¿Qué conocimiento histórico existe sobre los relieves?
El Renacimiento se refiere a un período histórico importante en la historia del desarrollo cultural y artístico de los países de Europa occidental y central desde el siglo XIV al XVI.
Es el segundo pico de la historia cultural europea después de las antiguas Grecia y Roma.
La intención original del Renacimiento fue el resurgimiento del arte y la literatura bajo la influencia de las normas clásicas.
La base de su cambio es el cuidado, el respeto y una cosmovisión centrada en las personas.
Esta cosmovisión se estableció en el siglo XIV mediante el redescubrimiento de la literatura y el arte antiguos por parte de una serie de científicos, pensadores y escritores.
En aquella época, la gente descubrió la importancia de la naturaleza y el valor del cuerpo humano a partir de documentos antiguos, lo que les permitió hacer una nueva valoración de las personas y de la naturaleza.
De hecho, el Renacimiento, como gran punto de inflexión en la historia europea, tiene un significado mucho más amplio.
El surgimiento del humanismo afirma que los seres humanos son los creadores o dueños de la vida. Exigieron que la literatura y el arte expresaran los pensamientos y sentimientos de las personas, que la ciencia beneficiara la vida, que la educación desarrollara la personalidad de las personas, que los pensamientos, los sentimientos y la sabiduría se liberaran de las cadenas de la autoridad divina y que se defendiera la libertad individual contra la dependencia personal.
El arte renacentista se desarrolló sobre esta base.
2. El Renacimiento temprano en Italia
En los primeros tres cuartos del siglo XV, los artistas italianos del Renacimiento temprano rompieron con las normas medievales y se basaron en la razón y el conocimiento científico para intentar abrirse. subir creación artística La nueva situación permite que imágenes y escenas vívidas se reflejen en obras de arte, convirtiéndola en un arte replicable.
En el campo de la pintura, exploraron e hicieron todo lo posible para que el plano bidimensional tuviera una sensación de espacio tridimensional y que las actividades de los personajes fueran tridimensionales, logrando así el efecto de ilusión perseguido. por los antiguos griegos y permitir que la gente considere el arte como una representación de la vida real como algo que se puede sentir, fundir y comprender.
Esta práctica se inició en Florencia y poco a poco se fue extendiendo por toda Italia.
Encarna el nuevo espíritu, se adapta a las exigencias de los tiempos y allana el camino para la llegada del apogeo del Renacimiento.
(1) Arte del Renacimiento temprano en Florencia
A través de las siguientes figuras y obras representativas, podemos ver las características del arte del Renacimiento temprano en Florencia:
Respuesta : Ghiberti
Ghiberti (1378-1455) es una figura que encarna la transición del arte gótico al arte renacentista.
Tiene talento y sus actividades creativas abarcan diferentes campos, pero sus mayores logros se encuentran en el campo de la escultura.
La obra representativa "Puertas del Paraíso" (1424-1452) es una escultura en relieve de bronce situada en la puerta del Baptisterio de Florencia.
Aprendiendo de las técnicas de pintura, se utilizan puntos elevados de diferentes alturas para dar forma fina a las formas y rostros de los personajes individuales; la perspectiva se utiliza para reproducir la posición de los personajes y la profundidad del entorno espacial.
Aún se conserva algo de hermoso estilo gótico internacional en el procesamiento de los movimientos de los personajes y los patrones de vestimenta.
b: Brunelleschi
Filippo Brunelleschi (1377-1446) hizo grandes contribuciones al ser pionero en nuevos caminos y nuevos estilos.
Es un hombre con muchos talentos. Inicialmente trabajó en esculturas y artesanías en oro y plata, y fue uno de los grandes representantes de la arquitectura renacentista.
Combinó creativamente formas arquitectónicas romanas antiguas con estructuras góticas.
La iglesia sobre el tambor se destaca claramente entre la multitud, solemne, ligera y elegante, con un fuerte atractivo visual.
Brunelleschi quería basar el diseño arquitectónico en la ciencia matemática y consideraba la proporción y la armonía como la esencia de la arquitectura clásica.
Utilizó el vocabulario de la arquitectura clásica para conseguir un efecto luminoso, sencillo, grácil y armonioso, dotando al edificio de una belleza racional.
Hizo inconmensurables aportaciones al desarrollo de la pintura.
Los resultados de su investigación sobre la perspectiva online proporcionan una base científica para la creación de nuevas pinturas.
Crear la ilusión de un espacio real con la ayuda de la perspectiva lineal fue la gran ambición y el logro sobresaliente de los pintores del Renacimiento italiano.
Director: Donatello
Donatello (1386-1466) fue la primera generación de artistas italianos del Renacimiento temprano y el escultor más destacado del siglo XV. Se puede decir que su admiración y referencia por el arte clásico son las mismas características de los artistas italianos durante el Renacimiento.
Donatello creó a lo largo de su vida un gran número de esculturas dinámicas, solemnes y tranquilas.
Obra representativa: "David" (hacia 1430-1432) es la primera obra que recupera la antigua tradición de las estatuas desnudas.
Donatello utilizó el método de composición correspondiente creado por los antiguos griegos para mostrar a la gente la imagen de un adolescente con proporciones y estructura precisas.
Este personaje bíblico ya no es un símbolo conceptual, sino una vida viva de carne y hueso.
La estatua de San Jorge (1415-1417) y la estatua ecuestre de Tamela (1445-1450).
Masaccio
Masaccio (Masaccio, ¿1401-1428?) fue una figura clave y con gran influencia en el desarrollo de la pintura renacentista.
En su creación, se deshizo por completo del estilo elegante y el significado decorativo de la pintura del gótico tardío, y antepuso la creación de imágenes reales y espacios reales.
Obra representativa: Paying Taxes (1425-1428) es un gran mural que representa temas religiosos (los murales eran un estilo de pintura muy popular en Italia en aquella época).
Diferentes personajes y diferentes escenas son todos realistas y llenos de volumen.
Las expresiones y movimientos de los personajes se describen desde la perspectiva de mostrar sus diferentes relaciones y estados psicológicos.
En aquellos edificios y entornos naturales que se ajustan a las leyes de la perspectiva lineal, los personajes están en sus lugares, como escenas reales de la vida.
Ninguna pintura gótica internacional enfatiza la disposición decorativa del cuadro, persiguiendo líneas gráciles y sombras de color. La figura regordeta puede resultar un poco incómoda, pero es real. El ritmo lineal de la forma refuerza la monumentalidad del mural.
Verdaderas y espectaculares, estas son las características del arte de Masaccio
Alberti
Leon Battista Alberti (1404-1472), un famoso humanista y el típico generalista conocedor . Concede gran importancia al papel de las matemáticas en las bellas artes.
Preocuparse por cuestiones teóricas y considerar el arte no como una pura habilidad sino como una manifestación de sabiduría era una actitud común entre los artistas del Renacimiento. Escribió obras sobre pintura, escultura y arquitectura, y sus diez libros de arquitectura publicados en 1485 tuvieron una influencia considerable en el desarrollo de la arquitectura renacentista.
La preferencia por las formas geométricas como cuadrados y círculos se puede decir que es una característica de esta época y también de su propio arte.
②Arte del Primer Renacimiento en otras zonas de Italia.
Florencia tiene un innegable papel importante en el desarrollo del Nuevo Arte, pero algunos artistas destacados también han surgido en otras ciudades del centro y norte de Italia, y también han contribuido a ampliar los logros y la influencia del Nuevo Arte. Arte. Un aporte enorme.
Francesca
Francesca (1416?-1492) es la figura más famosa dedicada a las actividades creativas en la ciudad del centro de Italia.
Este pintor explorador también concede gran importancia a la perspectiva y la utiliza como base de la pintura. Escribió "Perspectiva en la pintura" (1482).
En su serie de pinturas religiosas, las figuras geométricas permanecen tranquilas en entornos arquitectónicos y naturales que cumplen estrictamente con las leyes de la perspectiva, y los colores brillantes crean una atmósfera luminosa solemne.
Obras representativas: “La Leyenda de la Vera Cruz” (1452-1464), “La Flagelación de Cristo” (hacia 1456-57).
B: Giovanni Bellini.
Giovanni Bellini (ca. 1429-1516) fue el pintor más destacado de la Venecia del siglo XV.
Se puede decir que con él comenzó la famosa Escuela de pintura veneciana de la historia del arte.
A diferencia de los pintores florentinos que enfatizaban el modelado de líneas y el manejo de la composición, y a diferencia de Mantania, Giovanni Bellini era un pintor que sabía usar el color.
Obra representativa: El Éxtasis de San Francisco de Asís (hacia 1485) El paisaje ocupa la mayor parte del cuadro, todo está bañado por la luz del sol y los maravillosos colores parecen brillar.
El uso de paisajes naturales para realzar la atmósfera se convirtió más tarde en una de las características básicas de los pintores venecianos.
c: Mesina
Mesina (alrededor de 1430-1479).
Hizo una gran contribución al retrato. Los retratos del Renacimiento temprano se ven a menudo de perfil completo, pero cambió el tema a un perfil de tres cuartos para que la figura de la pintura mire fijamente al espectador. Esta forma más natural y amigable se convirtió más tarde en el modo más popular de pintar retratos.
Las obras de Messina tienen pinceladas suaves, colores brillantes y una concepción artística pacífica.
Obra representativa: Martirio de San Sebastián (hacia 1475-1477).
3. El arte renacentista italiano en su apogeo
El primer cuarto del siglo XVI en Italia fue un período de tensión política y guerra casi constante.
Fue durante esta etapa extremadamente turbulenta que se formó el floreciente arte renacentista.
Este es un concepto claro y noble, un gran y comedido arte, en definitiva, un clásico arte del equilibrio.
Tres destacados artistas del Renacimiento: los famosos artistas Leonardo da Vinci (1452-1519), Miguel Ángel (1475-1564) y Rafael (1483-).
Cada uno de ellos es un individualista destacado. Aunque hay chispas de inspiración entre ellos, nunca han formado un grupo.
Los tres lograron extraordinarios logros técnicos y una perfecta coordinación de corazón, ojos y manos.
El problema de los primeros artistas se solucionó sin mucho esfuerzo.
La forma artística de sus obras muestra siempre bellamente un contenido racional.
Durante el apogeo del Renacimiento, un grupo de artistas representados por Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael perfeccionaron aún más la exploración italiana del siglo XV, integrando razón y emoción, realidad e ideales a la perfección. unificados en la obra de arte, y la relación entre forma y espacio es altamente armoniosa, estableciendo así un estilo clásico para el arte replicable y brindando el mejor ejemplo a seguir para las generaciones futuras.
En el futuro desarrollo del arte occidental, siento su poderosa influencia todo el tiempo.
Ya sea que lo elogies o lo niegues, todo es porque eres consciente de su existencia.
A través de la introducción y las obras de estos artistas, podrás ver el apogeo del arte renacentista italiano.
(l): Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519) nació en la localidad de Leonardo da Vinci. Quizás nunca ha habido una persona tan completa como Leonardo da Vinci en la historia de la humanidad.
Increíblemente, se ha expandido a una amplia gama de campos y ha logrado un gran éxito.
El arte es sólo una de sus formas de entender el mundo. No le llevó todo su tiempo y energía, pero logró resultados sorprendentes en esta área.
La introducción del conocimiento de las ciencias naturales en las bellas artes fue una importante contribución de los italianos en el siglo XV. Leonardo da Vinci heredó esta tradición y la mejoró enormemente.
Obra representativa: "La Última Cena" (alrededor de 1495-1498) es famosa por su composición perfecta, forma y espacio armoniosos, rica descripción psicológica y profunda naturaleza humana, que muestra la belleza clásica.
"Mona Lisa" (c. 1503-1506) Leonardo da Vinci pasó varios años pintando este busto. La forma en que trató al empresario fue cruzar naturalmente las manos y girar el cuerpo y la cabeza hacia los lados en diversos grados, lo que no solo superó la monotonía sino que también pareció tranquilo.
La sonrisa misteriosa y de carne y hueso de Mona Lisa, junto con el fondo distante de las montañas y ríos de China, dejan un espacio ilimitado para la imaginación y permiten a las generaciones futuras hacer diferentes interpretaciones.
Este sentimiento, tan complejo y rico como la vida real, es una cualidad que caracteriza las mejores obras de la literatura y sienta el modelo de los retratos en busto para la posteridad.
(2): Miguel Ángel
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564), el mayor escultor de Occidente.
Si bien está comprometido con la comprensión de los logros de los antiguos, también está comprometido con la anatomía del cuerpo humano y el estudio de la estructura y el movimiento del cuerpo humano, lo que lo convierte en uno de los artistas que dan plena Juega con el poder expresivo del cuerpo humano.
A diferencia del arte de Leonardo da Vinci, que está lleno de profunda sabiduría, las obras de Miguel Ángel son conocidas por su poder e impulso, y tienen un magnífico espíritu heroico.
Quizás sea el artista más cercano al ámbito de Beethoven.
En sus esculturas y pinturas, las majestuosas imágenes de gigantes se destacan, e incluso las figuras femeninas que creó son valientes, como si fueran las míticas mujeres amazónicas.
Obra representativa: La estatua de David (1501-1504) es la obra maestra inmortal más familiar de la historia del arte, y también es la obra que demuestra más vívidamente las características del arte italiano durante el apogeo del el Renacimiento.
Al tallar la imagen de David en una piedra preciosa abandonada hace mucho tiempo, realmente realizó su ideal de liberar vida de la piedra, tallando este coloso heroico perfecto con una habilidad soberbia y una gran confianza.
(3) Rafael
Rafael Sanzio (1483-1520) siempre ha sido considerado la encarnación más perfecta del espíritu del arte clásico.
Ángel le llama dios de la pintura.
Rafael es el maestro que mejor se le da crear la imagen de la Virgen María en la historia del arte occidental.
Su serie de estatuas de la Virgen María unifican armoniosamente la belleza perceptiva y la belleza espiritual, transmitiendo así los mejores deseos y las emociones eternas de los seres humanos.
Fácil de abordar y amable son las mayores características de las obras de Rafael.
En sus obras el conocimiento profundo y la meticulosa deliberación se integran en el relajado mundo artístico compuesto de líneas suaves. Todo parece ser una expresión natural de la naturaleza y una voz natural.
Puras y hermosas, solemnes y naturales, brillantes y claras, armoniosas y concisas, estas cualidades más importantes del arte clásico se reflejan más vívidamente en Rafael.
Por eso los artistas que admiran la moda clásica lo consideran un modelo ideal. Tal como dijo Reynolds: Él mismo se convirtió en el modelo para todos los pintores posteriores.
Obra representativa: “El Hermoso Jardinero” (hacia 1606) Rafael utilizó líneas redondas y suaves para integrar armoniosamente las bellas imágenes de la Virgen, Jesús y San Juan, creando un mundo lleno de humanidad y bondad. El mundo de Dios.
Este mundo está alejado del espíritu de la Edad Media. Su encanto puro, claro, sencillo y natural se acerca más al espíritu de Grecia.
(4): Tiziano y el destacado representante de la Escuela Veneciana.
En el desarrollo del arte renacentista italiano, Florencia y Roma jugaron un papel muy importante. La mayoría de los artistas del siglo XV vivieron en estas dos ciudades.
Otras ciudades, como Venecia en el norte de Italia, alguna vez fueron centros de comercio entre Oriente y Occidente. Sus sistemas políticos y políticos, así como su atmósfera empresarial, hacen que su vida social esté llena de fuertes colores seculares y emociones alegres.
Bajo esta situación única, el arte veneciano también presenta una mirada única y diferente a Florencia y Roma.
Sus pinturas dan pleno juego al poder expresivo de los colores llenos de encanto sensual, muy diferente de las pinturas florentinas y romanas que enfatizan las líneas y los bocetos.
Respuesta: Tiziano
Tiziano (1488/90-1576) se convirtió en un maestro de la pintura veneciana con sus ricas creaciones a lo largo de su larga vida.
En la práctica, creó un estilo lleno de alegría, energía y grandeza.
Junto con Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael, se convirtió en el principal representante que simboliza los gloriosos logros del arte italiano durante el apogeo del Renacimiento.
La obra representativa "Cristo con corona de espinas" (hacia 1570), los pintores venecianos son famosos por su buen uso del color, y el principal factor que constituye el encanto de sus obras es el color.
Ésta es la diferencia entre los artistas florentinos y los artistas venecianos.
Esta diferencia a menudo permite a las generaciones posteriores de pintores al óleo obtener inspiración técnica de las obras de pintores venecianos como Tiziano.
La pintura al óleo, una forma que puede expresar la luz y el color, fue perfeccionada en Italia por Tiziano y otros.
En las obras de Tiziano de sus últimos años se ejercieron plenamente las características del lenguaje pictórico al óleo.
Al crear, utiliza trazos amplios y atrevidos para pintar diferentes colores, y los utiliza para dar forma a la forma y realzar el impulso.
Aquí no hay formas y líneas claras, ni la atmósfera brillante y alegre de sus trabajos anteriores.
La rica y solemne configuración cromática se ha convertido en un arma poderosa para expresar fuertes emociones trágicas.
En este cuadro que demuestra las magníficas habilidades de Tiziano para pintar al óleo, podemos ver el desarrollo y cambios de su espíritu y lenguaje.
(5) Artistas de otras regiones
A: Sarto
El verdadero nombre de Sato (1486-1530) era Andrea Dagna· De Frances.
Después de que los tres maestros del Renacimiento abandonaran Florencia, Sarto se convirtió en el pintor local más famoso.
Sato es un pintor al que se le da bien modelar y utilizar la luz. Sus magníficas habilidades le valieron el título de pintor consumado.
La obra representativa es el retablo “La Santísima Virgen de Habib” (1517).
La solemne composición clásica y la elegante imagen tienen las características del apogeo del arte renacentista, pero tienen diferentes significados en el tratamiento de la luz.
4. Arte manierista
Las numerosas y brillantes obras de arte creadas por Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael son el ejemplo perfecto.
A los ojos de las personas, son las encarnaciones más ideales y perfectas, y los artistas posteriores no pueden evitar sentir los cambios al enfrentarlos.
Algunos jóvenes artistas italianos se inspiraron en las creaciones de Miguel Ángel y Rafael y trataron de imitar y desarrollar sus estilos sin importar el espíritu inherente de las obras. Otros, más talentosos y ambiciosos, apuestan por cambios e innovaciones en el lenguaje formal y se centran en mostrar sus propias características en sus obras.
En general, sus creaciones se alejaron de los ideales y principios básicos del apogeo del arte renacentista, abandonando su estilo artístico natural, armonioso y sencillo.
Persiguieron un estilo con efectos visuales únicos y un fuerte sentido de la forma.
Las obras que producen tienen a menudo un sabor deliberadamente elaborado, frío y distante, y son bastante subjetivas e imaginativas.
Pero para personas con gustos únicos, resulta bastante atractivo.
Este fenómeno artístico se popularizó después del Renacimiento y antes de la época del Barroco. Los historiadores lo llaman arte manierista.
Los chinos también lo tradujeron al manierismo según las lenguas occidentales o arte artificial. .
Florencia es la cuna y centro más importante del arte manierista.
Bajo Sarto aparecieron Pontormo y Russell, los primeros representantes del manierismo.
(1) Pandormo
Pandormo (1494-1557), cuyo verdadero nombre es Jacob Carlucci, tiene un estilo personal distintivo y sus obras muestran más factores nuevos.
En la obra representativa "La Cruz de Cristo" (hacia 1526-1528), las figuras que llenan la imagen son casi planas en primer plano. Estas figuras suaves y de colores claros parecen flotar en el vacío, sin una sensación real de espacio como las nubes.
Carecen de volumen y peso, como finos recortes de papel.
Toda la imagen está llena de una sensación de ensueño y un significado poco realista.
(2) Russell
Inocente octavo Rosso Florentino (1495-1540) fue un pintor talentoso y único.
Russell trabajó en Francia por invitación del rey Francisco I, que amaba el arte italiano, dejando así el manierismo en Fontainebleau e influyendo en la cara del arte francés.
Aunque la obra representativa "La Cruz de Cristo" (1521) tiene el mismo tema que la obra maestra de Pandor Mo mencionada anteriormente, tienen sus propias características.
Cruces geométricas, escaleras y formas angulosas y contundentes forman un mundo pictórico estancado.
Todos los personajes de la imagen permanecen allí, como si hubieran sido encantados, dando a la gente una sensación extraña y aterradora, fortaleciendo así el significado trágico de la obra.
(3) Bronzino
El pintor florentino Angollo Bronzino (1503-1572) fue una figura representativa del apogeo del manierismo.
Desarrolló su propio estilo bajo la dirección de Pandor Mo.
Sus obras son famosas por su delicada pincelada, emociones frías y colores deslumbrantes.
Obra representativa: "Heleno La de Toledo y su hijo Giovanni de' Medici" (hacia 1550) es un perfecto ejemplo de su estilo pictórico.
El fondo azul oscuro resalta las figuras fijas con ropas preciosas. La dama está representada con mucha delicadeza e indiferencia, como una figura de porcelana, con un estilo fresco y elegante.
5. El arte renacentista fuera de Italia
El Renacimiento europeo se originó en Italia. Bajo su influencia, el Renacimiento también brotó en los países de Europa occidental.
Debido a diferencias en geografía, historia, tradiciones populares y otros factores, el arte en estos países está influenciado por la tradición del arte gótico medieval y tiene una fuerte atmósfera religiosa.
El espíritu del Renacimiento se refleja más en la descripción de las costumbres seculares.
Al mismo tiempo, en comparación con Italia, sus obras artísticas carecen del impulso majestuoso exclusivo del arte renacentista italiano, pero los Países Bajos, Alemania, Francia, España y otros departamentos han contribuido al desarrollo del arte renacentista europeo. . propia contribución.
(1) Arte renacentista holandés
La palabra Países Bajos significa tierra baja y las áreas a las que se refiere generalmente incluyen los Países Bajos, Bélgica, Luxemburgo y el noreste de Francia.
Las actividades artísticas holandesas estuvieron inicialmente estrechamente relacionadas con Francia.
En el siglo XIV d.C., muchos artistas de los Países Bajos fueron empleados por la corte francesa. No sólo trajeron el estilo artístico holandés a Francia, sino que también aceptaron la influencia del estilo artístico italiano popular en Francia.
Después de la Guerra de los Cien Años (1337-1453), la capital de Blantyre se trasladó a Flandes y el arte renacentista holandés comenzó a desarrollarse en el proceso de transformación y desarrollo del arte gótico tardío.
Flandes fue la principal zona de actividad de los artistas holandeses en el siglo XIV.
Allí decoraron iglesias, palacios y edificios municipales con pinturas y esculturas, pero la mayoría de estas obras fueron destruidas y quedan muy pocos restos.
A finales del siglo XIV, apareció en los Países Bajos el famoso escultor Slote (hacia 135/1360-1405).
Su vida y sus primeras actividades artísticas no pueden verificarse, pero la exquisita escultura "El pozo de Moisés" que creó para la Abadía de Dijon ha sido elogiada por las generaciones futuras por su magnífica capacidad de realismo.
El Pozo de Moisés fue escrito entre 1395-1403. Originalmente era la base de una enorme cruz, de forma hexagonal, decorada a cada lado con una estatua del profeta de tamaño gigantesco.
Entre ellos estaban Moisés, que guardaba los mandamientos, David, que era alto y majestuoso, e Isaías, que era calvo.
Estos personajes y estatuas tienen personalidades distintivas y técnicas artísticas simples y realistas.
Con su figura regordeta y fuerte y sus líneas suaves y elegantes, se convirtió en una obra maestra del arte escultórico holandés y tuvo una fuerte influencia en el arte de la pintura.
Los fundadores del arte renacentista holandés fueron los hermanos Van Eyck.
Su pintura "Retablo de Gante" (1415-1433) es una famosa obra representativa del arte del Renacimiento holandés temprano.
②Arte renacentista alemán
El arte renacentista alemán se originó en el siglo XV y quedó por detrás del arte italiano y holandés del mismo período.
Esto se debió principalmente a que Alemania todavía se encontraba en un estado de separatismo feudal en ese momento, el débil poder real no pudo brindar una protección fuerte a estas ciudades extremadamente dispersas, y el arte gótico todavía ocupaba una posición dominante.
De 1420 a 1540, se produjo el Renacimiento en Alemania y algunas ciudades económicamente desarrolladas se convirtieron en centros de escuelas de arte locales.
Las pinturas y esculturas del primer Renacimiento alemán estuvieron influenciadas por algunos factores del arte gótico tardío, y los retablos religiosos estuvieron más desarrollados.
En las iglesias solemnes se colocan retablos individuales o múltiples pintados sobre tablas de madera para añadir una atmósfera solemne.
Desde mediados del siglo XV, los artistas alemanes han mostrado preocupación por el entorno de vida de las personas y les gusta representar el entorno natural, enfatizando el realismo en el modelado de personajes.
El pintor KonradWitz (c. 1414-1446) es un representante en este sentido.
Su "Cristo caminando sobre el mar" (también conocido como "El milagro de la pesca") representa el paisaje real del lago de Constanza. Aunque es un tema religioso tradicional, la imagen es muy vívida y natural.
También hubo artistas famosos durante este período, como Martin Schöngol (1445/1450-1491), a quien se puede considerar el pionero del arte renacentista alemán.
Cabe decir que el logro más destacado del arte renacentista alemán fue el grabado, que tuvo un impacto positivo en el arte de toda Europa.
Entre los primeros pintores famosos, los grabados de Schengauer estuvieron a la vanguardia.
Su sucesor, el maestro renacentista alemán Durero, desarrolló y perfeccionó aún más los grabados.
El pintor más destacado de la segunda generación del Renacimiento alemán fue Han Solbein el Joven (hacia 1497-1543).
Estudió arte con su padre en sus primeros años y tuvo amplio contacto con humanistas.
El estilo artístico de Holbein se caracteriza por su tranquilidad y objetividad. Su gran número de retratos registran con precisión la apariencia y las características psicológicas de varios personajes del siglo XVI.
La estatua de Erasmo en el Louvre (c. 1523) es una obra maestra de su retrato.
El autor maneja cuidadosamente la relación entre la luz y la oscuridad en la imagen, centrándose en los rostros, las manos y los manuscritos de los personajes del cuadro, revelando el estilo de un sabio estudioso de las humanidades.
Los bocetos de Holbein también son excelentes, de trazo sencillo y perfecto. Aunque casi no hay sombras, puede expresar completamente el volumen y la textura.
A partir de 1532, el pintor se instaló en Londres y se convirtió en pintor de la corte del rey Enrique VIII de Inglaterra, contribuyendo al desarrollo de la pintura británica.
③Arte del Renacimiento francés
Después de la Guerra de los Cien Años, Francia recuperó los territorios ocupados por los británicos, formando una situación unificada y creando las condiciones para el desarrollo de la cultura nacional.
El Valle del Loira es la cuna de la arquitectura palaciega francesa.
El rey Carlos VIII de Francia, Luis XII de Francia y Francisco I construyeron allí un gran número de residencias nobles y cotos de caza.
Los más famosos son Chenon Suofu y el Palacio de Chambord.
Estos lujosos edificios son una combinación de nuevos estilos y antiguas tradiciones.
A partir de la década de 1930, artistas italianos llegaron a Francia para participar en la construcción de Fontainebleau, llevando la arquitectura renacentista francesa a una nueva etapa de desarrollo.
En 1530, el pintor manierista italiano Russell llegó a Fontainebleau para realizar trabajos de decoración.
Para adaptarse al gusto de la corte francesa, el estilo pictórico de Rosseau ha cambiado. El cuerpo humano sigue siendo alargado y el cuadro es particularmente delicado y hermoso.
Escultores y pintores locales, liderados por él y otros pintores manieristas italianos, decoraron el Palacio de Fontainebleau, formando poco a poco la Escuela de Fontainebleau.
Esta escuela creó un nuevo efecto decorativo que combinaba el alto relieve de yeso con la pintura, persiguiendo la elegancia y el encanto.
Tomemos como ejemplo la famosa Galería François I. Las figuras en alto relieve que rodean la pintura parecen saltar de la pared.
Además, los motivos decorativos que envuelven el marco a modo de cuero también fueron iniciados por ellos y posteriormente se hicieron muy populares en toda Europa.
La pintura y la escultura del Renacimiento francés comenzaron tarde.
Jane Fouquet (aproximadamente 1420-1477), famosa pintora francesa del siglo XV, fue el orgullo de la pintura francesa temprana y tuvo una gran influencia en el desarrollo posterior del arte francés.
Fouquet fue un artista polifacético. Sus obras incluyen óleos, superficies finas, esmaltes y algunos dibujos.
La Virgen y el Niño en "Las dos caras de Mullen" (hacia 1450) es su obra importante.
El retrato francés del siglo XVI ocupa una posición destacada, y entre los pintores famosos se encuentran Cloe y su hijo.
Jean Clouet (alrededor de 1485/90 - alrededor de 1540/41) fue un pintor de la corte y cortesano de Francisco I. Pintó a muchos dignatarios y celebridades de esa época.
La "Estatua de Francisco I" (hacia 1525-30) es su obra de mayor éxito.
Su hijo Francois Cloel (ca. 1510-1572) también fue un retratista popular en la corte. "Retrato de Isabel de Austria" (1571) es su mejor obra.
Se puede ver en las obras de Chloe y su hijo que son expertos en técnicas de pintura y buenos para capturar las expresiones y expresar las personalidades de los personajes, que es también la fortaleza de los retratistas franceses.
Los principales representantes de la escultura son Gu Rong y Pi Long (hacia 1525-1590).
La obra representativa de Gouron son los seis relieves "Diosa del agua en el bosque" (1549) que creó para el Festival de Primavera de París.
La obra está basada en la mitología griega antigua. Gujon representa la postura ligera del dios con habilidades exquisitas.
Los personajes están llenos de vitalidad, y aunque el espacio de la composición es pequeño, no hay sensación de moderación.
El manejo de las líneas de ropa por parte del escultor es muy natural y suave, mostrando perfectamente el encanto de las mujeres, y todo el relieve está lleno de un fresco sabor clásico.
④Arte del Renacimiento Español
El arte del Renacimiento español apareció por primera vez en Cataluña y Valencia.
En el siglo XV, los brotes del capitalismo aparecieron antes en estas dos regiones, y mantuvieron estrechos intercambios artísticos con Italia y Países Bajos.
Pero quien realmente representa la cima más alta del arte renacentista español es el famoso pintor El Greco (1541-1614).
Por ejemplo, la Sagrada Familia y el nacimiento de Cristo.
Greer fue un pintor controvertido. Utiliza el color y la luz como principales medios de expresión. Las figuras alargadas están nerviosas e inquietas, reflejando la mentalidad melancólica de la aristocracia en decadencia.
Su grandeza también reside en revelar las contradicciones sociales y comprender la crisis de España con la aguda visión de un filósofo.
El arte de El Greco no ha sido reconocido por los historiadores del arte desde hace mucho tiempo. No fue hasta principios de este siglo que la gente comenzó a reestudiar a este maestro, descubriendo cada vez más el encanto de su estilo pictórico único, y lo consideraron como el mayor representante del manierismo.