¿Hay algún artículo o información sobre "Arte y arquitectura espectral"?
Francis Anderton escribió un artículo.
Hacia la arquitectura pop “Cuanto más hacia el oeste vamos, más imágenes pop vemos en las carreteras... incluso la música pop está en todas partes... Pop, este es un género Art Nouveau. Una vez que entiendes el pop. , nunca volverás a mirar a un ícono de la misma manera. Una vez que piensas en el pop, nunca volverás a mirar a Estados Unidos de la misma manera." Warhol Andy Warhol hizo ese viaje revelador de Nueva York a Los Ángeles en 1962. Ese año, la música pop se convirtió en un fenómeno cultural reconocido internacionalmente y que podía verse en todo el mundo. Ese año, el arquitecto Stephen Kanner era un niño que crecía en la capital del pop, Los Ángeles. Aunque era joven, se había adaptado al interesante entorno empresarial que lo rodeaba y se sintió atraído por Warhol. Para Stephen, fue una época dorada, llena de campos de golf en miniatura, boleras, moteles y cafeterías futuristas, todo ello transmitido por alegres carteles publicitarios gigantes. En su opinión, Los Ángeles es una ciudad nueva y vibrante. Por las calles anchas y limpias circulaban coches cromados. A ambos lados de la calle, se disponen casas cuidadas sobre prados verdes y soleados. Cada casa tiene instalaciones modernas y son utilizadas por amas de casa felices y sonrientes. Además, está Disneylandia. "¿Cuántas ciudades tienen arte pop y Disneylandia? ¿Cuántas ciudades tienen tanto color y sol?", preguntó Stephen. Esto fue antes de la guerra de Vietnam, los asesinatos del presidente Kennedy y Martin Luther King y la crisis del petróleo.
En aquella época, el padre de Stephen, Dick Kanner, era un arquitecto prolífico y de éxito. Se inspiró en Frank Lloyd Wright y los modernistas de California Charles y Ray Ames, Richard Noltra y John Law Turner, estableciendo edificios en California, Arizona y algunos centros comerciales. También pintó obras vívidas y realistas como botellas de Pepsi, Leighton Johnson y lanzamientos de cohetes, maquinaria industrial, pantallas de televisión y mujeres de piel clara con cabello rubio y rizado: mujeres bebiendo agua helada, comiendo ostras, usando sujetadores, mujeres entrando a las tiendas vistiendo tacones altos, etc Las pinturas de Chuck se originan a partir de imágenes fotográficas encontradas en revistas. Como herramienta, las fotografías le ayudaron, del mismo modo que las fotografías ayudaron a los fotorrealistas. Su obra "desdibuja los límites entre el fotorrealismo y el arte pop" y cree que expresa no tanto una preferencia subyacente por las rubias elegantes, sino un gran interés por la imagen comercial de la época. Chuck también se inspira en el trabajo de los artistas pop contemporáneos James Rosenquist (que fue pintor de etiquetas), Mel Ramos y Roy Lichenstein. Creía que estas obras fotorrealistas representaban el regreso de la artesanía al arte moderno y, aunque tenían talento para la pintura y estaban profundamente influenciados por el arte y la cultura, Chuck y su hijo y colaborador Steven eligieron utilizar la arquitectura para expresar esta emoción. A principios de la década de 1980, su empresa Canner & Company creó una gran cantidad de obras en Los Ángeles, expresando su admiración por la cultura pop moderna comercializada de posguerra del sur de California. Los proyectos que crean van desde una hamburguesería hasta un gimnasio comunitario y una casa prefabricada, todos los cuales son expresiones audaces y abstractas de la arquitectura y la imaginería populares. Estos edificios suelen ser baratos y alegres.
Hacen alarde de colores y escalas exagerados, anunciando su presencia a todos los que pasan. En pocas palabras, esto es arquitectura pop.
Canner no era nuevo en la oficina en ese momento. La empresa con sede en Los Ángeles fue fundada originalmente en 1946 por el padre de Chuck, Herman. Después de tres generaciones, se han construido una gran cantidad de edificios de diferentes estilos y goza de una gran reputación por su diseño perfecto y sus capacidades de diseño contextualmente apropiadas. Pero su objetivo compartido era crear una arquitectura que hablara con mayor claridad y precisión del espíritu del sur de California de la posguerra. Esta es una era de clima agradable, abundantes oportunidades de empleo, prosperidad y comodidad. El optimismo se refleja no sólo en el arte y los gráficos, sino también en la arquitectura. El modernismo ganó popularidad y creció rápidamente en el sur de California. En los años 30, era el estilo internacional alegre y confiado defendido por los arquitectos extranjeros Richard Noltra y Rudolf Schindler. Después de la guerra, los años cincuenta y sesenta vieron el surgimiento de vibrantes diseños futuristas, como los diseños de Pereira y Rockman para el Aeropuerto Internacional de Los Ángeles, John Law Turner (cuyo nombre de restaurante Gucci se convirtió más tarde en la marca modernista de Los Ángeles, un edificio temático de diseñadores de Synonyms ), y un restaurante con estructuras dinámicas y materiales imaginativos diseñado por Amati y David.
El idealismo social y tecnológico inherente al modernismo también prevaleció en el proyecto de estudio de caso residencial. John Stanza, editor de la revista Art & Architecture, inició un imaginativo proyecto de vivienda a gran escala, principalmente para probar la idoneidad de los métodos estructurales producidos en masa para el diseño residencial. Compuestas por marcos de acero y paredes de vidrio, estas espaciosas y elegantes casas fueron diseñadas por los arquitectos Charles, Ray Eames, Clark Ellwood y Rafael Soriano. Estos edificios y el estilo de vida elegante y ligero de los diseñadores han tenido un profundo impacto en muchos arquitectos modernos como Chuck y Steven.
Además, hay otras influencias de los alrededores de Los Ángeles, como Oscar Niemeyer en Brasilia, que vertió y retorció el hormigón como si fuera caramelo; y los primeros modernistas europeos Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius, Gerrit Lietveld, Le Corbusier y el creador del modernismo orgánico estadounidense Frank Lloyd Wright.
A partir de estas ricas fuentes, Chuck desarrolló un modernismo blanco más sobrio derivado del pop, heredando de su padre la seguridad del profesionalismo, el diseño riguroso y los métodos de construcción. En la arquitectura y la planificación de Zaosi, sus diseños están llenos de creatividad y deslumbramiento. Obras arquitectónicas como el Fashion Plaza de Baltimore tienen un plano con esquinas cuadradas y detalles simplificados al estilo Wright; el edificio de la sede de Copeland en Los Ángeles tiene estructuras de arcos de madera contrachapada y murales de bloques de concreto; Incluso su proyecto de la Escuela de Arquitectura de la USC de 1953 utilizó techos livianos y columnas en forma de dardo sobre la calle para una sinagoga y una escuela primaria. En los años 1970 y principios de los 1980, sin embargo, favoreció el diseño de una red internacional más tranquila. "Habría seguido sin el modernismo, creyendo que era el camino correcto a seguir", dijo Chuck. A principios de la década de 1980, la empresa construyó una casa costera que era una síntesis interesante de planos cuadrados y diseños abiertos. También se diseñó el Edificio de Gobierno, un enorme edificio de hormigón en el este de Los Ángeles con decoraciones luminosas fuertemente influenciadas por Corbusier. En ese momento, Stephen, al igual que Chuck, respondió a la influencia de este estilo arquitectónico, absorbiendo la experiencia de su padre en la pintura pop y la arquitectura pop temprana diseñada por Charles. Debido a esto, estaba más interesado en imágenes posfuturistas, como los edificios titulares en las calles de Los Ángeles, el cómic posfuturista de estilo Gucci Los Supersónicos y las Exposiciones Ryan y Perris de la Exposición Chrysler (Feria Mundial de Nueva York de 1939, Disneylandia). ) de Tomorrowland y el abandonado Pacific Park, un popular parque de atracciones de Los Ángeles en los años cincuenta. Le gustan los edificios que son principalmente comerciales y que generalmente no son necesarios. Él cree que el trabajo de artistas que celebran las cosas ordinarias y cotidianas, como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Frank Stella, Claes Oldenburg, las obras de Ed Rush y sus padres espirituales como los Fauves, Van Gogh y Monet. Por la misma razón, admira la mejor sala de exposiciones de arquitectura deconstructivista diseñada por el estadounidense Seth, que fue famosa por su ingeniosa autodesprecio en los años 1970. Se unió a la firma en 1992 y se comprometió a inculcar su espíritu modernista popular en su trabajo, lo que Chuck alentó enormemente.
Chuck cree que el trabajo de su hijo refleja sus primeras influencias e ideas, como la herencia genética. Juntos crearon una estética híbrida que combinaba el rigor impecable del diseño modernista temprano con la alegría de "Googie". El resultado es un diseño extrovertido que Stephen describe como "nuestra propia marca de popismo moderno que tiende a ser divertido y positivo".
En obras terminadas y proyectos de fantasía, los trabajos de 15 años se han ido mejorando continuamente, y cada proyecto se ha convertido más plenamente en su modelo ideal. Primero, echemos un vistazo a un proyecto de renovación a pequeña escala "Tiantian 16" respaldado por grandes ideas. Aquí, una hilera de restaurantes y tiendas decadentes construidas en la década de 1940 se transformó en una hilera de "tablones de anuncios" móviles agregando vidrios altos y enormes toldos para sostener los letreros de las tiendas, que bordean la primera terraza que da a la calle. A un lado de la casa, se expone una estructura triangular de acero que soporta carga en amarillos y rojos brillantes. Hace que los transeúntes se detengan y lo miren con su apariencia alegre y confiada. En el proyecto Harvard Apartments, este enfoque de "tablón de anuncios" se ha convertido en una forma más madura de modernismo y popismo. Se trata de un complejo de 13 viviendas de bajo coste en un pueblo coreano tras las tensiones entre residentes cerca de Los Ángeles. Construido en 1992, es lo que Stephen describe como "una baguette de sándwich blanca modernista con jamón y queso suizo llena de ritmos de Los Ángeles". El edificio mezcla interiores blancos y modernos, con un exterior rojo y amarillo envuelto en un patrón saltante de círculos y cuadrados. Con ese fin, Harvard Apartments se desarrolló a partir de un trabajo anterior: St. Andrews. St. Andrews es una zona residencial de bajo coste en una localidad norcoreana encargada por el mismo promotor privado, pero se trata de un proyecto de renovación. En lugar de alterar el plan existente, la oficina de Kanner simplemente modificó la fachada del edificio, cubriendo la pragmática fachada original con un patrón de círculos de colores pastel y cuadrados inclinados. Ambos tipos de obras se realizaron a un coste extremadamente bajo, lo que ilustra el interés del Pop Art por la arquitectura barata y corriente, y su aparente falta de escrúpulos.
La idea de un "tablón de anuncios" se repite en varios proyectos, como el showroom de Robbins Automotive Roofs, una caja gigante decorada con un gran mosaico cuadrado verde y blanco que simboliza las carreras de motos y Una ampliación ampliada y realista de una jarra de jugo de verduras Chunky Campbell. Este estilo “sándwich” o mezcla de modernidad y Gucci también se ve en otras piezas. En proyectos de planificación inacabados como la Casa Copeland, el caso de estudio se integra simplemente con "Gucci" y su Casa 3, donde Plinth House 3 es el tercer proyecto de la serie de diseño Theoretical House, que combina planos modernistas y formas expresionistas. La Casa Plinth, a su vez, es parte de una serie de planos de fantasía caracterizados por estructuras dinámicas, autopistas elevadas, formas fluidas, cielos azules y colores llamativos. Los planos se inspiraron en el maestro del diseño de hormigón de estilo libre Oscar Niemeyer y aparecen en coloridos dibujos con tiza en los cuadernos de bocetos de Stephen. En palabras de Stephen, representan edificios que evocan buenos recuerdos, simplemente para "recordar a la gente los buenos tiempos, cuando todo era tan bueno. También diseñó los productos y muebles que se colocarán en estas casas: sillas, sillones, mesas y". Gabinetes, todos posfuturistas pero resistentes y fáciles de trabajar. La voz modernista en la oficina de Kaner ha alcanzado recientemente un punto álgido con la apertura del restaurante de hamburguesas in-n-out. El restaurante está situado en una concurrida intersección de Westwood Village, cerca de la gasolinera de enfrente. Sus restaurantes están abarrotados, a menudo con 50 coches, lo que demuestra una interesante tolerancia. El exterior del edificio es una mezcla de rojo claro, amarillo y blanco, inspirado en los colores del logotipo de la empresa y las flechas en forma de dardos. El edificio tiene un tejado luminoso y un gran cartel separado por letras gigantes "in-n-out", un enfoque que admiró a Claes Oldenberg. Se trata de un edificio que funciona como cartel publicitario y como forma expresionista. Los hombres de negocios se sienten atraídos por la que posiblemente sea la mejor hamburguesa de California y les encanta este lugar. Un espectador lo llamó “el edificio más hermoso que he visto en mi vida”, otro lo llamó una “obra de arte” y otro le dijo a Stephen en términos musicalmente dulces: “Me recuerda a Disneylandia del mundo del mañana.
En un esfuerzo por perpetuar la cultura dominante en forma de pinturas al óleo, los artistas pop que surgieron a finales de los años cincuenta y principios de los sesenta respondieron a las ideas insulares y elitistas de Nueva York, que se había hecho famosa en los últimos veinte años por sus pinturas para El estilo prevalecía en el mundo del arte, no en el público. Ahora, en la década de 1990, la oficina de Canner en Los Ángeles se había convertido en uno de los pocos arquitectos, como los deconstructivistas, en buscar encargos y estilos que reflejaran y apoyaran el gusto popular que había surgido. Inspirándose en la arquitectura comercial de las décadas de 1950 y 1960, su obra no era "kitsch" en el sentido literal de la palabra sólo cuando era iconoclasta, cambiaba de escala y de medio y colgaba en la pared de una galería y se convertía en pop. El "alto" arte, por ello, Kanner Architects se centró en ofrecer una interpretación abstracta de los orígenes del Pop Art y en aludir a sus características negativas y distantes. Su aproximación a los pequeños proyectos de renovación no estaba interesada en el diseño, sin embargo, querían construir comida rápida. restaurantes y casas de bajo precio llenas de poder, emoción y drama espacial, pero todavía estaban decididos a crear arquitectura, incluida la más famosa. Muchos arquitectos, incluido Robert Venturi, intentaron difuminar los límites entre la elegancia y lo vulgar, pero esto desencadenó lo inherente. La contradicción del arte pop En palabras del crítico Qi, este fenómeno convirtió a "un público privilegiado" en medio de la gente común, pero disfrutando de la alienación cultural de la gente común por la misma razón. PHP/acción _ ver hilo _ tid _ 10155 html
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