La historia y clasificación de la música improvisada.
Durante el Renacimiento, Italia comenzó a registrar algunas técnicas de improvisación. Además de saber improvisar el contrapunto, a veces los intérpretes incluso improvisan sin ninguna estructura preestablecida.
Durante el periodo barroco, los compositores comenzaron a instruir ornamentos e incluso a escribir las notas de los ornamentos en la partitura. Pero todavía hay mucha libertad a la hora de añadir adornos a la melodía. Al tocar un teclado u otro instrumento de acompañamiento, el intérprete suele seguir el bajo digital y agregar sus propias frases instantáneas. Los instrumentos melódicos tienden a agregar variaciones propias al tocar pasajes repetidos. Muchos músicos, como Johann Sebastian Bach, que tocaba el órgano, también eran famosos por sus fugas improvisadas.
En el período de la música clásica, muchos conciertos tenían pasajes coloridos que a menudo el compositor dejaba en blanco para que el solista los tocara solo. Como los coloridos pasajes del concierto para piano improvisado del propio Mozart. Tanto Mozart como Beethoven compitieron con otros intérpretes para improvisar. Pero al mismo tiempo, las marcas del compositor en la partitura se volvieron cada vez más cuidadosas y comenzó a agregar volumen, emoción y otras notas.
Durante la época de la música romántica todavía existían muchos compositores que también eran expertos en la improvisación. Por ejemplo, Liszt solía añadir nuevas ideas cuando actuaba en el salón. Pero a lo largo del desarrollo del siglo XIX, la división del trabajo entre compositores e intérpretes en el proceso de producción musical, junto con la vigorosa publicación de partituras, grabó partituras con cada vez más detalles. A veces, el compositor registraba el volumen y el timbre. , etc. de cada sonido. Se hacen finas marcas en el instrumento, lo que reduce en gran medida la libertad de improvisación del intérprete. Desde este período, los músicos clásicos han concedido gran importancia al aprendizaje de la lectura a primera vista de partituras, al tiempo que han reducido el aprendizaje de la improvisación. Pero en el ámbito de la ópera, a muchos cantantes todavía les gusta añadir sus propios pasajes coloridos.
Si bien la música artística floreció a finales del siglo XIX, gran parte de la música folclórica, como la música gitana de Europa del Este y España, e incluso la música gamelán de todo el mundo, como África Occidental o Java en Indonesia, Se mantuvo la tradición de la improvisación. A medida que los europeos comenzaron a tomar contacto con varias partes del mundo, comenzaron a ser influenciados por estas culturas musicales, lo que llevó al desarrollo del jazz y la música popular.
Compositores como Schoenberg aparecieron a principios del siglo XX. Utilizaban principios matemáticos como la serie dodecafónica para organizar la música. Se desaconseja la improvisación. Theodore Adorno, sociólogo y músico de la época, creía que la música popular y la música artística eran completamente opuestas y que la improvisación no tenía sentido. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XX comenzó a darse la tendencia contraria y surgieron algunos estilos que permitían a los jugadores jugar libremente. El más famoso es John Cage de los Estados Unidos. Usó notación de imágenes para darles a los artistas el espacio para actuar libremente. Les dio a los artistas una variedad de opciones a través de música casual o música experimental, e incluso consideró los sonidos del entorno y las voces. del público como parte de la música. En el siglo XXI, gran parte de la música artística está explorando activamente la posibilidad de la improvisación. A principios del siglo XX, en Estados Unidos, la música europea y los estilos de música negra comenzaron a combinarse para formar el jazz y el blues. Los cantantes de blues relacionan instantáneamente sus sentimientos sobre la vida con la letra y la melodía. El jazz a menudo toma prestada la melodía de blues, canciones populares, musicales y canciones pop de la época. Comienza con esta melodía como tema, pero luego cada músico interpreta sus propias habilidades de improvisación como solista. y finalmente terminar con Regreso al tema principal al final. Estas improvisaciones no son del todo arbitrarias; el músico suele determinar la melodía y el ritmo de la improvisación basándose en la estructura armónica de la pieza. Los músicos de jazz necesitan estudiar durante mucho tiempo y familiarizarse con las armonías y escalas del jazz para poder improvisar una variedad de música. Poco a poco, la improvisación se convirtió en la parte más importante del jazz.
La improvisación de los intérpretes y las respuestas instantáneas entre los músicos son más importantes que la melodía principal y se convierten en el principal motivo de agradecimiento del público. Los cantantes de jazz también son conocidos por su estilo de canto scat, que utiliza la voz humana para imitar instrumentos e improvisar melodías difíciles con una amplia gama de sonidos. En el proceso de desarrollo, el jazz comenzó a absorber la música moderna y otras músicas folclóricas de todo el mundo, formando los estilos de jazz modal y free jazz, rompiendo el modelo de improvisación basado en la estructura de acordes.
La invención de la tecnología de grabación condujo a la prosperidad de la industria discográfica y cambió la forma en que se difunde y aprecia la música. La publicación de partituras ha dejado de ser el principal medio de difusión musical. Nadie necesitaba necesariamente saber cómo grabar una partitura para interpretarla y grabarla, revolucionando el modelo dominado por los compositores del siglo XIX. La música pop comenzó a florecer. Sin embargo, la mayoría de las canciones populares ya no las escribe un solo compositor. Muchas veces, el compositor solo es responsable de la melodía, y otros son responsables del arreglo, o puede ser creado por los miembros de la banda a través de improvisación. No existe una distinción obvia entre composición e interpretación en la música tradicional china. Se han desenterrado varios instrumentos musicales y reliquias culturales de la dinastía Shang, pero no hay partitura musical. Gran parte de la música se transmitió de maestro a aprendiz a través de la comunicación oral. Las primeras partituras grabadas son la música guqin "Jieshi Diao" y "Youlan" grabadas por Liang Qiu Ming durante las dinastías del Sur y del Norte. Las partituras musicales de Guqin solo registran digitaciones, no tonos ni ritmos, lo que da a los intérpretes mucho espacio para la improvisación, de modo que músicos de diferentes géneros pueden interpretar interpretaciones completamente diferentes de la misma pieza musical. Agregar tu propia interpretación al tocar se llama reproducir música. A veces, parte de la música se adapta constantemente para formar música nueva. Por ejemplo, Plum Blossom Three Lanes tiene una versión antigua de flor de ciruelo y una versión nueva de flor de ciruelo.
Todos los conjuntos instrumentales tradicionales de China tienen elementos de improvisación. Incluso en los conjuntos instrumentales que comenzaron a desarrollarse a finales de la dinastía Qing y principios de la República de China, como Jiangnan Sizhu y la ópera cantonesa, cada intérprete puede sumar o restar algunos sonidos, e incluso varios sonidos decorativos. Estas técnicas se llaman resta y suma. Los métodos de notación de la música tradicional incluyen la notación Gongchi, la notación de caracteres folclóricos, la notación Sier, etc., que permiten al intérprete tener un cierto grado de libertad en el ritmo y la interpretación. En varias óperas locales como la Ópera de Pekín y la Ópera Cantonesa, especialmente los pasajes de la ópera Banqiang, los cantantes pueden cambiarlos según el tono de las palabras según la ópera tradicional Banqiang, la ópera tradicional Banqiang y la propia creatividad del cantante. se convierte en música, por lo que la melodía que canta cada cantante es diferente. Pero en algunos instrumentos de percusión, como los gongs y tambores de la Ópera de Pekín o la Ópera Cantonesa, los clásicos de gongs y tambores son sólo notaciones musicales para una fácil memoria. Los músicos memorizan varias frases de gong y batería a través de años de estudio e improvisan en el acto. Las canciones populares chinas en todo el mundo también conservan la tradición de transmisión oral y, hasta los tiempos modernos, cada vez más músicos han grabado esta música. Las orquestas étnicas modernas a gran escala suelen utilizar notación simple o notación de cinco líneas en un intento de aprender el modelo de la música clásica occidental, lo que reduce en gran medida la libertad de improvisación y pierde una característica importante de la música tradicional china. En la música folclórica de todo el mundo, la división del trabajo entre composición e interpretación no es tan obvia como en la música clásica occidental. En la música de tambores de África occidental, un músico suele dirigir el canto y otros músicos improvisan mediante preguntas y respuestas. En la música del norte de la India, los músicos improvisan basándose en algunos patrones melódicos.