¿Cuál es el estilo de canto donde varias mujeres negras armonizan a tu lado?
SOUL, música soul, también conocida como música de Sol.
¿Qué es la música soul? Así se conocieron algunos músicos de sol famosos:
Otis Redding dijo: "No soy un cantante de blues, no soy un cantante de Rhythm and Blues, soy un cantante de sol. Entramos al estudio sin ninguna preparación y sin grabar lo que cantamos, este es Sol. Simplemente cantas como te sientes "
"A General History of American Popular Music" explica: Sol es. "Algo que realmente quieres decir. tu corazón... algo tangible en lo que piensas, que está en tu corazón, que ves, que sientes."
Asa Franklin dijo: "Es un hecho obvio que Sol proviene de canciones gospel y blues. Para mí, Sol es un sentimiento, un sentimiento profundo, viene de mi corazón, lo expreso". .. Es un sentimiento que afecta a otras personas a través de él." Milt Jackson (milt jackson) dijo: "Es una interpretación que no se puede obtener de libros o estudios. En mi caso, creo que lo que escuché y sentí. en la música de la iglesia... tuvo la influencia más poderosa en mi carrera musical "
Podemos ver de esto que Saúl enfatiza la libre expresión de los sentimientos internos y está relacionado con la religión negra. Por lo tanto, un crítico llegó a la siguiente conclusión: "Si combinamos las características del Rhythm and Blues y las canciones gospel, y permitimos que el músico utilice plenamente estos elementos libremente para expresar sus sentimientos internos, obviamente podemos acercarnos a no entender más". el elusivo término 'Sol'. "
"Una historia general de la música popular estadounidense" lo resume de manera más concisa: "Sol es ritmo y blues con el fervor religioso de las canciones gospel".
Por tanto, podemos sacar la conclusión de que Sol es una combinación de canciones gospel y ritmo y blues, y es el resultado de la secularización y popularidad de las canciones gospel, una forma de música religiosa.
Soul de ojos azules (música soul)
La música soul se refiere a la combinación de música soul y rap y el canto de músicos blancos. Apareció por primera vez a mediados de la década de 1960. Los hermanos justos cantaron "The Feeling of Losing Love" con percusión, que se convirtió en el símbolo de su debut. A finales de la década de 1960, la música soul comenzó a decaer y bandas como los Rascals, los Box Tops, Mitch Ryder, Tony Joe White y Roy Head sufrieron una serie de grandes éxitos. En la década de 1970, la música soul continuó desarrollándose y bandas como Hall & Oates, Rebert Palmer, Average White Band, Boz Scaggs y David Bowie avanzaron y modernizaron el estilo de interpretación.
Lista de bandas/artistas con este estilo:
culture club
david bowie
rod stewart
simplemente rojo
texas
Canciones evangelísticas
A finales del siglo XIX, con el surgimiento de la iglesia pentecostal (una de las sectas cristianas, compuesta principalmente de personas de las clases más bajas de la sociedad) También nació el auge de las canciones gospel (evangelio). Apareció aproximadamente al mismo tiempo que el ragtime y el jazz. La diferencia es que surgió de la liturgia de la iglesia negra y fue una parte integral de la liturgia, pero también se difundió a través de conciertos, radio y discos.
Existe también una especie de canto en la vida religiosa negra llamado “espiritual”. Las canciones espirituales se produjeron antes que las canciones gospel y fueron desarrolladas por esclavos negros en el sur de Estados Unidos bajo la influencia de himnos blancos a principios del siglo XIX. Los temas de los cantos espirituales están relacionados mayoritariamente con la muerte, la resurrección, la liberación y la esperanza.
Su difusión se basa principalmente en la transmisión oral. La melodía y la armonía son relativamente simples. El ritmo contiene muchas síncopas derivadas de canciones de trabajadores negros. Generalmente no hay acompañamiento instrumental. El canto suele ir acompañado de palmas y golpes de pies. Más tarde, las canciones espirituales se desarrollaron y evolucionaron lentamente hasta convertirse en canciones gospel a medida que el componente del jazz se volvió cada vez más importante.
Las letras de las canciones gospel están tomadas de la Biblia o de la experiencia de la vida negra, y en su mayoría son dialectos negros. Según los métodos de algunos pastores, narra la "verdad del evangelio" y trae "buenas noticias" a la gente, por eso se le llama "canción del evangelio". Cuando se cantan canciones gospel, las emociones son fuertes y la expresión es salvaje y libre, lo cual es muy diferente a cuando los blancos cantan canciones religiosas. Por eso, algunas personas dicen: "La religión de los negros no es acercarse a Dios a través de la meditación, sino a través de la danza física, los gritos catárticos y el altruismo en el éxtasis".
Hay muchas formas de cantar canciones gospel. , incluidos solistas, coros, dúos, cantos al unísono, etc., la mayoría de los cuales son rápidos, con muchos ritmos sincopados complejos, muchos ecos entre partes, intercalados con gritos, gemidos, lamentos y falsete, acompañados de palmas, patadas y otros bailes. Los movimientos proporcionan ritmo de contrapunto (Ejemplo 41). La película estadounidense "Sisters Are Crazy" utilizó una gran cantidad de canciones gospel como interludios en la película. Las primeras canciones gospel eran indispensables con acompañamiento de pandereta. Se añaden otros instrumentos como órgano, piano, guitarra, etc. En general, la estructura de las canciones gospel es relativamente simple, con muchas repeticiones de frases. Sin embargo, debido al juego libre impulsado por la emoción durante el canto, la melodía de. la canción a menudo aparece en dirección descendente. La cadencia se ha vuelto más compleja.
Desde 1977, los premios Grammy han agregado dos premios de canto: canción gospel tradicional y canción gospel moderna. Las mejores canciones de gospel ganaron tres premios para voz masculina, voz femenina y coro. Obviamente, las canciones de gospel han salido de la iglesia. Por lo tanto, las canciones de gospel se han vuelto más populares a través de diversas difusiones. ha entrado en la sociedad empresarial secular. Esto indica de manera invisible un resultado: la música de Sol está tomando forma gradualmente, por lo que la música de Sol es el resultado de la secularización y la popularidad de las canciones de gospel. >
Desde 1948, bajo la promoción de Atlantic Records, muchas canciones y cantantes de Sol han ido apareciendo gradualmente. A finales de la década de 1960, Sol se ha convertido en una variedad importante de música popular, representada por Ray Charles, Wilson Pickett. , Asa Franklin, Sam y Dave, y Joe Tex, Otis Redding, James Brown, etc. Lo siguiente se centra en los tres músicos de Sol más famosos, Ray Charles, Asa Franklin y James Brown
Ray. Ray Charles
Ray Charles, nacido en 1930, fue uno de los primeros cantantes de Sol. Quedó ciego debido a un glaucoma cuando tenía 6 años, y antes ya había comenzado a estudiar. Tocaba el piano y luego se convirtió. pianista y cantante Al hablar de su temprana influencia en la iglesia, dijo: "Iba a la iglesia todos los domingos, así que, naturalmente, estaba rodeado de música de la iglesia. El predicador predicaba unas pocas líneas y toda la iglesia cantaba lo que decía, completamente improvisado; en las primeras grabaciones de Ray Charles, improvisaba letras seculares en canciones gospel que conocía, a menudo junto con algunos elementos de jazz y blues.
A principios de la década de 1960, este tipo de música negra que combinaba secularidad con religión y un fuerte color emocional se llamaba a veces "funk". Al mismo tiempo, el término "Sol" se hizo cada vez más popular. Se utiliza cada vez más y su significado es casi el mismo que "funk". ("Funk" combina las características de las canciones gospel con los complejos ritmos compuestos de la música africana. Se caracteriza por improvisar fragmentos a modo de introducción basados en uno o dos acordes, repitiéndolos continuamente, extendiendo el tiempo y teniendo un fuerte ritmo sincopado; su tempo suele ser adecuado para la danza). En comparación con las canciones gospel, el ritmo del sol (o funk) se ha vuelto más fuerte, la banda ha agregado instrumentos electroacústicos y la estructura general de la forma es más fija.
Pero los Sol Singers siempre han mantenido total libertad de expresión en las canciones gospel: libertad de tono, timbre, ritmo y estructura.
Atha Franklin (aretha franklin)
Atha Franklin nació en Memphis en 1942 y se mudó a Detroit con su familia cuando tenía dos años. Su padre es pastor y su madre es cantante de gospel. Franklin creció en un ambiente de iglesia y comenzó a cantar en la iglesia a la edad de ocho años. A principios de la década de 1960, cantó canciones pop durante 6 años y grabó 4 álbumes, pero los resultados no fueron buenos. El productor de Atlantic Records, Jerry Wexler, había descubierto hacía tiempo que Franklin tenía raíces gospel y debía desarrollarse en la dirección de Saul. Entonces, en 1967, cuando expiró el contrato de Asa Franklin con Columbia Records (el sello con el que había firmado anteriormente), Wexler inmediatamente la contrató con Atlantic Records. El talento para el canto gospel de Asa Franklin, acumulado durante mucho tiempo, se reflejó de inmediato.
Si Atlantic Company se ha convertido en el sello agencia de Sol Music, entonces Asa Franklin es la primera estrella brillante de este sello. La audiencia principal de la mayoría de los cantantes de Sol sigue siendo negra, con quizás una incursión ocasional en el mercado blanco. Asa Franklin, por otro lado, no cambió el carácter de Saúl pero tuvo una gran audiencia tanto entre negros como blancos. Asa Franklin tenía un amplio rango vocal, a menudo moviéndose rápida y apasionadamente desde un contralto muy bajo hasta una soprano gospel que gritaba. No importa qué canción cante, ya sea una canción folclórica tradicional o una pieza de un compositor de Broadway, es toda suya.
James Brown (james brown)
Así como Asa Franklin es el representante de las cantantes femeninas de Sol, James Brown es el representante de los cantantes masculinos de Sol, pero los dos The Los estilos no son los mismos. Asa Franklin controla su tono y timbre con precisión y su voz es clara y poderosa. La voz de James Brown también era poderosa, pero áspera, chillona y directa.
James Brown nació en Augusta, Georgia, en 1933. A mediados de la década de 1950, formó un grupo de canto gospel, lo llamó "Famous Flames" y firmó un contrato con la compañía discográfica "King". A principios de la década de 1960, James Brown dirigió el "James Brown Song and Dance Troupe" de 40 miembros a una gira por el país. Fue durante este período que desarrolló su personalidad actoral única. Siempre cantó con todas sus fuerzas, combinadas con jadeos, gritos, lloriqueos, etc., y se hizo famoso como el "trabajador más duro" de la industria del entretenimiento. Al final de la actuación, su rostro estaba empapado de sudor y sus rodillas estaban dobladas, como si estuviera a punto de desmayarse en el escenario. En ese momento, alguien se acercó a ayudarlo, pero él se daba vuelta y seguía cantando desesperadamente. Varios idas y venidas sumergieron al público en una emoción loca. Su baile también es famoso y ha influido en las actuaciones de muchas personas, desde Michael Jagger (cantante de los "Rolling Stones") hasta Michael Jackson. Algunas personas también dicen: "Los comportamientos excéntricos y las escenas de baile de James Brown en presentaciones en vivo se han convertido en una parte importante de su arte".
A mediados de la década de 1960, el canto de James Brown se volvió más primitivo y tosco, enfatizando " gritar", pero la música se ha vuelto muy simple, a menudo basándose en dos o tres acordes y basándose en la repetición improvisada de patrones de sonido, la llamada técnica "repetida", para hacer que las emociones sean cálidas y emocionantes. 1967 fue el apogeo de James Brown, con aproximadamente 3 millones de personas asistiendo a sus conciertos y 50 millones de discos vendidos. De 1967 a 1972, la mayoría de sus composiciones ocuparon el número uno en las listas de R&B. Se convirtió en un símbolo negro con influencia global. A mediados de la década de 1970, el estilo de la escena de la música pop cambió y muchos negros bailaron disco. Desde entonces, los resultados de James Brown han sido "planos".
4. Motown Music
A mediados de la década de 1950, con la aparición del rock and roll, la música pop parecía tener un mercado unificado, aunque se diferenciaban otros aspectos de la sociedad, como la segregación. , seguían siendo muy graves.
Sin embargo, en la década de 1960, cuando la sociedad trabajaba para eliminar la segregación racial, la industria musical retrocedió hacia la segregación.
A principios de los años 60, los ídolos de los adolescentes, como la música surf, el folk rock, los Beatles, etc., eran todos blancos. Y Sol básicamente sólo es popular en el mercado negro. Los cantantes de sol rara vez eran blancos y la mayoría actuaba en clubes negros o en los guetos de las ciudades. Sus mejores canciones sólo podían clasificarse en las listas de ritmo y blues, con sólo avances ocasionales. En ese momento, una compañía discográfica intentó por todos los medios combinar la música negra de tendencia solista con la música pop para penetrar en el mercado blanco, haciéndola famosa no sólo en el Rhythm and Blues sino también en las listas de éxitos pop. Esta compañía discográfica se llamó "Motown" y logró un gran éxito, y Motown se convirtió en un estilo representativo de la música pop.
La música Sol de Motown tiene las mismas raíces que la música Sol real: canciones gospel y ritmo y blues. Sin embargo, debido a que Sol de Motown absorbió los elementos del pop, por un lado, tiene una audiencia más amplia y logró un mayor éxito comercial, por otro lado, se puede decir que ya no es el verdadero Sol;
La diferencia entre este y el Sol real es que no es un arte de improvisación y no hay espacio para el juego libre (esta puede ser la vitalidad de las canciones gospel originales y la música de Sol sí lo es). Este estado de expresión original y natural ya no se encuentra en el sonido de Motown. Al contrario, ha sido pulido, procesado y profesionalizado, y tanto las voces como la banda han sido diseñadas con precisión de antemano. A pesar de esto, fue un gran éxito comercial. Por tanto, la música de Motown es producto de la comercialización de la música de Sol.
Motown fue fundada por el productor discográfico y compositor Barry Gordy (Berry Gordy, nacido en 1929). Cuando Gordy era joven, creó un sello discográfico en su ciudad natal de Detroit para lanzar música de jazz, pero no tuvo éxito. En 1960, pidió prestados 700 yuanes y fundó la compañía discográfica "Motown" en la misma ciudad.
La palabra Motown proviene del apodo que tenía Detroit “motor town” (ciudad del motor). Gordy ya sabe lo que se necesita para alcanzar el éxito, confiando en su intuición musical y su pensamiento empresarial, así como en su experiencia pasada. Efectivamente, en menos de diez años, Motown lanzó muchos éxitos de "pop sol" y varios cantantes y bandas destacados. Ella misma ha crecido desde una pequeña escala hasta convertirse en la compañía discográfica más grande de Estados Unidos, propiedad y operada por negros, de modo que sus ventas de discos superaron a las de cualquier otra compañía en los Estados Unidos en la década de 1960.
El éxito de Gordy reside, en primer lugar, en contar con músicos talentosos. Los cantantes de Motown rara vez componen sus propias canciones. Gordy contrató a Smokey Robinson, Norman Whitfield y Lamont Dozier para componer y producir discos para Motown y los hermanos Holland (eddie holland y brian holland), etc. Bajo su cuidadosa producción, se lanzó con éxito un grupo de cantantes y grupos de canto. Incluyen el grupo de canto Miracles dirigido por Smokey Robinson, la cantante Mary Wells, el quinteto vocal masculino Temptations, el cantante masculino Marvin Gaye Gaye), el quinteto vocal femenino "Marvelettes", el cuarteto vocal masculino "Four Tops", "Diana Ross and the Supremes". grupo de canto, etc.
El éxito de Gordy también reside en su forma de operar. Mantuvo un estricto control sobre el producto de Motown según estilos musicales fijos.
Las canciones de Motown tienen técnicas de arreglos musicales relativamente complejas; utilizan acompañamiento de banda que incluye cuerdas; las letras rara vez contienen juegos de palabras o lenguaje negro, evitan temas importantes o controvertidos y describen principalmente historias románticas de adolescentes (1968 Habrá avances en el futuro).
Motown abandonó Detroit en 1971 y se trasladó a Los Ángeles (Sunset Strip). Continuó lanzando los "Jackson Five" (Jackson Five), "The Commodores" (The Commodores), obra de Stevie. de estrellas como Wonder y Diana Ross. Sin embargo, el estricto control de Gordy hizo que muchas personas no pudieran soportarlo y abandonaron Motown. En 1988, Motown finalmente se vendió a MCA Music Company.
Además de los cantantes y grupos antes mencionados que han alcanzado el éxito firmando con Motown, también están el trío femenino "Martha and the Vandellas" (Martha and the Vandellas), Terrell (Tammi Terrell) , Agua Jr, etc. A continuación se destacan Diana Ross y Stevie Wonder.
Diana Ross
Diana Ross nació en Detroit, Michigan, en 1944 y cantaba en la iglesia desde que era niña. En la escuela secundaria, formaron el trío vocal femenino "Primettes" con dos amigas. Después de graduarse, firmaron un contrato con Motown. Al principio, solo sirvieron como coristas de Wells, Marvin Gaye y otros, y luego cambiaron su nombre a. "Primettes". "The Supremes" (Supremes), antes de grabar de forma independiente.
La voz de Diana Ross es clara y discreta, lo cual es muy adecuado para el tema del amor adolescente expresado en "The Supremes". su voz tiene un "dulce" Saul ". En 1965, "The Supremes" realizó giras a nivel nacional y en el extranjero, pagando a veces honorarios de aparición de hasta 100.000 dólares. A medida que las actuaciones en solitario de Diana Ross se volvieron cada vez más prominentes, y con el apoyo de Gordy, Diana Ross Rose Dejó "The Supremes" en 1969 y comenzó una carrera en solitario. Al año siguiente ganó el premio Grammy a la Mejor Vocalista Femenina. En 1971 protagonizó la serie de televisión "Diana" y en 1972 filmó su primera película "Woman Sings the". Blues." ", interpretando a la protagonista, la famosa cantante de jazz Billie Holliday en la historia de Estados Unidos. En la década de 1970, también lanzó dos álbumes, "Diana Ross" (1976) y "Diana" (1980). (el tema principal de la película del mismo nombre), que cantó con Lionel Richie, se convirtió en una superestrella de la música pop. Encabezó las listas de éxitos durante nueve semanas. Ese mismo año, dejó Motown y firmó con RCA. /p>
Stevie Wonder
En 1950, Stevie Wonder nació como Steveland Morris en Saginaw, Michigan. Pronto, su familia se mudó a Detroit y cantó en la iglesia local. A los 10 años aprobó el "Presentado por los miembros de "The Miracles", vino a Motown para hacer una audición. Podía cantar, tocar el piano y la batería, y podía tocar casi todos los instrumentos que se podían encontrar en la grabación. Gordy apreció mucho su talento e inmediatamente firmó un contrato con él y lo reemplazó. Cambió su nombre a Little Stevie Wonder. Su cuarto sencillo "Fingertips, Part 2" (la parte 2 se basó en la segunda parte de una presentación en vivo) ganó. las listas de éxitos del pop en 1963. Champion.
"Fingertips" transmite los sentimientos del ciego sobre la vida a través del toque de sus dedos. Es una canción fuerte con características de una canción gospel, "The 12-year". "Viejo Genio" (como lo llamaban todos en ese momento) Él) cantaba solo y tocaba la armónica, combinado con una poderosa banda de fondo, que dejó una profunda impresión en muchas personas.
En la década de 1960, 16 de Las obras de Stevie Wonder entraron en el "Top 40", hay canciones auténticas de Saul y versiones de canciones de rock blanco.
En la década de 1970 su voz infantil había desaparecido y continuó ampliando sus conocimientos y teoría musical, centrándose en las técnicas de creación de sus obras, especialmente el uso de la armonía.
Desde entonces, Stevie Wonder ha lanzado una serie de álbumes con su propio estilo, todos ellos producidos de forma independiente por él. Para deshacerse del control de Motown, fundó su propia compañía discográfica en 1971 y llegó a un acuerdo con Gordy que se encargaba de la distribución y repartía las ganancias. En términos artísticos, Stevie Wonder tenía la última palabra. para Motown.
En el "Talking Book" (para ciegos) de 1972, dos canciones ganaron el primer lugar en las listas. Una fue "Superstition", que combinaba Sol y una combinación de dos estilos de rock psicodélico. La otra canción es "Eres el sol de mi amor" (Ejemplo 42), que tiene características ligeramente de jazz-rock. Las letras del álbum "Innervisions" (1973) y otras canciones tienen significados más sociales.
En los años 80, Stevie Wonder seguía tan glamuroso como siempre. Su canción "Acabo de llamar para decirte que te amo" ("Solo llamé para decirte que te amo") para la película "La dama de rojo" (1984) no solo ocupó el primer lugar en las listas, sino que también ganó el Oscar por Premio al Mejor Episodio de Película. De 1974 a 1984, Stevie Wonder ganó 15 premios Grammy, estableciendo un récord en la industria de la música pop estadounidense.
5. Otra música sol
En la década de 1970, la música sol continuó desarrollándose como toda la música pop en la década de 1970, también presentó una situación compleja y diversa. Además de los cantantes y grupos ya mencionados y de Michael Jackson que se mencionará más adelante, también está "Psychedelic Thor" de "Sly and the Stone Family"; "Earth, Wind and Fire" continúa el estilo Motown pero con música soul más sofisticada; el emergente "alma de ojos azules" en el Reino Unido.
Banda "Sly & the Family Stone" (Sly & the Family Stone)
Sly Stone (Sly Stone) nació en Dallas en 1944 y creció en la iglesia cantando canciones gospel. . Pronto su familia se mudó al Área de la Bahía de San Francisco, donde estudió trompeta, teoría musical y composición durante tres años en la universidad. En 1967, imitó a la comunidad hippie del Área de la Bahía y organizó un grupo musical que incluía a personas blancas y negras, tanto hombres como mujeres, "Sly & the Family Stone", *** 7 personas, incluidos la hermana y el hermano de Sly. él mismo canta, toca la guitarra y los teclados.
"Sly and the Stones" combina ritmos de rock y dance y líneas de bajo, además de instrumentos de viento, la guitarra más relajada comúnmente utilizada en el rock psicodélico y relacionada con las drogas. letras, se convirtieron en la primera banda en interpretar el llamado "Soul psicodélico". Cuando cantaban, a menudo eran interpretadas por dos o más personas como protagonistas, dos voces masculinas distintas yuxtapuestas con una voz femenina, creando una. efecto armonioso único
"Earth, Wind and Fire" Band
Musicalmente hablando, "Earth, Wind, and?" fueron una de las mejores bandas negras de la década de 1970. Fue formada en Los Ángeles en 1970 por Maurice White (nacido en Memphis en 1941). La banda tiene una formación numerosa, a menudo formada por ocho o nueve personas. La música de "Earth, Wind and Fire" combina complejas armonías de jazz y poderosos ritmos funk, por lo que más tarde se le llamó "jazz-funk".
En varios de sus álbumes de los años 1970 (como "Gratitude" 1975, "Spirit" 1976, etc.), se puede comprobar que el estilo de la banda va madurando poco a poco.
Canto suave, combinación perfecta de varias partes, a menudo usando falsete, el ritmo es similar al del rock, pero más rico que el de la música rock ordinaria, y la estrecha cooperación entre la batería, el bajo, la guitarra rítmica y los instrumentos de teclado es como una banda de jazz completa; juega con ritmos complejos y estilos diversos, incluyendo respuestas breves al estilo sol y expresiones libres, así como monólogos improvisados al estilo jazz. En la década de 1980, los álbumes importantes de "Earth, Wind and Fire" incluían "Raise" (1981), "Powerlight" (1982), etc.
Joe Cocker
Joe Cocker, nacido en mayo de 1944 en Sheffield, Inglaterra, es la figura representativa del británico "Blue Eyed Saul". Cook subió al escenario a la edad de 12 años y se unió a la banda de su hermano como baterista y armonicista. Influenciado por la música rock, el blues y Ray Charles, el canto de Cook ha establecido un estilo único.
Joe Cook trabajó una vez como petrolero y empaquetador para una editorial de revistas. En 1969, su álbum debut "Con un poco de ayuda de mis amigos" (con un poco de ayuda de mis amigos) lo convirtió en un éxito, y la canción principal del mismo nombre encabezó las listas británicas de una sola vez. En 1969, su segundo álbum le valió más honores y su canción "Delta Lady" fue aún más popular. Ese mismo año, Cook se embarcó en una gira por Estados Unidos. En los dos años siguientes, debido al cansancio extremo de actuar, grabar y a la adicción a los narcóticos, abandonó temporalmente los escenarios hasta que regresó en 1972. En 1982, el álbum "Sheffield Steel" fue uno de los álbumes más representativos de Cook, integrando canciones solistas, rock, narrativas y otros estilos.
Van Morrison (van morrison)
Van Morrison, nacido en Belfast, Irlanda, el 31 de agosto de 1945, es una figura representativa del Sol en Reino Unido. Sin embargo, el estilo musical de Van Morrison cubre una amplia gama de áreas, y el blues, el jazz, el country, el folk y la música sol se revelan en sus obras. Sol es sólo una parte de su estilo musical.
Debido a la influencia de sus padres (su madre era cantante de jazz), desarrolló un fuerte interés por el blues y el jazz a temprana edad. Dejó la escuela a los 15 años y comenzó a trabajar en la música. . En 1963 organizó la banda "Them" y lanzó dos álbumes. En 1969, lanzó su primer álbum en solitario, "Astral Weeks", en Warner Brothers. Posteriormente, "Moondance", lanzado en 1970, fue su álbum más importante, en el que combinó orgánicamente Rhythm and Blues y Jazz. En 1980, el álbum "Common One" tenía un fuerte sentimiento romántico rural. Desde 1990, Morrison ha lanzado un álbum casi todos los años. En 1995, se lanzó su álbum número 22 en solitario, "Days Like This". En 1996 grabó un álbum tributo a los pianistas de jazz Ben Sidran y Allison, Songs of Mose Allison: Tell Me Something) es un disco típico de jazz.
Van Morrison ha estado activo en la escena musical desde la década de 1960 y es considerado uno de los cantantes y compositores más llamativos de la escena de la música pop británica.
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