Dirección de la librería Nanyang New Thinking
De hecho, un examen cuidadoso revelará la raíz del problema. En la Edad Media, esos artesanos educados y formados en gremios fueron barridos en la llamada "Era de la Razón", lo que resultó en el fenómeno de que todos los productos eran entregados a fabricantes sin educación para que los manipularan a voluntad. Sin embargo, estos productos vulgares son los preferidos por las masas porque son muy baratos. Y esta gente no tiene una buena educación. O tienen dinero y no tienen tiempo, o no tienen dinero ni tiempo. Esto puede conducir a una grave contaminación del gusto artístico del público. La mayoría de los artistas de esta época estaban influenciados por la filosofía artística y el romanticismo de Schiller y despreciaban el valor práctico y el público en general. Se cierran a sí mismos fuera de la vida real de su tiempo, retirándose al pequeño círculo de Su Espíritu Santo para crear arte para el propio artista.
De hecho, entre los organizadores de esta exposición, el equipo artístico incluía a Henry Koehler (1808-1882), Owen Jones (1809-1874) y Matthew Digby Wyatt Special (1874), y Richard Redgrave (1820). -1877)
En 1849, Cole fundó una revista llamada Magazine of Design and Manufacture. La filosofía que defiende esta revista es que "la decoración... debe estar subordinada a lo que se está decorando" y "la decoración debe encajar con lo que se está decorando". Y todo esto proviene del credo que Putin creó hace unos años. August W. N. Pugin, en su libro The Spire Dome or the Principle of Christian Truth, comienza con las siguientes palabras: "Dos principios de diseño...Primero, la eliminación de cosas que sean perjudiciales para la conveniencia de la construcción; segundo, todas las decoraciones". debe condensarse desde la esencia del edificio." Putin nació en una familia de inmigrantes franceses y luego abrazó el catolicismo romano. Conocido como pionero del renacimiento gótico en la arquitectura victoriana, promovió la honestidad y la franqueza en el diseño y la fabricación. Sus ideas influyeron mucho en el teórico del arte y ensayista británico John Ruskin (1819-1900).
Como socialista, la teoría del diseño de Ruskin tiene un fuerte sabor democrático. Creía que el verdadero arte debe crearse para el pueblo, negaba la diferencia entre el llamado gran arte (arte puro) y la artesanía y la decoración de interiores conocida como pequeño arte, y defendía que los artistas se dedicaran al diseño artístico y combinaran el arte con la tecnología.
La defensa que Putin hacía del contenido moral del arte medieval también tuvo una influencia importante en Ruskin. Ruskin también se opuso a la decoración excesiva y creía que la decoración debía ser apropiada y verdadera. Escribió "Las siete lámparas de la arquitectura" en 1849. La segunda lámpara es la verdad. Para Ruskin, la verdad se hacía a mano y debía hacerse de manera agradable. Si eres como los artesanos de Grecia y Egipto, sigue siendo humilde e irreal, porque "el estatus de los artesanos aquí es bajo y sus habilidades y destrezas están completamente controladas por la voluntad de sus superiores. Sólo las artesanías medievales son verdaderamente hermosas". , especialmente Es la decoración del cristianismo que "está completamente libre de este servilismo, porque el cristianismo reconoce el valor del individuo tanto en las cosas grandes como en las pequeñas. Pero además de reconocer este valor, también reconoció que este valor es imperfecto". porque este valor sólo atañe a asuntos triviales. Las cosas deben ser dignas... Quizás lo más envidiable de los godos es que aceptan los frutos del trabajo de las clases bajas, señalan las imperfecciones y construyen una sociedad completa, solemne e intachable. Palacio de arte con actitud inclusiva. ② También escribió en un capítulo titulado “La lámpara de la vida” que “lo más preciado es el signo de vida”.
Ruskin admiraba el naturalismo en la decoración y se oponía al complejo y pretencioso estilo victoriano. decoración.
Creía que "las formas que no se derivan de la naturaleza deben ser feas". En su negación de las máquinas, consideraba la monotonía producida por las máquinas como cosas muertas y consideraba las cosas hechas a mano como expresiones de vida.
Las ideas teóricas de Ruskin eventualmente se convirtieron en las ideas dominantes del Movimiento de Artes y Oficios británico. William Morris (1834-1896) fue un defensor del movimiento británico Arts and Crafts, diseñador, pintor, poeta y reformador social que puso en práctica sus teorías.
La familia de Morris era muy adinerada y su educación era valorada en casa, lo que le permitió estudiar arquitectura en la Universidad de Oxford. En la universidad, Morris asistió a las conferencias de Ruskin y estuvo profundamente influenciado por Putin. También leyó el libro de Ruskin Las piedras de Venecia. Se obsesionó con el libro y se interesó por la arquitectura gótica. Para estudiar arquitectura gótica, fui a Francia con Edward Burne-Jones (1833-1898), mi compañero de estudios en la universidad y luego socio. Este viaje fue una revelación y el comienzo de una pasión de toda la vida por el diseño del Renacimiento gótico. Después de graduarse, Morris estudió arquitectura en George Streeter Street, que se especializó en diseño arquitectónico gótico. Más tarde, Dante Gabriel Rossetti (uno de los fundadores de los prerrafaelitas) lo convenció de que abandonara el estudio de Streeter en 1857 y viniera a Londres para comenzar su carrera de diseño, practicando la teoría de Ruskin.
Cuando Morris estaba decorando la casa de su recién casado en 1859, no podía encontrar una casa ideal ni mesas y sillas decentes en el mercado. Como su familia era adinerada, se fue a estudiar arquitectura. Entonces se me ocurrió la idea de diseñar mi propia casa y muebles. Le pidió a su amigo y colega Philip Webb (1831-1915) en el estudio streeter que le diseñara una casa. Inicialmente, Weber hizo un dibujo simétrico de la casa para Morris. Debido a que Morris estaba profundamente influenciado por Ruskin y sus propias ideas rebeldes, simplemente lo cambió a una estructura asimétrica. También fueron sus ideas rebeldes las que fueron puestas en jaque cuando Weber intentó pintar las paredes de la casa. Simplemente expone la pared roja. Esta es la famosa “Mansión Roja” de la historia del arte (Figura 1). No existe absolutamente ninguna disciplina académica en toda la Mansión Roja. Al planificar desde la parte trasera, el frente del edificio es una consideración secundaria, al mismo tiempo, la estructura interna de todo el edificio se muestra completamente y el edificio y el entorno están perfectamente integrados. Al mismo tiempo, incluso mezclaron estilos al diseñar la pared del hogar dentro de la casa. Morris también comenzó a diseñar muebles y papeles pintados, cortinas y patrones de cortinas, que fueron bordados por la propia esposa de Morris, Jenny, persiguiendo la unidad del estilo gótico. Se puede decir que el diseño de la "Casa Roja" es la primera práctica tentativa de la teoría de Ruskin, que abrió el camino para el posterior movimiento Arts and Crafts y se convirtió en un ejemplo temprano del movimiento Art Nouveau.
Considerando que muchas personas en la sociedad también necesitan una casa similar a la "Casa Roja", para poder realizar y desarrollar las ideas teóricas de Ruskin, Morris y sus amigos Marshall, Faulkner y los artesanos En 1861 fundaron una fábrica y decoración. Se fundó la empresa (MMF). El negocio de la empresa se divide en cinco grandes categorías: pintura, escultura, fabricación de muebles y herrería. Realmente hace realidad el ideal de Ruskin de que "los artistas se involucran en el diseño artístico y combinan el arte con la tecnología" y demuestra plenamente la opinión de que "el arte debe ser tomado del pueblo y utilizado para el pueblo". Esto también marcó el comienzo de una nueva era en el arte occidental.
Alrededor de 1874, debido a problemas financieros, Morris compró las acciones de los otros dos socios, operó de forma independiente, cambió su nombre a "Morris Company" y amplió la escala de la empresa. Al mismo tiempo, el propio Morris ganó reputación internacional en el campo del diseño. Sin embargo, cuando quiso que el arte tuviera un mercado de masas más amplio, fracasó porque, al igual que Ruskin, negaba la maquinaria, por lo que no podía producir en masa, y los productos hechos a mano por artistas debían ser caros, por lo que no podía venderlos más ampliamente. Servir al público. Por eso sus productos sólo pueden servir a los ricos.
De 1968 a la década de 1970, Morris sirvió al público en general en materia de arte, mejorando y guiando el gusto artístico del público. Poco a poco comenzó a dedicarse a actividades políticas. "Asumió como su deber comprometerse abiertamente con el socialismo de Ruskin y la protección de reliquias culturales que ya eran una locura en ese momento". En 1877, estableció la Asociación para la Preservación de Edificios Antiguos.
Comenzó a leer las obras de Karl Marx en 1883 y se unió a la Unión Socialdemócrata ese mismo año. Después de la disolución de la Liga Socialdemócrata en 1887, él y Elena, la hija de Marx, establecieron la Liga Socialista con la ayuda de Afrin y Bacchus. Al mismo tiempo, se desempeñó como editor en jefe del órgano de la Liga "Tribute Welfare". revista. Publicó numerosos artículos sobre arte y cuestiones sociales en la revista, incluida su novela "Utopian Socialist News from Nowhere". Se explicaron claramente sus pensamientos democráticos y más tarde socialistas formados bajo la influencia de la teoría de Ruskin en sus primeros años y, al mismo tiempo, se formó su sistema teórico de artes y oficios.
En sus 35 conferencias impartidas entre 1877 y 1894, fue extendiendo las cuestiones artísticas al campo de las ciencias sociales. Detestaba los llamados sentimientos personales y las inspiraciones creativas de los artistas. "Es una tontería decir 'inspiración'" y dijo: "No existe tal cosa, sólo la tecnología". (4) Odia el hecho de que los artistas estén divorciados de la realidad de la vida cotidiana y "se envuelvan fuertemente en los sueños de Grecia". e Italia"... sólo unas pocas personas todavía fingen estar conmovidas por estas cosas, o fingir entenderlas" (5). Morris nos dice: "Si no es arte lo que todos pueden apreciar, ¿qué tiene que ver el arte?". con nosotros? "⑥ Cuando se habla de la relación entre el gran arte (arte puro) y el pequeño arte (artesanía), las opiniones de él y de Ruskin (mencionado anteriormente) son casi las mismas. Dijo: "No tenemos forma de distinguir entre el llamado gran arte y pequeño arte. Si distinguimos el arte de esta manera, el arte pequeño parecerá inútil, mecánico e irracional... Sin el apoyo del arte pequeño, el arte grande perderá el valor de servir al público y se volverá inútil. El verdadero arte debe ser "creado para el pueblo y para el pueblo". Su esperanza es "recordar que la barbarie puede extenderse nuevamente por el mundo y hacer que el mundo vuelva a ser hermoso y dramático".
Bajo la influencia de Morris, un grupo de jóvenes artistas comenzaron a organizar sus propias compañías, llamadas gremios. Esto desencadenó un movimiento artístico que revivió la industria artesanal: el Movimiento de Artes y Oficios. Cinco de los gremios eran muy famosos en ese momento: el Century Guild fundado por A.H. Heygate A.H. Mackmurdo en 1882, el Artists Guild fundado en 1884, la Family Art and Industrial Association fundada el mismo año, y el alumno de Morris, Charles, en 1888.
Si bien el Movimiento de Artes y Oficios avanzaba vigorosamente, también dio origen a otro movimiento. Basado en el Movimiento Arts and Crafts y la introducción de productos japoneses y chinos. Los artistas se encuentran en una era de revolución artística. Se enfrentan a una sociedad que requiere una transformación integral y el diseño en el campo del arte, incluyendo la arquitectura, el mobiliario, la artesanía, el diseño de joyas, el diseño gráfico, etc. Para competir por sus asientos en diferentes campos, los artistas son diferentes. Incluso una persona ocupa varios asientos. Este fue el movimiento Art Nouveau, que duró por toda Europa y América del Norte desde la década de 1980 hasta la Primera Guerra Mundial. Se puede decir que las ideas principales de este movimiento heredaron las ideas del Movimiento de Artes y Oficios. Los estilos decorativos antitradicionales y antivictorianos fueron los estilos dominantes, pero hubo más énfasis en el naturalismo y los estilos orientales que en el movimiento Arts and Crafts.
La primera obra del movimiento Art Nouveau reconocido internacionalmente fue la portada del libro "City Church of Rennes" diseñada por McMurdo, el fundador del Century Guild, en 1883 (Figura 2). La imagen está llena de curvas delgadas asimétricas, con un gallo delgado a ambos lados de la imagen. Este es un estilo común en el movimiento Art Nouveau, pero el atractivo de este libro no es el Art Nouveau. Un ilustrador escocés del norte de Inglaterra jugó un papel decisivo en el desarrollo del Art Nouveau. Él era Beardsley (1872-1898). Existe la leyenda de que le diagnosticaron tuberculosis a los 7 años y murió a los 26 años. Pero su influencia en la ilustración no tiene paralelo. Sólo recibió dos meses de formación reglada en una escuela nocturna de arte y de forma totalmente autodidacta entró en contacto con los prerrafaelitas entre los 20 y los 22 años; No hay ningún dogma académico en sus ilustraciones: "Tomó todas las inconsistencias del mundo y las entrelazó en algo coherente con su propio modelo". En sus pinturas también podemos ver muchos rastros de la combinación entre Oriente y Occidente.
El período en el que vivió Beardsley fue la "edad cuna" del Art Nouveau, pero cuando el Art Nouveau entró en su período próspero, Gran Bretaña desapareció de nuestra vista.
La cuna del Art Nouveau es Francia. A finales del siglo XIX, los artistas franceses empezaron a cansarse del estilo victoriano de la época. Nuevo arte comenzó a surgir en la Exposición Universal de París desde las 65.438 hasta las 09.00 horas. Emile Galle (1846-1904), un diseñador de la ciudad francesa de Nantes que participó en la exposición, había comenzado a exhibir un producto de vidrio con formas elegantes y colores maravillosos ya en 1884. Este producto de vidrio no era en absoluto de la época victoriana. era. Sus ideas de diseño tienen una fuerte tendencia naturalista y cree firmemente que la naturaleza es la única fuente de inspiración. En 1893, el diseñador estadounidense Louis Comfort Tiffany comenzó a producir sus productos de vidrio. Tiffany es la fundadora de los grandes almacenes Tiffany, la base del movimiento Art Nouveau estadounidense. Samuel Bing se inspiró mucho en su enfoque de combinar la producción industrial con la expresión artística. Samuel Bing fue un editor y comerciante que viajó al Lejano Oriente en 1875 y se interesó por el arte japonés. En 1888 publicó una revista, Japanese Art, y él mismo fue reconocido como un conocedor del arte japonés. Posteriormente, en 1895, se abrió una "Tienda de Arte Nouveau" en la Rue de Provence de París, con el propósito de "proporcionar un lugar de reunión para jóvenes entusiastas y deseosos de exponer sus obras con tendencia moderna y para todos los amantes del arte deseosos de vea la energía⑨" Cuando se inauguró la tienda, se exhibieron obras con fuertes colores naturalistas de Bernal, Lautrec, Beardsley, Calais y otros. En la Exposición Universal de París, la sala de exposiciones "Art Nouveau" exhibió las exhibiciones de la nueva tienda de arte. atrajo una gran atención en ese momento, y los periódicos comenzaron a utilizar el "Art Nouveau" para representar este nuevo estilo.
En 1896, se estableció en París un "Grupo de los Seis", que también promovió el "Art Nouveau". ". El arquitecto más famoso y interesante es Héctor Plumet, quien aplicó directamente el estilo Art Nouveau a los edificios de entrada del Metro de París (Figura 3), aprovechando al máximo las características naturalistas de los techos de estas entradas. Las formas de Se imitan plantas y barandillas, especialmente las ramas y enredaderas retorcidas, y el techo tiene deliberadamente la forma de una concha marina.
El famoso arquitecto belga Horta (1861-1947, Nueva Bélgica). Los representantes del movimiento artístico) diseñaron y construyeron el número 6 de la Rue Paul Emilie Janssen en Bruselas en 1892, que era la residencia original en el número 12 de la Rue Turín (Fig. 4). Por primera vez en la historia, es arquitectónico. El estilo Art Nouveau se aplicó más perfectamente en la arquitectura. Las esbeltas curvas del Art Nouveau y la imitación de las enredaderas en la naturaleza se presentan perfectamente aquí, y todo el edificio es brillante y hermoso. Fue uno de los líderes importantes de la "estética libre". Society" fundada en 1894. El predecesor de la Sociedad Libre de Estética fue el "Grupo de los Veinte" establecido en 1884. En ese momento, la organización introdujo principalmente las pinturas de artistas de vanguardia como Lautrec., Gauguin, Cezanne, Van Gogh. , etc. Aproximadamente en 1891, influenciado por el buen amigo de Horta, Vandevelde, comenzó a presentar las obras del movimiento británico de artes y oficios y gradualmente abandonó la pintura y la aplicó al arte, y cambió su nombre a Liberty en 1894. Sociedad Estética La exposición se enriquece, incluyendo a Beardsley, Morris, Ashby, etc. Entonces, ¿quién es Wilder? Es similar a Morris en Bélgica. Wilder fue un pintor en sus primeros años. Comenzó a notar el movimiento británico Arts and Crafts alrededor de 1891. por lo que dejó la pintura y se dedicó al trabajo de diseño. Al igual que Morris, era un socialista y demócrata que enfatizaba el pensamiento racional en el diseño y la absorción en la decoración. Las formas naturales deben seleccionarse, analizarse, resumirse y finalmente convertirse en "sólo formas abstractas". un diseño completamente práctico creado de acuerdo con principios estructurales racionales puede realmente realizar el primer elemento de la belleza y obtener la esencia de la belleza". Al notar las deficiencias de la teoría de Morris, no se opuso a las máquinas y tuvo una actitud positiva hacia las máquinas. Esto también hizo Es el fundador más importante de la historia del diseño moderno. Su influencia se extiende mucho más allá de las fronteras de Bélgica y en los países europeos, especialmente en Alemania.
En 1895, el famoso crítico de arte alemán Meyer Graf fundó la revista "Pan" para presentar el arte y la literatura alemanes contemporáneos. Ese mismo año, Graf y Samuel Bean descubrieron una casa que el propio Wilder había diseñado y que ambos admiraban mucho. Durante 1897, las obras de diseño de interiores de Wilder se exhibieron en la Exposición de Artes Prácticas de Dresde, y Graf elogió mucho sus curvas creativas en los muebles. Al mismo tiempo, algunos artistas jóvenes con el objetivo de una transformación artística similar a Wilde fundaron la "United Arts and Crafts Factory" en Munich. Entre ellos se encontraban Brister (1863-1927), Endel (August Endel) y Peter Behrens (Peter Behrens). No se oponen a las máquinas, al contrario, esperan utilizarlas para producir obras de arte. El estilo de diseño también comenzó a virar hacia un estilo más abstracto y geométrico. De manera similar, un grupo de artistas y arquitectos de vanguardia en Viena, Austria, los ***19, también organizaron un grupo que se hacía llamar "separatistas" (entre sus fundadores se encontraban Klimt, Joseph Hofmann (1870-1956) y Joseph Maria Obrich. , es muy similar a Alemania, pero los secesionistas estaban más influenciados por el arquitecto Otto Wagner (1841-1918). Se enfatizó la funcionalidad, mientras que la decoración pasó a un segundo plano y la forma comenzó a alejarse del estilo curvilíneo del Art Nouveau. En 1900, los secesionistas realizaron exposiciones periódicas para promover sus teorías. Las obras de (1868-1928) se introdujeron en Austria a través de la Exposición Secesionista y despertaron una fuerte respuesta. El diseño de Mackintosh abandonó por completo el estilo decorativo naturalista del movimiento Art Nouveau. Utilizó formas geométricas simples, especialmente líneas rectas verticales y horizontales. La estructura básica está dominada por el blanco y el negro (Figura 5). Un arquitecto español, al contrario de Mackintosh, desarrolló el estilo curvo del Art Nouveau. extremo. Él es Antonio Gaudí (1852-1926). Sus edificios están llenos de imaginación. Increíblemente, utilizó porcelana rota, tazas y platillos como materiales decorativos. La arquitectura madura de Gaudí refleja su adoración a la naturaleza. A lo largo de su vida, continuó innovando y creando su propia personalidad. Esto también hizo que su arquitectura rara vez recibiera reconocimiento oficial e incluso se volviera intolerable para el público. Sin embargo, hay una persona a la que admira mucho, y es Güell. (la familia Güell es una recién llegada en Cataluña), un empresario que lo ha apoyado y patrocinado durante mucho tiempo en su carrera arquitectónica. Muy importante
Gaudí fue un revivalista gótico muy individualizado en sus primeros días, lo que puede ser. Visto desde el Apartamento Luo Yusheng que diseñó en Barcelona en 1878, que fue construido oficialmente por Güell en 1883. Sólo después de una arquitectura diseñada por la familia comenzaron a aparecer algunas formas orgánicas, como las curvas audaces y deliberadas en la entrada de Villa Güell. En 1900, ya había diseñado una mansión para Güell, y sus creaciones entraron en una etapa de madurez, abandonando por completo a su hermano. Con sombras características, logró combinar naturaleza y arquitectura en un todo perfecto: los puentes, las carreteras, los bancos con incrustaciones de porcelana policromada están llenos del estilo sinuoso del Art Nouveau, e incluso muchos de los lugares que han sido tratados de manera informal están más allá del alcance del Art Nouveau.
El Apartamento Mira (. Figura 6), que se completó en 1910, ha alcanzado el extremo del Art Nouveau y es la mejor casa en opinión de Gaudí. El edificio es completamente orgánico por dentro y por fuera, incluidos todos los muebles y decoraciones, incluso las paredes son curvas y desiguales. Este planteamiento extremo provocó el enfado de los barceloneses con las palabras "bicho" y "abejorro". Palabras como "maldición" se utilizan para describir su arquitectura.
La Sagrada Familia (Figura 7) es una obra inacabada. Edificio que Gaudí asumió desde 1884 hasta su muerte hoy. Casi todos los cambios de estilo arquitectónico realizados por Gaudí durante su vida se reflejan en esta iglesia inacabada. Una característica de su arquitectura es que no existen planos de ingeniería, ni presupuestos, ni planos de diseño.
La construcción no se hizo en absoluto como un proyecto, sino como una obra de arte, lo que fue muy arbitrario. Se animaba al artesano a realizar su trabajo de manera tosca, de modo que en muchos lugares tuvo que hacerlo él mismo. Este edificio, junto con la Mansión Güell y el Apartamento Mira descritos anteriormente, fue declarado Patrimonio Cultural de la Humanidad por la UNESCO en 1984, algo muy poco común en la historia de la arquitectura mundial.
En general, Gran Bretaña es la cuna de la Revolución Industrial. Fueron los primeros en afrontar la crisis provocada por la industrialización y cómo abordar la relación entre el arte y la industria, el arte y las personas, y el arte. y desarrollo social. Eligieron la reforma artística, por lo que surgió el Movimiento de Artes y Oficios. Después de la reforma, inevitablemente habrá muchas vacantes en el campo del arte (como se mencionó anteriormente). Por ejemplo, el Movimiento Británico de Artes y Oficios vio el surgimiento de maestros como Morris, Weber y Beardsley. Luego, Europa continental y Estados Unidos también enfrentaron una industrialización a gran escala. Sus objetivos y elecciones eran los mismos y todos aprendieron del Movimiento de Artes y Oficios. Reformar el arte y lanzar un nuevo movimiento artístico. Esta es también la razón por la que el movimiento Art Nouveau no produjo una respuesta fuerte en el Reino Unido, porque Gran Bretaña ya se había reformado y habían aparecido maestros Macintosh sólo como una figura de transición en la transición del Art Nouveau al movimiento modernista.
(1). Pionero del diseño moderno, Capítulo 2, página 25
(2).
(3). “Sentido de Orden”, Capítulo 2, Página 45
④ Mackail, op. cit., Volumen 1, Página 186. ⑤.The Collected Works of William Morris, Londres, 1915, xxiii, página 147
⑥.Mackail, op cit., volumen 2, página 99
⑦Ibid., p. Volumen 22, página 47.
⑧ Ibíd., p. 144; Volumen 1, página 305
⑨ Mario Amaya, "Arte Nuevo", Editorial Herbert, 1985. Médico tratante. Historia del diseño moderno en el mundo, Capítulo 3, página 71
Bibliografía:
Pioneros del diseño moderno: desde William Morris hasta Gropius, Nicholas Peff Escrito por Sina, traducido por Wang Shen y Wang Xiaojing, China Construction Industry Press, 2004.
"La fuente de la arquitectura y el diseño modernos", escrito por Nicholas Pevsner, traducido por Yin Lingyun, Universidad Fan Jingzhong, Librería Life·Reading·Knowledge Sanlian, 2001, Beijing, enero febrero.
"Arte europeo en el siglo XIX", Wu Gan, China Renmin University Press, 2004.
"Historia del diseño del mundo moderno" escrito por Wang Shouzhi, China Youth Publishing House, Beijing, septiembre de 2002, primera edición.
"Sense of Order", [inglés] Gombrich, traducido por Fan Jingzhong, Hunan Science and Technology Press, 1, 2000.