¿Qué impacto ha tenido el posmodernismo en el arte chino? Como corriente de pensamiento, el posmodernismo ha tenido un profundo impacto en el arte moderno. Al rastrear el tradicionalismo, el modernismo y el posmodernismo como contenido y estrategias del arte vivo, el autor cree que el arte vivo es la tendencia del arte moderno. Finalmente, el autor construye un modelo de educación artística viva y propone las correspondientes estrategias de implementación. Al rastrear el tradicionalismo, el modernismo y el posmodernismo y tomarlos como contenido y estrategia del arte de la vida, el autor cree que el arte de la vida es la tendencia de desarrollo del arte moderno. Finalmente, el autor construye un modelo de educación artística viva y propone las correspondientes estrategias de implementación. Cuando la sociedad humana entró en la etapa de desarrollo capitalista, la civilización industrial moderna cambió las relaciones entre las personas, cambió la forma de vida tradicional y aceleró el ritmo de vida. La entrada del arte en el mercado como mercancía ha traído una feroz competencia al desarrollo del arte. El desarrollo de la ciencia y la tecnología modernas ha cambiado la relación entre el hombre y la naturaleza, y los ojos humanos se han extendido a los mundos macro y micro. Por tanto, los artistas modernos deben crear y elegir nuevos lenguajes artísticos para expresar el nuevo mundo que conocen. La filosofía moderna tiene un impacto directo en la creación artística moderna. El solipsismo y el voluntarismo de Schopenhauer conducen a la cognición intuitiva, que sublima el genio y la inspiración del artista hasta convertirlo en la base de la creación artística. Posteriormente, Nietzsche y Freud llevaron a cabo un análisis exhaustivo y una revelación del reino espiritual humano, que se convirtió en la fuente de la creación artística moderna. La "filosofía irracional" de Bergson es una total negación y traición de los valores tradicionales negativos generados por la civilización industrial moderna. A partir de entonces, el arte ya no es un reflejo del mundo objetivo, sino una expresión del mundo subjetivo. El surgimiento y desarrollo del arte moderno siguen leyes inevitables. El arte occidental se ha centrado en la practicidad y la reproducción material desde la antigüedad. Ha experimentado desarrollo y mejora en diferentes épocas, alcanzando su apogeo durante el Renacimiento europeo. Cuando se inventó la fotografía, la pintura realista representativa fue reemplazada parcialmente por la fotografía. La pintura tuvo que elegir otro camino, desde la representación hasta la expresión, desde escribir la forma de las cosas objetivas hasta expresar el espíritu interior del pintor. Desde la creación de la pintura, se ha creído que el propósito es servir a los demás, y la sociedad primitiva es práctica. Después sirvió a Dios, sirvió a la vida de las personas y sirvió a las luchas políticas. Los artistas occidentales afirman que ya no sirven a nadie y que el arte existe de forma independiente para perfeccionarse. De modo que los valores del arte están divorciados de la tradición. Todo esto está cambiando lentamente de cambios cuantitativos a cualitativos con el desarrollo de la sociedad y la evolución de las tendencias ideológicas. Los orígenes del arte moderno comienzan con el Impresionismo. El surgimiento del impresionismo es un hito que hace época en el arte occidental. Para expresar los ricos y fugaces cambios de luz y color en la naturaleza, ignora o niega la naturaleza inherente de las cosas objetivas, e incluso destruye o abandona el modelado riguroso que. Occidente lo ha perfeccionado durante miles de años, dando lugar a una serie de pintores y escuelas de pintura rebeldes. Cézanne fue el primero en romper con la tradición. Quería crear una pintura absoluta que ya no fuera una imitación de cosas objetivas, sino una forma eterna y una estructura sólida impregnada de la interpretación subjetiva del pintor. Al mismo tiempo, también hubo un pintor llamado Gauguin que analizó y sintetizó las impresiones y sentimientos de las cosas objetivas desde una fuerte perspectiva subjetiva, y creó pinturas simbólicas que rompieron las limitaciones del tiempo y el espacio. El holandés Van Gogh transmitió sus ardientes pensamientos con colores brillantes y líneas vibrantes. Juntos fueron pioneros en el arte moderno occidental, y muchas escuelas modernas se derivan de sus teorías. Algunos pintores que siguieron a Cézanne confirmaron que la estructura de gestión del cuadro era la capacidad y el derecho del pintor. El pintor era el creador del cuadro y debía ordenarlo a voluntad como Dios, formando el cubismo representado por Picasso. Se cree que la pintura no debe ser esclava de los objetos naturales, ni debe ser simplemente la exquisita estructura del cuadro, sino que debe expresar el estado de ánimo y la voluntad del pintor, y debe ser la imagen externa de los sentimientos internos del pintor, dando origen así. al fauvismo francés y al expresionismo alemán. Tras examinar este cambio en la pintura, el ruso Kandinsky se dio cuenta de que la pintura no se sustenta en objetos, sino en colores, líneas y formas que dominan todo el cuadro. Estos elementos pictóricos dan vida y belleza al cuadro, y fue el primero en crear pinturas abstractas. Las escuelas antes mencionadas son todas expresiones de la exploración de los artistas después de pensar en el arte. Cuando los artistas pensaron en la sociedad y la civilización material moderna, llegaron a la conclusión de que la tradición estaba obsoleta y la modernidad era incompleta y malsana, lo que dio lugar al dadaísmo. Destruyó todo y derribó todo. Querían construir una nueva civilización sobre una pizarra en blanco. Cuando los artistas se enfrentan a la vida, la conciencia humana ha sido decorada con demasiados conceptos. Sólo el reino subconsciente es el reino más real, que nunca se ha expresado.

El pintor se interesó por este mundo espiritual y creó pinturas surrealistas que mostraban un mundo subconsciente poco conocido utilizando una combinación de objetos e imágenes que expresaban un desafío a la lógica y al sentido común. Después de la Segunda Guerra Mundial, el centro del arte posmoderno se desplazó de París a Nueva York, Estados Unidos, y se iniciaron nuevas exploraciones y creaciones, que se caracterizaron más por prestar atención a los cambios de conceptos. El expresionismo abstracto surgió en la década de 1950. La pintura performance se centraba únicamente en el proceso de pintura e ignoraba los resultados y reflejaba la vitalidad de la creación libre estadounidense. Cuando la gente no estaba satisfecha con el desahogo accidental y el comportamiento subjetivo y desenfrenado en la pintura, abogaban por dejar que la imagen desarrollara todo su potencial, por lo que aparecieron pinturas de grandes campos de color, pinturas minimalistas, pinturas de bordes duros, etc. La mayoría de estas artes están decoradas con grandes bloques de colores, frescos y simples, sin ninguna expresión emocional. El arte pop se hizo popular por primera vez en los Estados Unidos en la década de 1960. Permitió que el arte penetrara en la civilización moderna, haciendo del arte un medio de comunicación más popular y estrechamente relacionado con la supervivencia de la gente moderna. Desde la década de 1970, el arte moderno ha entrado por completo en un patrón diversificado, en el que los artistas exploran el arte y la expresión artística en un nivel más amplio. A partir de entonces no se encontró más escuela de estilo. Se podría decir que una persona tenía su propia escuela, y los diseños eran novedosos e infinitos. Desde entonces, el arte occidental ha entrado en un mundo infinito y alejado del mundo del sentido común. El arte moderno primero. El "arte moderno" es la forma de arte dominante en Occidente desde el siglo XX. Desde principios del siglo XX, cuando la sociedad occidental entró en el período moderno, surgió un arte moderno que es diferente del arte clásico y del arte moderno. Su característica destacada es que el estilo realista ya no es la principal forma de arte, sino el concepto y el lenguaje formal que refleja la personalidad del artista, formando muchas escuelas de arte, una dominante a la vez. Como el Cubismo, Futurismo, Surrealismo, Abstracción, Pop Art, Realismo Fotográfico, etc. Por supuesto, no importa qué forma de arte, refleja y expresa las características psicológicas sociales provocadas por los cambios en la sociedad moderna, y también es la exploración de la expresión artística por parte del artista. Los resultados positivos han enriquecido la experiencia estética de la gente y han abierto el espacio para la expresión visual artística; uno de los problemas es la falta de estándares artísticos comunes y la sobreindividuación, lo que ha llevado a una calidad artística desigual, y algunos se han distanciado de las masas. y llegado a los extremos. En segundo lugar, en el proceso de modernización de varios países, existe un "arte moderno" con su propia connotación cultural relacionada con las características del desarrollo social del país, que refleja el proceso de modernización social en el contenido y encarna el espíritu moderno en la forma artística. Debido al avanzado desarrollo de los países occidentales desarrollados en el proceso de modernización, el "arte moderno" occidental ha tenido un impacto considerable en el mundo, pero esto no significa que el arte de todos los países sea una copia de Occidente. En el desarrollo centenario del arte chino en el siglo XX, este tiene su propia "modernidad" cultural distintiva. "Arte contemporáneo" se refiere al arte actual en términos de tiempo, y se refiere principalmente al arte con espíritu moderno y lenguaje moderno en términos de connotación. La razón por la que el arte contemporáneo se utiliza comúnmente en las exposiciones actuales es porque el término "arte moderno" puede confundirse fácilmente con el "arte modernista" existente. Al mismo tiempo, el "arte contemporáneo" encarna no sólo la "modernidad", sino también la "modernidad" que los artistas sienten a partir de la vida social actual. Los artistas están expuestos al entorno cultural actual y se enfrentan a la realidad actual, por lo que sus obras reflejarán inevitablemente las características de los tiempos actuales. El posmodernismo ha sido el tema más candente en el mundo del arte chino desde la década de 1990. Sin embargo, ningún término académico originario de Occidente está dotado de tanta ambigüedad y ambigüedad como posmodernismo. Después de leer muchos artículos relevantes en periódicos y revistas y varias creaciones artísticas que llevan esta etiqueta, descubrí que el posmodernismo casi se considera una tienda de comestibles que lo abarca todo. Para muchos artistas jóvenes en China, el posmodernismo se interpreta como cinismo, pérdida de responsabilidad social y disolución del espíritu noble. A menudo se trata de un simple mosaico de logotipos de Coca-Cola e iconografía del vestuario de la Ópera de Pekín. Aunque la humanidad ha entrado en la era de la información, China todavía tiene muy poca introducción al arte posmoderno occidental y la mayoría de la gente en el país no está familiarizada con su apariencia original. No hay duda de que esto es resultado de la comprensión e interpretación del posmodernismo. La causa del caso. Afortunadamente, a principios de siglo, inesperadamente tuvimos la oportunidad de presenciar el arte posmoderno occidental. La "Exposición de Arte Contemporáneo Estadounidense del Mundo Exterior" fue organizada por el Centro de Exposiciones e Intercambio de China y coorganizada por el Centro Internacional Meridian y el Centro de Intercambio y Exposiciones de China. Mobil Foundation "(titulado originalmente "Out Ward Bound: American Art on the Edge of the 20th Century"/Out Ward Bound: American Art on the Edge of the 21st Century) se llevó a cabo en 199965438+.