa de La Meca durante el culto, está construido horizontalmente. El salón principal es pequeño en profundidad y ancho. Hay claustros en los tres lados frontales del salón principal, todos con acceso al patio. Por lo tanto, en China tiene forma de cuadrilátero. Una característica importante de la arquitectura de las mezquitas islámicas es la cúpula, que se convierte en el cuerpo principal de todo el edificio y su forma es muy espectacular. Otra característica es la pagoda. Cada mezquita tiene una pagoda con muchos pabellones pequeños. Los imanes lo utilizan para enseñar y llamar a los creyentes a adorar, por eso se llama Edificio Li Xuan. Originalmente, la torre estaba ubicada a un lado del patio de la basílica. Posteriormente, a modo de decoración, se construyó de forma simétrica y se colocó en las cuatro esquinas. La torre es poligonal y tiene decenas de metros de altura. La cúpula circular contrasta fuertemente con las torres afiladas y altísimas, que se han convertido en una característica importante del arte arquitectónico que el Islam opone a los ídolos, por lo que la mezquita parece simple y solemne en comparación con la iglesia católica. La mezquita absorbió características arquitectónicas locales, por lo que la forma y estructura no son exactamente iguales en todas partes. La mezquita más famosa es la Mezquita de La Meca.

3.Templo budista. Entre los edificios budistas, el más llamativo es la pagoda. Se originó en la India. Originalmente se construyó una pagoda en la India para la casa donde estaba enterrado Buda. Pagodas alrededor del mundo