¿Qué esculturas hay en Egipto?
Ya sea la Esfinge, el retrato del Faraón u otras esculturas del antiguo Egipto, siempre siguen la fórmula de la "ley positiva". A través de ellos podemos sentir que el ideal estético de la escultura del antiguo Egipto es la búsqueda de la "eternidad". El ideal estético de la escultura griega antigua era la búsqueda de la "verdadera belleza". Los escultores griegos crearon formas escultóricas cada vez más innovadoras y vívidas basadas en la espiritualidad y el talento del artista, con ondulaciones gradualmente más pequeñas cuando se ven en planta. El estado de perfección. Como tal, nos dejó modelos escultóricos realistas y atemporales como el Lanzador de Disco y Venus. El desarrollo de la escultura griega antigua se puede dividir a grandes rasgos en tres etapas: el período antiguo, el período clásico y el período helenístico. Durante el "Período Arcaico", la escultura griega se encontraba en la etapa de "exploración". Tomó prestadas las reglas de la "ley positiva" de la escultura egipcia para crear retratos, formando un esquema "arcaico". La mayoría de las estatuas de este período son viejas y de forma aburrida, con el centro de gravedad de la estatua siempre cayendo entre los pies. Cuando se descubrió un grupo de estatuas de jóvenes desnudos realizadas en el siglo V a.C., la gente vio que el antiguo programa se rompía y el centro de gravedad del cuerpo humano caía sobre un pie, por lo que todo el cuerpo humano se relajaba y parecía natural. y real. Por tanto, la aparición de este grupo de estatuas desnudas de jóvenes marca la entrada de la escultura griega en el "período clásico". El "Período Clásico" fue el apogeo de la escultura griega. En este momento, la búsqueda de la "verdadera perfección" y la búsqueda de la verdadera belleza objetiva ha alcanzado su punto máximo. En historia cultural, el período histórico desde la expedición de Alejandro hasta la rendición de la dinastía ptolemaica de Egipto al Imperio Romano a menudo se denomina "período helenístico". El "período helenístico" es rico en temas y aparece en una amplia gama de campos. En cierto sentido, formó una expansión cultural que cubrió toda Europa y se convirtió en la base de todo el arte occidental. Su cultura de defender la belleza de la verdad objetiva fue la primera manifestación del énfasis de la civilización occidental en la especulación y la verdad objetiva. La escultura griega creó una hermosa síntesis y estaba llena de elogios al propio cuerpo humano, lo que podemos entender por las numerosas esculturas de desnudos de este período. A su vez, la costumbre de venerar la desnudez dio a la fábrica una brillante oportunidad para desarrollar el lenguaje escultórico del realismo.
Después de que Grecia fue conquistada por el Imperio Romano, el centro de la cultura y el arte occidentales se trasladó de Grecia a las primeras ciudades de Italia. Aunque los romanos conquistaron la tierra de Grecia, culturalmente era una tierra conquistada. Los romanos copiaron y estudiaron una gran cantidad de esculturas griegas, y algunas de las esculturas griegas antiguas que quedan hoy son imitaciones del período romano. La escultura romana siguió la tradición de la escultura griega que buscaba la "verdadera belleza", pero era más secular que la escultura griega. Durante el período romano, muchos estrategas militares o políticos pidieron a los escultores que les crearan retratos, e incluso los romanos solían utilizar esculturas para preservar las imágenes de sus muertos. Este objetivo supone otro paso sólido en el camino hacia el realismo. Los logros de la escultura romana se reflejan principalmente en retratos y esculturas monumentales. Estas esculturas de retratos no sólo tienen formas similares, sino que también prestan gran atención a expresar los rasgos de personalidad de los personajes. Las más famosas son la estatua de Augusto y la estatua de Caracalla. En este punto, la elegancia pasada de la fábrica fue reemplazada por la solemnidad en las esculturas conmemorativas.
Con la desaparición del Imperio Romano de Occidente en el siglo V d.C. comenzó lo que más tarde se llamó la Edad Media Oscura, que terminó antes de los albores del Renacimiento italiano en el siglo XV. La llegada de la Edad Media marcó el comienzo de la era cristiana en Occidente. La religión tuvo una profunda influencia en la escultura durante este período, y el ascetismo del prisionero de la tumba influyó en la inspiración creativa del escultor. La mayoría de las esculturas de aquella época tenían un fuerte color ascético, y la tendencia espiritual religiosa reflejada en el arte alcanzó su apogeo en la Edad Media.
Alimentado por el espíritu de supervisión de los mausoleos, el arte gótico ha logrado logros brillantes y se ha convertido en un reflejo de la fe civilizada que alaba plenamente la gloria de Dios. Los primeros ejemplos de montañas fronterizas incluyen las catedrales de Notre Dame y Chartres. Quizás fue precisamente debido a la restricción y supresión a largo plazo de la escultura medieval que se produjo el extraordinario poder explosivo del renacimiento artístico que surgió en el siglo XV.
A partir del siglo XIV, en Italia, la reafirmación de los propios valores y el descubrimiento del mundo desembocaron en el Renacimiento. Durante este período, los artistas consideraban a las personas como sus símbolos estéticos y objetos de búsqueda. Esta idea se desarrolló y difundió en la primera mitad de los siglos XV y XVI, cambiando así por completo la faz de Europa. En esta época surgieron muchos escultores. Por ejemplo, Donatello, Miguel Ángel, Tsukakoshi Hirono, etc. , escultura renacentista y * * *
Sus habilidades, espíritu magnífico y pensamientos profundos marcan el segundo pico en la historia de la escultura europea después de Grecia y Roma es una figura literaria y artística. el Renacimiento. Las numerosas obras maestras artísticas que creó constituyen los ejemplos más clásicos de este período. El gran escultor del siglo XIX, Rodin, concluyó una vez que "la estatua de Fidias consta de cuatro caras, mientras que la estatua de Miguel Ángel consta de dos caras". La composición física de las obras de Miguel Ángel Los cambios no son leves, sino intensos y distorsionados. Miguel Ángel enfatizó en su creación que "debes usar tus ojos para medir, no tus manos, porque tus manos sólo pueden hacer, tus ojos pueden juzgar". Las obras de Miguel Ángel tienen un fuerte color humanista, especialmente en su período posterior. Hay una tendencia cada vez más evidente a utilizar formas contrastantes para desahogar su dolor y su ira internos. El manierismo surgió aproximadamente desde 1520 hasta finales del siglo XVI. En esta época, los artistas carecían de individualidad y creatividad y crearon ciegamente todo un conjunto de paradigmas escultóricos para imitar los estilos de sus predecesores, convirtiéndola en la posterior etapa de decadencia de la modernidad y el Renacimiento. Después de eso, el arte barroco apareció en Roma y se hizo popular en Europa a finales del siglo XVI y XVII. Formó una tendencia a través de la pintura y la arquitectura que promovió la civilización europea. El escultor más importante de esta época fue Bernini, a quien han llamado el "Miguel Ángel del Barroco" por sus técnicas realistas casi confusas. El lenguaje corporal utilizado para expresar pasión o fervor religioso en las obras de Bernini es más complejo. Este tipo de giro de "volumen", expresión exagerada, figuras onduladas y líneas suaves, con su efecto dramático e impulso monumental, hacen que las magníficas esculturas del palacio brillen con un poderoso encanto artístico. En comparación con las esculturas del Renacimiento, las esculturas del período Barroco carecen de cierta solemnidad, solemnidad y seguridad, y han entrado ampliamente en la vida de las personas y se han vuelto más seculares. En el siglo XVII, la escultura clásica francesa se desarrolló paralelamente al estilo barroco. Este estilo persigue una armonía rigurosa y hermosa y líneas rectas, que es exactamente lo opuesto a la forma curva del Barroco.
En el siglo XVIII, el arte rococó apareció por primera vez en la corte francesa. Esta forma de arte se desarrolló plenamente entre 1720 y 1760. Evolucionó naturalmente a partir de un trasfondo barroco y se alejó conscientemente del estilo barroco. Las esculturas de estilo rococó no son tan poderosas como las del período barroco en términos de impulso, y persiguen un efecto artístico esbelto y débil. Entre las figuras representativas de los escultores rococó se encuentran Falcone y Claudion. El arte neoclásico surgió en Roma a mediados del siglo XVIII y rápidamente se extendió a otras partes de Europa. El movimiento buscaba reducir la teoría de la belleza absoluta a ideales estéticos, atacando las tendencias sensuales y las formas complejas del rococó. La escultura neoclásica fue popular entre 1790 y 1840, representada por Canova de Italia, Thorvaldsen de Dinamarca y Oudon de Francia. Entre ellos, Wu Dong tiene profundos logros en la escultura de retratos, y sus obras famosas incluyen "Retrato de Voltaire".
En el siglo XIX, París sustituyó a Roma como centro cultural y artístico de Europa. Con la prosperidad del capitalismo, el desarrollo del arte escultórico comenzó a diversificarse y surgieron muchas escuelas y doctrinas. Además del neoclasicismo, se cruzaron sucesivamente el romanticismo y el realismo.
El romanticismo apareció en Europa en el siglo XVIII y decayó gradualmente hacia los años cincuenta. El movimiento romántico proclamó la individualidad y la individualidad por encima de todo. Responde al frío reino de la razón con fuerte emoción e imaginación, mostrando su rebelión contra el neoclasicismo. Marca una ruptura total entre el arte y todos los conceptos anteriores. La figura representativa de la escultura romántica es Lutero, autor de la famosa escultura "Marsellesa" en el Arco de Triunfo de París. Utilizó medios simbólicos para hacer que las esculturas expresaran la pasión del pueblo que luchaba por la justicia. ¿Dónde está David? 6?1Angus y Baptiste? 6?1 Carpau es también una figura representativa del Romanticismo.
Hacia la década de 1950 nace el movimiento del realismo francés. El realismo pretendía oponer el sometimiento del arte a algunos principios rígidos en las academias de arte. Este movimiento intentó acercar el arte a la vida cotidiana y buscar inspiración en la realidad para realizar ideales artísticos. Entre los escultores realistas, el logro de Rodin es el más alto. En la historia de la escultura occidental se le considera el maestro después de Miguel Ángel. Al mismo tiempo, también desempeña un papel en la conexión del pasado y el futuro en la historia de la escultura. Fue él quien cerró el telón de las gloriosas esculturas de Zhandian y abrió la puerta a las esculturas modernas. Comenzando con Rodin y transmitida desde la antigua Grecia, este arte basado en el respeto de la belleza de la verdad objetiva: el libro funerario, alcanzó su apogeo. Desde entonces, los artistas occidentales se han centrado en la búsqueda de la verdad espiritual expresada en sus obras. Cuando vemos el cuerpo humano de Rodin, nos conmueve, no ya por su viveza, sino porque hay una especie de fuerza vital que se expande hacia afuera a través de la dura escultura, sino porque esos cuerpos aparentemente temblorosos despiertan los latidos de nuestras almas. La creación y las ideas artísticas de Rodin tuvieron un profundo impacto en la escultura posterior. Entre sus obras representativas se encuentran "El Pensador", "El Beso" y Balzac.