Apuntes de una profesora de música de primaria
Después de leer detenidamente un libro famoso, debes tener mucho que compartir y escribir notas de lectura para registrarlo. Entonces, ¿cómo escribir buenas notas de lectura? Los siguientes son ejemplos de notas de lectura para profesores de música de escuela primaria que he recopilado y compilado solo como referencia, espero que sean útiles para todos.
Notas de lectura para profesores de música de escuela primaria 1 En la enseñanza de música, el nuevo concepto de enseñanza orientado a las personas es el núcleo de los conceptos de enseñanza modernos. Los estudiantes son el núcleo de todo el plan de estudios. Es un concepto de enseñanza y un método de enseñanza que promueve el desarrollo de las materias a través del aprendizaje activo de los estudiantes. Su esencia encarna las características de la educación moderna.
Suhomlinski dijo: "Dejar que los estudiantes experimenten una emoción en la que participen personalmente y dominen el conocimiento es una condición importante para despertar el interés único de los adolescentes en el conocimiento. Los intereses de aprendizaje de los estudiantes son su cristalización del deseo". aprender y la sensación de éxito se forma y desarrolla en el proceso de interés, inspiración, práctica, creación y retroalimentación continua de los docentes. En la enseñanza, los profesores permiten que los estudiantes utilicen el habla, la escucha, el canto, la acción, el pensamiento y otras actividades para guiarlos desde la etapa de interés simple y de bajo nivel hasta la diversión de buscar conocimiento. En el proceso de enseñanza, los profesores deben crear situaciones de enseñanza prácticas de acuerdo con las necesidades de enseñanza y guiar a los estudiantes de diferentes niveles para que participen activamente en el proceso de enseñanza a través de la escucha, la observación y otros canales. Este es un método de enseñanza muy eficaz.
Si "escuchar" sirve para guiar la asociación inicial de los estudiantes con imágenes musicales, entonces "ver" sirve para profundizar aún más esta asociación en imágenes específicas. La música no se puede separar de la escucha, pero tampoco puede quedarse simplemente en la etapa de escucha. Porque la música siempre es expresión y exploración, formando una determinada concepción artística. Si enfatizas demasiado que la música es un arte de escuchar y eliminas la interferencia de escuchar atentamente, solo te concentrarás en la personalidad del arte musical en sí. Si se pueden utilizar varios medios auxiliares para ayudar a los alumnos a digerir y absorber la música de una manera diversa, prestarán atención a la conexión entre la música y otras artes. Puede ampliar los horizontes musicales de los estudiantes y comprender diversas culturas. Estos campos relacionados con la música interactúan y se refuerzan entre sí.
Los psicólogos educativos creen que si los alumnos pueden abrir múltiples canales de percepción al mismo tiempo, la comprensión del objeto de aprendizaje será más precisa y efectiva que abrir solo un canal de percepción. Si participas en la percepción y experiencia de la música, como la dinámica y el impacto visual, el efecto será bueno. Por lo tanto, el modelo de enseñanza audiovisual puede estimular el entusiasmo de los estudiantes por aprender música, cultivando así su pensamiento divergente y su creatividad. Una encuesta muestra que los beneficios de la escucha pura y audiovisual son significativamente mayores que los de la escucha pura. Lo más importante del modelo de enseñanza integrada audiovisual es la participación activa de los estudiantes. El nuevo plan de estudios también deja mucho espacio para la imaginación y la participación de los estudiantes.
Primero, cambio de rol.
Es decir, está centrado en el estudiante, cambiando el rol pasivo del pasado, permitiendo que los estudiantes asuman ciertas tareas y dándoles espacio para jugar. Organizar a los estudiantes para que participen activamente. Trae felicidad a los estudiantes. Llena el aula de risas. Diseñado por estudiantes y complementado por profesores. Profesores y estudiantes discuten entre sí. La capacidad de enseñanza es grande, los estudiantes tienen impresiones claras y se benefician mucho.
En segundo lugar, la duda.
Ésta es una pregunta que el profesor plantea a los alumnos de forma decidida y selectiva. El propósito de hacer preguntas es estimular el deseo de los estudiantes de explorar y guiarlos para encontrar las respuestas correctas a través de la exploración paso a paso. Las "dudas" pueden diseñarse para centrarse en puntos de enseñanza, resolver dificultades de enseñanza e inspirar y profundizar impresiones.
En tercer lugar, la finalidad de la enseñanza.
El propósito fundamental de la enseñanza de la música no es sólo permitir que los estudiantes escuchen más buenas obras en clase, sino utilizar materiales didácticos limitados para estimular el interés de los estudiantes por la música dentro de un tiempo de enseñanza limitado.
El interés es una motivación importante para que los estudiantes aprendan. Con esta motivación, los estudiantes pueden utilizar el tiempo extra de enseñanza en el aula para encontrar varias veces más obras musicales que en las clases de música. La enseñanza de la música tradicional se centra en el pasado, interpretado o interpretado por las culturas china y occidental. Aunque estas cosas son históricas, tienen un fuerte sentido de la historia, están demasiado lejos del arte de la vida moderna y no pueden seguir el ritmo de los tiempos. No puedo seguir el ritmo y las necesidades de los estudiantes. Si el modelo de enseñanza audiovisual se integra en la enseñanza, es necesario centrarse en el desarrollo del potencial innovador de los estudiantes y enfatizar la innovación de los estudiantes, para que los estudiantes no solo puedan escuchar sonidos sino también apreciar imágenes, cultivando así su temperamento y profundizando. su interés en aprender música.
Einstein dijo una vez: "En la escuela y en la vida, la motivación más importante para trabajar es el interés por el trabajo, el placer de obtener resultados del trabajo y el valor social de este resultado. Compréndelo. "Por lo tanto, Como integrantes de la enseñanza básica, debemos crear constantemente nuevas ideas que satisfagan las necesidades de los tiempos y las necesidades de desarrollo de los estudiantes.
Notas de lectura para profesores de música de escuela primaria 2 "La historia de la música" es un libro de texto popular sobre la historia de la música clásica occidental. Toma como fuente la música de la antigua Grecia y habla de música religiosa y óperas. , instrumentos musicales, géneros musicales famosos, El desarrollo de un músico. Sus principales contenidos incluyen: el desarrollo de la música griega antigua, la música religiosa, el teatro, la ópera y la ópera francesa.
El holandés-estadounidense Derek William Van Loon es un famoso maestro de la literatura humanística en Estados Unidos. Su trabajo está bellamente escrito, bien informado y sin pretensiones. El ingenio inteligente y la perspicacia son más beneficiosos. Es un destacado escritor popular, un gran divulgador cultural y una figura magistral. Ha escrito sobre historia, cultura y ciencia y tiene una amplia audiencia en todo el mundo. Sus obras representativas incluyen "La historia de la música", "La historia de la humanidad", "La historia de la Biblia", "Tolerancia", "La geografía de Fanglong", etc.
En "La Historia de la Música" se menciona que "Dado que la fuerza que impulsa la evolución biológica es constante y no puede aumentar ni disminuir, entonces el efecto de esta fuerza debe ser exactamente el mismo, y los cambios que han ocurrido Es solo un cambio de apariencia ". Por lo tanto, el proceso de evolución es en realidad un proceso de transformación, no de progreso. Goethe, que captó la esencia de la evolución antes, creía que las plantas no tienen una teoría de la evolución y solo pueden sufrir deformaciones, es decir, solo los tejidos orgánicos de las plantas sufrirán una serie de cambios. La perspectiva del cambio a través del cambio debería ser el principio básico para que estudiemos la historia, especialmente la historia del desarrollo del arte.
Los pueblos antiguos son exactamente iguales a los modernos, al menos intelectualmente. No tenemos ningún derecho a menospreciar a nuestros predecesores y considerarlos seres humanos primitivos y de bajo nivel. Aunque nuestros predecesores no tenían tantas instalaciones avanzadas como la gente moderna, tenían las mismas excelentes cualidades humanísticas que nosotros. De modo que la evolución no significa necesariamente progreso o perfección, al menos en el campo del arte, y todos los esfuerzos interminables de la humanidad sólo pueden promover cambios en las formas del arte. Por lo tanto, estudiar historia no se trata sólo de describir acontecimientos históricos, sino más importante aún, de explorar las leyes y las fuerzas impulsoras que conducen a estos cambios.
Sin embargo, es un error utilizar la perspectiva de la evolución para guiar la investigación histórica, y debería ser sustituida por la perspectiva del cambio. Las formas de arte no evolucionan, sólo cambian. Éste es el punto de vista básico cuando estudiamos la historia de la música. Como arte, la música debe tener una forma completamente igual en todos los períodos y reflejar las características individuales de los creadores musicales de cada período. Por lo tanto, no tenemos motivos para pensar que los pueblos antiguos fueran menos inteligentes y artísticamente creativos que los modernos.
Sin embargo, una característica importante del desarrollo de la música es que nunca podremos comprender verdaderamente las formas musicales del pasado porque los sonidos musicales (es decir, el aire vibrante) que formaron la música no se pueden preservar. Las artes plásticas están representadas por piedras, lienzos y pinturas; los pensamientos contenidos en la poesía pueden expresarse con palabras y registrarse con precisión. Sin embargo, la música se forma a partir de vibraciones del aire. ¿Cómo lo preservamos?
Del mismo modo, la "música nacional" verdaderamente destacada producida en los últimos 100 años tiene claramente las características del país que la produjo. La música de Tchaikovsky no puede expresar las praderas montañosas de Sudáfrica o las praderas onduladas de Kansas en los Estados Unidos, sino que sólo puede expresar la inmensidad del paisaje de las praderas rusas. La música de Borodin, Mussorgsky, Rykisky-Korsakov, sin excepción. Incluso los compositores modernistas como Scriabin y Stravinsky siempre tienen algunas características en sus obras. Escuchándolos, inmediatamente concluirás: "Esto es algo de Rusia". Aunque no lo entiendas, ¿cuál es tu base? Otros, como Rachmaninov o César Gay, tienen más cualidades europeas occidentales que rusas en su música, pero ninguno puede romper completamente con sus raíces eslavas.
De hecho, al escribir el libro "La historia de la música", Long Fang siempre creó desde la perspectiva de toda la humanidad. Siempre ha tratado de observar y describir desde la perspectiva de toda la humanidad, trascendiendo los prejuicios regionales, religiosos, partidistas y raciales. Se opuso a cualquier forma de provincianismo, incluido el patriotismo extremo que distorsionaba los hechos para glorificar al país.
Fang Long, de ninguna manera es un villano. Por ejemplo, no criticó el daño causado por la pobreza a Mozart, el carácter de Wagner y la naturaleza codiciosa de Paganini, porque estas cosas no sólo no dañaron a la divinidad, sino que, en cierta medida, crearon su propia música única. Otro ejemplo típico es su profundo análisis del carácter intempestivo y excéntrico de Beethoven, que de repente nos hace conscientes de su propia misericordia divina.
Notas de lectura para profesores de música de escuela primaria 3 Para enriquecerme, compré "Children's Chorus Training" de Yang Hongnian durante las vacaciones de invierno, que se centra en el proyecto de coro del estudio del famoso músico. Aprendí mucho sobre coro gracias a eso.
Con la mejora continua de la calidad cultural de las personas y las necesidades de la vida cultural de los niños, el arte del coro infantil, como forma de arte musical elegante, también ha estado en auge en nuestro país. El hermoso coro puede guiar a los niños al colorido mundo de la música y cultivar la buena percepción musical. La creación del coro de niños popularizará la educación musical y promoverá el desarrollo integral de los niños. El periodo de los 6 a los 12 años es la etapa infantil. En esta etapa, el volumen de la respiración de los niños aumenta, sus habilidades lingüísticas mejoran, sus cuerdas vocales comienzan a desarrollarse con flexibilidad, su rango vocal se amplía gradualmente, su volumen aumenta gradualmente, su plasticidad tímbrica aumenta y su control del tono se vuelve más sensible. El libro "Formación de coros infantiles" está dirigido a niños de primaria. Dividido en nueve capítulos, presenta en detalle los tipos y cuestiones de entrenamiento de las voces infantiles, entrenamiento de respiración en coro, entrenamiento vocal en coro, entrenamiento de canto en coro, contenido básico del entrenamiento de coro, entrenamiento de entonación en coro, enunciación y pronunciación en coro. y cómo lidiar con el equilibrio del sonido del coro.
Lo más impresionante es el entrenamiento de la segunda sección del Capítulo 1:
1. ¿Cuál es un buen método de canto?
La postura para cantar es correcta y soportes para la respiración (respiración) Correcto, el punto de partida es correcto, el estado de las vocales (color de las vocales) es preciso, el timbre es suave, * * * la posición de canto es completa y concentrada, el lenguaje es claro y la expresión emocional es precisa .
El requisito previo para un buen canto es un buen estado psicológico. El proceso de cantar es un proceso de movimiento basado en sentimientos psicológicos y guiado y controlado por el estado psicológico.
2. Varias unidades de opuestos en el entrenamiento coral
La unidad de opuestos entre respiración y vocalización (es decir, la oposición entre respiración y sonido), la unidad de opuestos entre vocalización y articulación ( es decir, la oposición entre sonido y palabras) La combinación de los dos), la unidad de los opuestos de respiración, voz, palabras y acción (incluida la unidad de los opuestos de voz y emoción) solo se puede decir que es el método de canto correcto. y esto es válido para el canto solista, los dúos y los coros.
1. La voz en sí es una confrontación entre la respiración y el sonido. El hecho de que el movimiento de la voz sea correcto o no afecta directamente a la expresividad del canto. Por ello, el coro está obligado a: “Si la pronunciación es un poco. , la línea seguirá el punto." Esta es la razón.
2. Desde el punto de vista artístico, el canto en sí es el movimiento de líneas, más que una serie de vocales aisladas, por lo que existe un problema de combinación de sonidos y palabras.
3. En el canto, no importa la respiración, la voz o la elección de la palabra, es inseparable de la expresión del contenido y la emoción de la obra. Canto vibrante, todo en el movimiento de líneas horizontales y melodías.
Los anteriores son algunos pequeños avances de la lectura de este libro. El ensayo del coro aún requiere mucho conocimiento. Necesitamos explorarnos a nosotros mismos. En realidad, los maestros famosos nos rodean, en los libros que nos acompañan a medida que crecemos.
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