¿Cuál es la diferencia entre la música barroca y la música gótica? ¿Cuál es la diferencia?
1. Introducción al significado de la palabra "Barroco" en la historia de la música.
La palabra portuguesa barroco originalmente significaba perlas no redondas y de forma irregular, y ahora se refiere al lujoso estilo arquitectónico de Europa en el siglo XVII y principios del VIII. Este término fue utilizado por los músicos para describir en general el estilo musical del mismo período (ver más abajo).
2. ¿Cuáles son las características de la melodía de la música en el período barroco?
Las frases varían en duración y la respiración es más larga, ya sea música vocal o música instrumental, la melodía es hermosa y compleja sin precedentes, con bastantes sonidos decorativos y patrones de sonido progresivos. Al igual que las melodías del Renacimiento, la progresión de la melodía suele tener un carácter figurativo y simbólico. Lo que llama la atención es la clara naturaleza armónica de la melodía.
3． ¿Cuál era el ritmo de la música durante el período barroco?
Se divide principalmente en dos tipos: ritmo libre y ritmo claro y regular. El primero se utiliza para recitativos, toccatas, preludios, etc., y el segundo para arias, fugas, danzas, etc., y permanecerá durante todo el movimiento. Estos dos ritmos se utilizan a menudo juntos, como el recitativo y el aria, el preludio (o tocata) y la fuga.
4. ¿Qué modo se utiliza en la música barroca?
El sistema de tonalidades mayores y menores ha sustituido al "modo eclesiástico" del pasado.
5． ¿Cuál es la armonía de la música barroca?
Se ha formado un completo sistema de armonía funcional de tonalidades mayores y menores centrado en dominante, subordinada y subordinada, utilizando disonancias para la conversión tonal y haciendo que la armonía sea dinámica y emocional. La invención de los doce temperamentos iguales en el siglo XVII está íntimamente relacionada con el pleno desarrollo del sistema armonioso.
6. ¿Qué es un bajo completo (también llamado bajo figurado o bajo continuo)?
Técnicas de composición propias del periodo Barroco. Escriba una nota clara en la parte de bajo de la partitura de un instrumento de teclado (generalmente un clavicordio) y márquela con un número que indique la armonía encima (por ejemplo, el número 6 significa que la nota debe tener su sexta y tercera nota). encima de él). El intérprete toca el bajo y la armonía de acuerdo con esta indicación, y el intérprete elige la disposición y la textura de las notas del acorde.
7. ¿Cuál es la textura de la música barroca?
La textura polifónica juega un papel dominante y su tecnología de escritura ha alcanzado un pico sin precedentes. Se diferencia de la polifonía renacentista en que es un contrapunto basado en la armonía funcional. Al mismo tiempo, también hay muchas obras que utilizan la textura del tono principal.
8. ¿Cuál fue la forma musical del período barroco?
Las estructuras de múltiples movimientos que contrastan entre sí en ritmo, velocidad y estilo, como suites, variaciones, conciertos, cantatas, oratorios, etc., se utilizan comúnmente en preludios, fugas, recitativos y La relación. entre arias. La estructura interna de la pieza polifónica es un continuo escrito de manera imitativa (no segmentada), pero se aprecian elementos claros de presentación, desarrollo y representación. También hay estructuras segmentadas, variaciones, pasacalles y formas de carbón que son variaciones de la melodía fija del bajo.
9． ¿Cuáles fueron los principales géneros musicales del período barroco?
Música vocal: Misa, motetes, himnos, óperas, oratorios, cantatas, Pasiones y diversas piezas solistas y corales. Música instrumental: Toccata, preludio, fantasía, fuga, variación, suite, sonata (principalmente sonata solista y sonata trío), concierto (concierto orquestal, concierto grosso, concierto solista).
10. ¿Cuál era el estado de ánimo de la música durante el período barroco?
Se mantiene un estado de ánimo básico dentro de un movimiento y se forma contraste entre los movimientos.
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11. ¿Cuál era la intensidad de la música en el período barroco?
En lugar de buscar cambios sutiles en crescendo y decrescendo, se adoptó una "intensidad escalonada" más clara.
Sección 1. El nacimiento de la ópera y sus inicios
1. ¿Cuándo y dónde nació la ópera? ¿Cómo nació?
Nació en Florencia, Italia, a finales del siglo XVI y principios del XVII. Nació sobre la base de una extensa investigación sobre las tragedias griegas antiguas realizada por Badi, Vincenzo Galilei, miembros de la Camerata (que significa club o camarilla) en la corte de Badi y el erudito florentino May of.
2. ¿Qué formas musicales son las antecesoras de la ópera?
La combinación de música y teatro se remonta a la antigüedad, incluyendo la tragedia griega antigua, el drama ritual medieval, el drama de misterio religioso, el drama de milagros, las suites pastorales renacentistas, el drama pastoral, los interludios y otras formas.
3. Introducción al teatro intermedio y pastoril.
Un interludio es una obra musical corta que se realiza entre dos actos de una obra. Las obras pastorales son obras de teatro con música sobre temas legendarios o rurales.
4. ¿Cuál fue la primera ópera de la historia? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se basa la historia?
"Daphne", escrita por Rinuccini y compuesta por Perry en 1597, está basada en la mitología griega. Pero la puntuación se ha perdido.
5. ¿Cuál es la primera ópera que se conserva? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se basa la historia?
En 1600, "Euridice" fue escrita por Nuccini y compuesta por Pelli y Caccini. Basado en la mitología griega.
6. ¿Cuál era la forma musical en las primeras óperas?
La parte vocal es principalmente un recitativo cercano a la recitación, acompañado de un pequeño número de instrumentos musicales, y adopta el bajo continuo. La forma musical es relativamente simple.
7. Introducción a los conceptos de escritura de ópera de Monteverdi y la forma de ópera temprana que estableció.
Principalmente para potenciar la musicalidad y la expresión emocional. El método específico consiste en alargar la línea melódica del recitativo para hacerlo cantable y alternarla con canciones cortas, dúos y re-cantaciones pastorales para formar un contraste. Usó acompañamiento orquestal a mayor escala y creó un fuerte efecto dramático mediante el uso de trémolo, pizzicato y armonías disonantes de instrumentos de cuerda. Añade pasajes instrumentales a la ópera, como la "Toccata" al principio (más tarde la obertura), la música de baile en el medio, etc. En su creación se formó el modelo básico de la ópera.
8. Enumera dos obras maestras de Monteverdi.
"Orfeo" (o traducido como "Orfeo"), "Arianna".
9. Después de Monteverdi, ¿quién fue la figura representativa de la ópera veneciana del siglo XVII (la escuela veneciana en el ámbito de la ópera)?
Los alumnos de Monteverdi, Cavalli (1602-1676) y Cesti (1623-1669).
10. ¿Quién es el principal representante de la ópera (escuela napolitana o escuela napolitana) en Nápoles (Nápoles), Italia en el siglo XVIII? ¿Cuáles son las características de sus creaciones?
Alessandro Scarlatti (1660-1725). Dio gran importancia al papel lírico de la música en las óperas, enfatizó el poder expresivo de las arias y creó la estructura formal ABA, que se llama "aria de retorno" o "aria de reaparición" (aria da capo). Su orquesta era más completa y también creó la obertura de ópera "rápido-lento-rápido" (llamada "sinfonía" en ese momento).
11. ¿Cuáles son las características de la ópera napolitana?
Céntrese en la belleza de la voz del solista y el efecto externo de la música, y busque la estilización del lenguaje y la forma musicales. La textura musical es relativamente simple, principalmente melodía solista y acompañamiento armónico simple. La desventaja es la falta de autenticidad e intensidad dramática. Esta tendencia provocó el declive de la ópera en el siglo XVIII.
12. Introduce el recitativo y el aria.
El recitativo se utiliza para el diálogo de los personajes y el desarrollo de la trama en la ópera (u oratorio). Su melodía está cerca de la recitación, y el aria se llama Expresa. las emociones de los personajes y muestra habilidades para el canto. La música es hermosa y hermosa, y el rango vocal es amplio.
13. ¿Qué son los recitativos vernáculos (también traducidos como recitativos claros, recitativos secos, recitativo secco, recitativo seco) y los recitativos de acompañamiento (recitativo obbligato, accompagnato)?
El primero es un Recitativo acompañado únicamente de un clavicémbalo y un instrumento bajo, y se utiliza principalmente para diálogos largos y monólogos. Este último utiliza acompañamiento de banda y se utiliza para escenas dramáticas tensas. Debido a que tiene las características de un aria hasta cierto punto, también se le llama aria (arioso o recitativo arioso).
14． ¿Qué es "Da Capo Aria"?
El aria de tres secciones de ABA se puede reproducir con algunas habilidades deslumbrantes y gratuitas según las preferencias del cantante.
15． A. ¿Qué es la obertura de ópera italiana establecida por Scarlatti?
(Ver pregunta 10 de esta sección)
16. ¿Cómo surgió la ópera francesa?
Tras ser introducida desde Italia en el siglo XVII, adoptó inmediatamente características francesas: énfasis en el recitativo, que resaltaba el ritmo y ritmo únicos del francés añadiendo una gran cantidad de escenas de danza a las óperas; la decoración es extremadamente hermosa y muestra la grandeza de la vida imperial; la obertura de la ópera adopta la disposición de tempo opuesta a la de Italia: lento-rápido-lento.
17． ¿Qué compositor estableció la forma de la ópera francesa?
Lully (1632-1687) era originaria de Italia. (Consulte la pregunta 15 anterior para conocer el estilo de ópera)
18. Una introducción a la contribución histórica del compositor francés Rameau.
Escribió un gran número de óperas y obras para clavicordio, pero lo más importante es que publicó "Teoría básica de la armonía" en 1722, que sentó las bases de la teoría de la armonía moderna.
19. ¿Quién es la figura representativa de la creación de ópera británica? Por favor nombre una obra representativa.
Purcell (1659-1695), cuya obra representativa es "Didon and Ini".
20. Una introducción al "singspiel" alemán (singspiel).
Es una ópera de comedia popular alemana con diálogos, y la música tiene características nacionales distintivas. Tuvo una importante influencia en el desarrollo de la ópera alemana.
21. Introducción al Oratorio, Pasión y Cantata.
Oratorio: Letras sobre temas religiosos o épicos se musicalizan. Las formas musicales incluyen música solista, a dúo, coral y orquestal, y se interpretan en iglesias o salas de conciertos. A diferencia de una ópera, un oratorio no tiene dispositivos escénicos complejos ni representaciones de acción dramática.
Pasión: La forma musical es la misma que el oratorio, centrándose en la historia de la Pasión (crucifixión) de Cristo Jesús.
Cantata: También traducida como cantata, es un género con música solista, a dúo, coral y orquestal, con contenido tanto religioso como profano. Al igual que el oratorio, no hay recurso escénico ni acción dramática.
Sección 2. Música instrumental, música para teclado
1 Introducción a la variación coral luterana alemana (chorale variation) y la fantasía coral (chorale fantasia).
Música de órgano con variaciones o desarrollo libre en base a la melodía del himno.
2. Introducción a la tocata y la fuga.
Toccata: un género musical para teclados con un ritmo más libre y carácter virtuoso.
Fuga: género musical polifónico de estructura estricta y ritmo estandarizado, compuesto principalmente por la imitación del contrapunto sobre un tema.
3. Introducción a la chacona y la pasacalles.
Chacona, también traducida como Xia Kong, es una música de baile de tres tiempos con un estilo solemne. Suele escribirse con variaciones sobre un bajo fijo (o un patrón de progresión armónica) que aparece varias veces. Passacaglia y Chaconne son a menudo indistinguibles.
4. Introducción a las suites en el Barroco.
Género que organiza la música bailable de diferentes velocidades, ritmos y estilos nacionales.
5. ¿Quiénes son los compositores de fortepiano más famosos del periodo barroco?
F. Couperin (Francois Couperin, 1668-1733) y Rameau de Francia, D. Scarlatti (1685-1757) de Italia, Bach y Handel de Alemania.
6. ¿Qué es el temperamento igual?
Método de afinación en el que todos los semitonos dentro de una octava se afinan a la misma distancia (centésimas) en un instrumento de teclado.
Pequeño conjunto
1. Una introducción a la sonata de iglesia (sonata da chiesa) y la sonata de cámara (sonata da camera) durante el período barroco.
Una sonata es una pieza instrumental solista o conjunto. El primero tiene un estilo más serio y rara vez utiliza música de baile, mientras que el segundo es más animado y adopta un estilo de música de baile en cada sección.
2. Una introducción a la sonata solista y la sonata trío.
Una sonata solista consta de un violín (o flauta u otro instrumento) más un instrumento de continuo, a veces con un solo instrumento solista (como una sonata para violín sin acompañamiento o una sonata para clavicordio). Una sonata en trío la tocan dos violines, un instrumento de continuo (instrumento de teclado) y un violonchelo (o fagot). Los dos violines tocan dos melodías de contrapunto y los otros dos instrumentos tocan el bajo y la armonía.
Música de conjunto grande
3. Introducción al concierto grosso, concierto solista y concierto ripieno.
Concierto Grosso: Concierto compuesto por varios instrumentos para grupo solista y orquesta.
Concierto Solo: Concierto para instrumento solista y orquesta.
Concierto de Orquesta (también traducido como Concierto de Orquesta): No destaca un determinado instrumento o un determinado grupo de instrumentos. En realidad es una pieza orquestal. El método de escritura general es que la parte del primer violín toca la. melodía principal y utiliza un bajo digital.
4. Introducción a A. Vivaldi (1675-1741) y su concierto "Las cuatro estaciones".
(omitido)
Sección 3. Bach y Handel
Los amigos pueden discutir los siguientes temas.
1. ¿Cuál es la técnica de escritura más destacada de J.S Bach (1685-1750)? O: ¿Cuál fue la mayor contribución de Bach a la historia de la música?
2. A Bach se le conoce como una persona que "lleva adelante el pasado y abre el futuro".
3． Bach tiene una amplia gama de obras. Cite sus principales obras representativas de música religiosa, música para órgano, música para clavecín, música instrumental solista y música orquestal.
4. ¿En qué dos géneros musicales tuvo logros destacados Handel (1685-1759)?
5． ¿Por qué sufrió reveses la escritura de ópera de Handel? ¿Cuáles son las características de sus óperas?
6. ¿Cuáles son las características de la creación del oratorio de Handel? Por favor presente "Mesías".
7． ¿Cuáles son las obras instrumentales importantes de Handel?
8. ¿Cuáles son las diferencias entre la música (incluidas las técnicas de escritura y las personalidades) de J.S Bach y Handel?
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Compositores Principales
Italia:
Ciencia Arcangelo Corelli (1653-1713)
A Scarlatti (Alessandro Scarlatti, 1660-1725)
Antonio Vivaldi (1678-1741)
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D. Scarlatti (Domenico Scarlatti, 1685-1757)
Alemania:
Johann Sebastian Bach (1685-1750)
Handel (George Frideric Handel, 1685- 1759)
Georg Philipp Telemann (1681-1767)
Francia:
Jean Lully -Baptiste Lully, 1632-1687)
Francois Couperin (1668-1733)
Jean-Philippe Rameau, 1683-1764)
Gran Bretaña:
Purcell (Henry Purcell, 1659-1695)
La palabra específica gótico, anteriormente referida a las tribus germánicas de Europa occidental. A menudo incomprendido por su estética y confundido con el término, gótico es un subgénero del pre-punk que existió principalmente entre principios y mediados de la década de 1980. Es en gran medida merecedor de este honor por ser uno de los elementos más oscuros y melancólicos de la música rock underground, aunque hoy en día es más probable que se le atribuya la vestimenta dramática de la banda y sus seguidores. En términos de calidad de sonido, el gótico toma efectos de sintetizador sombríos y procesa sonidos de guitarra pre-punk para crear una sensación siniestra y triste y, por lo general, un fondo sonoro espectacular. En sus inicios, sus letras eran a menudo introspectivas y ferozmente personales, pero su sensibilidad poética pronto condujo a un cambio en el gusto hacia la literatura romántica, el pensamiento religioso y el misticismo sobrenatural.
El gótico no suele ser un estilo estrictamente popular, teniendo una tendencia hacia la poesía bellísima, las elegías despiadadamente tristes y el drama sin fin. Sin embargo, generó una subcultura comprometida y aún próspera, que mantuvo vivos sus conceptos estéticos mucho después del apogeo original de la música. El padrino del gótico es el ex músico punk británico Joy Division. Su música y letras frías, remotas y obsesivas introspectivas sentaron las bases de la estructura original del gótico. Pero para todos los efectos, lo que realmente dio vida al gótico fue "Bela Lugosis Dead", del álbum debut de la Bauhaus de 1979. Bandas sombrías de pre-punk como The Cure y Siouxsie & the Banshees habían perfeccionado el estilo gótico durante el mismo período, y su música pesada, su aspecto intimidante y sus trajes negros se convirtieron en una parte importante de la adoración de sus fans. A medida que la popularidad del gótico se extendió entre una cierta sensibilidad alienada por los adolescentes (primero en Inglaterra, donde se originaron la mayoría de las bandas góticas, y más tarde en los Estados Unidos), su espíritu ideológico se volvió cada vez más excéntrico y el timbre inicial se desarrolló ligeramente.
The Cure, Siouqwie & the Banshees y Mission UK se convirtieron en elementos más populares y alternativos en su música, mientras que Sisters of Mercy, Fields of the Nephilim y la banda estadounidense Christian Death utilizan técnicas pesadas, a veces metálicas.
A finales de la década de 1980, el movimiento gótico original había dejado de existir, pero la música mutó hacia nuevas formas y continuó influyendo en gran parte del género black metal. Durante los años 90, la música gótica comenzó a cruzarse con la música industrial, creando híbridos que atrajeron a ambos lados, al igual que las tendencias oscuras (que también combinaron sintetizadores de los 80 con dream pop). La segunda mitad de la década de 1990 también vio la repentina aparición de la influencia gótica en el heavy metal; un nuevo género de bandas de black metal reformadas imitaron muchos sonidos y estilos góticos, mientras que algunas bandas de metal alternativo también siguieron el estilo gótico (incluida Marilyn). Manson, quien a pesar de muchos comentarios negativos acerca de no ser gótico).
La palabra "gótico" tiene una larga historia, ya que se utilizó durante el Renacimiento para referirse a formas de arte medieval.
Lleva el nombre de la tribu alemana "goda", que invadió Italia y derrocó al Imperio Romano. En el siglo XV, la gente generalmente tenía el concepto de Renacimiento y esperaba volver a la era clásica. El período comprendido entre la Edad Clásica y el Renacimiento se denomina Edad Media. Debido a que Italia odiaba a los godos por destruir su Imperio Romano, la gente del Renacimiento siempre tuvo un término negativo para la Edad Media. Llamaron a este período "gótico", que significa barbarie y rudeza. Por supuesto, tenemos que ver ambos lados de las cosas. La Edad Media dejó al mundo muchos patrimonios culturales preciosos y obras de arte excepcionales. Durante este período se produjeron avances revolucionarios en la tecnología arquitectónica, que dieron como resultado catedrales góticas como NOTRE-PAME. El arte gótico no sólo se refleja en la arquitectura. Desde el siglo XII hasta principios del XVI, las esculturas, los productos de vidrio, las decoraciones, etc. fueron etiquetados como arte gótico. La religión juega un factor muy importante en las obras de arte góticas. Pintores y escultores utilizaron sentimientos religiosos más que métodos realistas para expresar sus temas. En cualquier caso, está claro que en el Renacimiento se rechazaba implícitamente la palabra "gótico".
Durante el Movimiento Romántico (MOVIMIENTO ROMÁNTICO) hacia 1822, la cultura medieval poco a poco fue adquiriendo gran relevancia y se convirtió en una moda a ojos de algunas personas. El romanticismo se convirtió en el centro de este movimiento cultural. Los románticos querían ir más allá de las limitaciones de la historia, algunos querían regresar a la época medieval, algunos buscaban ideales en la atención religiosa o mística y otros intentaban obtener respuestas de la naturaleza. Utilizan sus propias formas diferentes para lograr sus objetivos. A lo largo del movimiento romántico se empezó a considerar el gótico asociado a la oscuridad, la extrañeza, los fantasmas, etc. Los escritores románticos y góticos como Byron, Shelley, Baudelaire y Verlaine estaban obsesionados con la expresión del lado oscuro del ser humano. Las emociones góticas también se reflejan claramente en el arte visual, con pintores como Caspar David Friedrich mostrando oscuridad y desolación. En arquitectura, el estilo neogótico se fue poniendo de moda poco a poco. Durante este período, continuaron surgiendo muchos novelistas góticos. La literatura gótica no solo mostró el lado oscuro de los seres humanos, sino que también desafió el modo de pensamiento ortodoxo de la sociedad de esa época. Era una mezcla de horror y misterio. Los personajes más típicos de las novelas góticas son los vampiros, como el Frankenstein de Mary Shelley, el Drácula de Brian Stoker y las descripciones de las encarnaciones de vampiros de Edgar Allan son las mismas que en el pasado. La comparación ha entrado en una perspectiva opuesta. (Entrevista con el vampiro de las escritoras contemporáneas Anne Rice y Lost Souls de Poppy Z. Brite también son continuaciones del estilo de Stoker).
En la década de 1930, el movimiento gótico moderno comenzó a tener lugar en el Reino Unido. El movimiento gótico puede considerarse como una continuación del anterior movimiento punk (punk). En cualquier caso, el espíritu gótico comenzó a mostrar su influencia en la música. La música gótica expresa como temas la tristeza y el vacío de la naturaleza humana, y también tiene un fuerte interés por la muerte. La lentitud, la tristeza e incluso el terror son las características de su música. música.
La primera persona en utilizar el término "goth" fue el locutor de radio británico Anthony H. Wilson, quien también era el manager de Joy Division. Una vez anunció que Joy Division sería una banda gótica diferente. otras bandas de música pop convencional. Como movimiento cultural moderno, la cultura gótica comenzó con la ola musical del PUNK rock a finales de la década de 1970. Cuando este último retrocedió gradualmente, la cultura gótica sobrevivió como una subcultura marginal. La cultura gótica es una categoría cultural única de música, arte y literatura de estilo retro medieval. Musicalmente hereda el estilo musical de la música PUNK rock europea y estadounidense de la década de 1970. La fuerte tendencia retro del estilo arquitectónico gótico en Europa Occidental en el siglo VI. siglo se convirtió en el tipo de literatura misteriosa y oscura que es melancólica y grotesca. En realidad, la cultura gótica tiende hacia una actitud no violenta, pacifista, pasiva y tolerante ante la vida. Pero en muchos medios se la malinterpreta como una cultura marginal extremadamente violenta, que odia a las minorías y es supremacista blanca. La cultura gótica siempre muestra un temperamento espiritual solitario, alienado y sombrío. Siempre explora aquellos temas sociales que invitan a la reflexión, como la discriminación racial, la guerra y el odio. La fascinación espiritual por la muerte impulsa a la cultura gótica a intentar constantemente encontrar otra forma de pensar sobre la vida, el dolor y la muerte.
Música gótica antigua
Un nuevo movimiento gótico se hizo cada vez más influyente a lo largo de los años 1980. En comparación con el punk que surgió a finales de los años 1970, era rebelde y no seguía las reglas. . Cultura alternativa, quizás el surgimiento del movimiento neogótico sea un reflejo del punk. El movimiento gótico se opone a la moral estrecha, los conceptos sexuales y las creencias religiosas tradicionales. La música refleja el lado oscuro de la naturaleza humana y la obsesión única por la muerte. El sonido lento pero fuerte de la música a menudo se manifiesta en depresión, tristeza e incluso morbosidad.
El movimiento neogótico tiene conexiones obvias con el romanticismo del siglo X, con sus temas líricos de muerte y destrucción. La exploración de la oscuridad es una forma única de expresión para los artistas góticos. Musicalmente, aunque algunos géneros agregan ritmos de baile y elementos de música electrónica, todavía usan acordes menores y ritmos lentos para mostrar características institucionales obviamente grotescas e inhibidoras. a gustar realzar una estética mortuoria, con rostros pálidos, ropas largas y negras, modas victorianas (como camisas ribeteadas de crepé), ruinas medievales y arquitectura gótica.
Es difícil precisar el momento en que. La música gótica surgió a finales de los años 1970, algunos grupos, bandas y grupos nuevos comenzaron a tener un componente negro en su sonido o apariencia como The Cure, Siouxsie and the Banshees, The dreamend, Adam & the Ants, Ultravox, Killing. Joke, The Sound, Comsat Angels y Joy Division. Sus estilos de música new wave y pop oscuro tuvieron una gran influencia en la música gótica posterior. Quizás el primer himno verdaderamente gótico es Bela Lugosi's Dead by Bauhaus.
La primera banda gótica británica popular fue UK Decay (nadie lo sabe ahora). A mediados de la década de 1980, algunas bandas como The Sisters of Mercy, The Mission y Fields of the Nephilim lograron un éxito relativo, y su música y apariencia de rock gótico. se convirtió en la forma estándar del gótico, convirtiéndose en objeto de imitación por muchos grupos posteriores, especialmente en el Reino Unido. Este período es muy destacado. La banda también incluye a And Also The Tree, siguiendo una nueva ruta musical, el mejor ejemplo es Dead Can Dance. Después de su primer álbum típicamente gótico del mismo nombre, la música absorbió elementos de la música medieval y oriental, y el estilo incorporó muchos elementos de músicas del mundo. En 2008, DCD ganó más reconocimiento, pero desafortunadamente la banda también. Recientemente disueltos, The Cocteau Twins, al igual que DCD, son una combinación de la compañía 4AD y son representantes del estilo musical psicodélico discreto de 4AD.
El Reino Unido no es el único productor en el lugar. De la música negra, The Swans de Estados Unidos entraron temprano en el campo de la vanguardia y crearon varios álbumes geniales como Children of God, White Light from The Mouth of Infinity y The Burning World. Otra banda legendaria, Christian Death, puede ser considerada. por muchos como la banda gótica más famosa de Estados Unidos. Siguen haciendo algunos álbumes controvertidos, los más recomendados son Only Theatre of Pain y Catastrophe Ballet. Además, al igual que Faith & the Muse, London after Midnight. también excelentes grupos góticos de Estados Unidos.
El desarrollo de la música gótica
Ahora comprendamos el desarrollo de la música gótica Estilo mejorado y otras escuelas de música relacionadas EBM (Electronic Body Music). ) producida en Bélgica es un tipo de música electrónica, fría y negra.
Fue producido bajo la influencia de bandas electrónicas como Kraftwerk en el movimiento alemán KRAUTROCK. Front 242, una de las bandas fundadoras de EBM, es conocida por sus ritmos minimalistas, sonidos depresivos y vestimenta de comando militarista. The Klinik, Insekt, Dive, Click Click, A Split Second y posteriormente Suicide Commando son algunas de las bandas importantes de BM. Dive y Klinik utilizaron ruido de sonar para crear una atmósfera helada en el espacio exterior. Suicide Commando incorpora más elementos de música dance. Un estilo musical similar se llama Industrial en los Estados Unidos y Canadá, como Front Line Assembly, Skinny Puppy y otras bandas. La música sintetizada y los sonidos de múltiples capas que producen son perfectos para escuchar con auriculares. Los álbumes clásicos de Front Line Assembly son Caustic Grip (1990) y Tactical Neural Implant (1992), que vale la pena coleccionar para todos los que gustan de EMB.
Aún no hemos hablado de Alemania, que ahora es el centro de la música gótica. Muchos grupos alemanes están acostumbrados al sello musical DARK WAVE. Project Pitchfork fue la primera banda en Alemania que se involucró en el campo de la música gótica. Aunque su estilo musical ha cambiado, siempre han sido un grupo popular. Su primer álbum, Dhyani, también es un clásico, con música típicamente negra y letras críticas. composición. Los miembros de la banda Deine Lakaien tienen una sólida base musical y han producido canciones románticas como 'Love me to the end'. La obra tiene cierto aire medieval. Un gran número de grupos en Alemania mantienen su lengua materna al cantar, como por ejemplo Goethes Erben, y el nombre del grupo lo dice todo. Sus primeros tres álbumes fueron como una trilogía. Cada uno es independiente y está relacionado entre sí. Bandas como Lacrimosa y Tilo Wolf continúan experimentando con técnicas de expresión musical agregando elementos como la música metal. Por supuesto, debemos conocer al grupo Das Ich. Su álbum clásico es Die Propheten. Las canciones del álbum tienen letras complejas y están llenas de sabiduría. Calva y Nada, un grupo representativo de la música electrónica oscura, canta en alemán y español. Su característica más distintiva es el bajo del cantante Brenal, y las letras involucran principalmente temas políticos, sociales y otros. en Colombia. Es único en el reino de la música especial. En general, debido a la trama romántica, se dice que la mayoría de las bandas alemanas son producto de una combinación de canciones románticas y electrónica oscura.
Hoy en día, la música dentro de la categoría gótica está cada vez más diversificada. Por ejemplo, dark folk (folk oscuro), representantes de este estilo de música son Current 93, Death in June, Sol Invictus y Fire + Ice. Los primeros trabajos de C93 fueron relativamente experimentales y difíciles de entender. Más tarde, David Tibet utilizó su pensamiento personal para comenzar a explorar la dirección de la música folclórica acústica. Death in June, el grupo predecesor de C93, ha sido bastante controvertido desde el lanzamiento de su primer álbum Nada. Incluso han sido acusados de tendencias de extrema derecha. Pero lo que más nos impresionó de DIJ fue su música ritual pagana. Si quieres escuchar este tipo de música, te recomiendo que vayas a World Serpent, un excelente sello musical. Todas las bandas mencionadas anteriormente han lanzado trabajos bajo su sello. Por cierto, hay otro grupo italiano, Ordo Equitum Solis, que también debería merecer nuestra atención.
Muchas bandas góticas tienen algún tipo de trama medieval y combinan música medieval con técnicas creativas modernas. En Alemania existen muchos grupos medievales de este tipo. Los creadores de música suelen tener una buena formación en música clásica. Entre las orquestas más conocidas se encuentran Qntal, Estampie, Freiburger Spielleyt, etc.
Este tipo de música es más influyente en Italia, como Ataraxia y Camerata Mediolanense, que han producido muchas obras musicales destacadas. El grupo no sólo atrae a oyentes góticos sino que también atrae a algunos oyentes de música clásica. La música de The Moon yacía escondida debajo de una nube y Rosa Crux absorbió elementos de la música de festival.
Por supuesto, el estilo de muchas bandas es muy difícil de definir. Por ejemplo, Take Kirlian Camera de Italia, el estilo de la banda ha cambiado cada año en los últimos 20 años. Los temas musicales de la banda francesa de electrónica oscura y erótica Die form involucran principalmente S/M (***), y cada uno de sus trabajos nos trae nuevas sorpresas. Otra banda de Francia, Collection d'Arnell Andrea, el sonido del piano es muy distintivo y se ha convertido en su propia firma única. Las obras de In the Nursery, una banda que sabe componer música orquestal, son muy adecuadas como acompañamiento en películas. En Suecia, el país nórdico, el sello Cold Meat Industry ha lanzado muchos trabajos musicales únicos a través de años de arduo trabajo. Las bandas bajo su paraguas tienen estilos diversos, como las sangrientas bandas experimentales Brighter Death Now y Deutsch Nepal, el grupo de música ambiental Raison d'Etre, los neoclásicos The Protagonist, el grupo de música celestial Arcana, etc. Hablando de Tianyin, si quieres saberlo mejor, te sugiero que escuches bandas representativas como Love is Colder than Death, Black Tape for a Blue Girl y Stoa.