Ilustraciones elegantes-Notas manuales-Ilustraciones (Cómo dibujar lindas líneas divisorias)

Los trabajos gráficos con efectos 3D ahora son muy comunes y las formas de diseño realistas mantienen la atención de la audiencia. Especialmente el diseño de texto en 3D, la gente puede sentir la popularidad de esta tendencia. Las fuentes ilimitadas son una gran ventaja del diseño de texto 3D. Se puede leer en cualquier tipo de letra: negrita, serif, etc. Al mismo tiempo, el diseño 3D también se utiliza más en el diseño de logotipos, con el objetivo de aumentar la diversidad de texturas y expresiones de los logotipos.

2. Gris intenso/fotos cálidas

Cada tendencia tiene su contratendencia: los colores saturados y atrevidos que contrastan también promueven el regreso de los colores pastel retro. Estos colores nos transportan directamente a las máquinas cinematográficas de los años 70 y a las cintas de vídeo mate de los años 80. Cuando se agrega la cantidad adecuada de gris a cada color, estas fotografías tienen una atmósfera cálida y triste que los colores neón no pueden igualar.

Esta tendencia se ha vuelto bastante fácil de entender en China, concretamente los recientemente populares "colores Morandi" y "colores tradicionales chinos", que se extienden desde carteles de películas y series de televisión hasta otros diseños. Pero a diferencia del temperamento suave y triste de los colores Morandi, algunos colores tradicionales chinos muestran una belleza clásica tradicional digna y elegante al aumentar la escala de grises, por lo que son muy populares hoy en día, cuando el estilo nacional está aumentando gradualmente y volviéndose más popular.

3. Hermosas ilustraciones

Después de algunos años de que las ilustraciones de líneas gruesas fueran populares, recientemente hemos visto el surgimiento de ilustraciones más refinadas y elegantes. Fuertemente influenciado por plantas y elementos naturales, este estilo es muy femenino y evoca inocencia en el espectador. Este estilo juega un papel importante en el diseño de envases. Las bellas ilustraciones crean a menudo un contraste especial con el papel de regalo áspero. Con la ayuda de texturas avanzadas como el bronceado y el relieve, estas ilustraciones siempre pueden encontrar el equilibrio perfecto entre complejidad y minimalismo.

Las tendencias de diseño se actualizan cada año, pero básicamente son rastreables. Pero en cualquier caso, las tendencias sólo proporcionan una dirección general. Después de todo, cada vez hay contenidos más homogéneos en el campo del diseño. Cómo producir diseños diferenciados "siguiendo la tendencia" es en lo que más deben pensar los diseñadores.

Notas del Manual - Ilustraciones (Cómo dibujar lindas líneas divisorias) Un manual de una página suele incluir varios módulos, que se pueden dividir por espacios, líneas simples o ilustraciones para facilitar una gestión unificada. Mapear y diagramar puede ser más complejo. Este artículo comienza con la línea divisoria más simple.

La línea divisoria más sencilla, la longitud adecuada no es especialmente larga. El método de dibujo es muy sencillo: dibuja dos líneas onduladas que no sean muy rugosas, marca un punto o un pequeño corazón en el vértice (puedes jugar libremente) y añade un pequeño adorno en el medio.

Método línea recta más suspensión. Pintura: Toma una línea recta como cuerpo principal e imagínala como un avión con varios materiales colgando desde abajo. Materiales comunes: lámparas, banderas, plantas.

Las características de este tipo son que las ondas son muy especiales y los diversos iconos de amor rizados te permiten caminar por los nobles jardines de la Europa medieval y ver "Romeo y Julieta besándome" de Shakespeare.

El método de dibujo es muy sencillo, simplemente cambia todas las líneas rectas de la primera parte por ondas.

¿Cómo puedo conseguir un bolígrafo ligero y elegante de estilo pastoral europeo? ¡Píntalo!

Cuando practico hasta cierto nivel, puedo desafiar los estilos anteriores. Le puse un nombre: ¡Princesa de la Pared! ¿No es particularmente romántico? Jajajajajaja. Recordé un drama popular hace un tiempo, olvidé el nombre exacto, pero era más o menos similar a The Princess Diaries. Apuesto 100 centavos a que la heroína de la obra debe utilizar este tipo de diario.

Este tipo es más difícil que el primer tipo, pero no importa lo difícil que sea, todavía está en el nivel de la clase de arte de los estudiantes de primaria. Podemos arremangarnos y mojar los dedos de los pies en la tinta.

La marca de agua en la imagen de arriba debería ser obra de un ilustrador de Weibo. Sugiero a todos los que estén interesados ​​que lean más. Estas pinturas son muy buenas.

La composición irregular y el apego emocional al paisaje se dividen con la ayuda de la propia forma de la ilustración. ¡Dueño!

Ilustraciones de moda: el "diablo de la moda" de 500 años Las ilustraciones de moda existen desde hace casi 500 años. Ahora que se ha producido la ropa, el concepto o la imagen del diseño de la ropa debe transformarse en ilustraciones de moda. Esta forma visual tiene su origen en la ilustración, el dibujo y la pintura y también se conoce como "dibujo de moda".

Los diseñadores de vestuario utilizan principalmente "bocetos de vestuario" para intercambiar ideas en papel o digitalmente. Su función principal en diseño es previsualizar y visualizar el resultado final antes de coser la prenda real.

A continuación, echemos un vistazo al proceso de desarrollo histórico de la ilustración de moda, un “diablo de la moda” con una historia de 500 años.

1. El comienzo de la ilustración de moda

La ilustración de moda comenzó en el siglo XVI, cuando la exploración y el descubrimiento global llevaron a una fascinación por la ropa de personas de todo el mundo. Se imprimieron libros que explicaban lo que era apropiado para las diferentes clases sociales y culturas para ayudar a combatir el miedo al cambio y el malestar social causado por estos descubrimientos.

Entre 1520 y 1610, se publicaron más de 200 grabados, aguafuertes o xilografías de este tipo, incluidos paneles de personas vestidas como una nación o casta concreta. Estas fueron las primeras ilustraciones de ropa y los prototipos de las ilustraciones de moda modernas. Estas ilustraciones probablemente fueron utilizadas por diseñadores de moda, sastres y sus clientes para inspirar nuevos diseños.

Los artistas del siglo XVII Jacques Callot y Abraham Bosse utilizaron técnicas modernas de grabado para crear trajes realistas y detalles de época.

Estas publicaciones periódicas, publicadas en Francia e Inglaterra a partir de la década de 1670 y consideradas las primeras revistas de moda, incluyen Lemecure Gallant, The Lady's Magazine, Lagallerie des Modes, Lecabinet des Modes y Le Journal des Dameset des Modes. Durante este período, el número de publicaciones periódicas aumentó, en respuesta a un público femenino cada vez más ávido de las últimas novedades de moda del mercado. No fue hasta finales de 2018 y principios de 2019 que las ilustraciones de estilo masculino cobraron tanta importancia como las ilustraciones femeninas.

2. El plato de moda en el siglo XIX

El plato de moda apareció por primera vez a finales del siglo XVIII y se hizo popular en París. Durante este período, saltaron a la fama publicaciones como "Incroyable set Merveilleuses" de Horace Venet y una serie de pinturas de moda en acuarela de Georges-Jacques Gatine grabadas durante el reinado de Napoleón I.

La posición de Francia como árbitro de la moda garantiza una demanda continua de ilustraciones de moda en el país y en el extranjero. Este interés y el acceso cada vez más generalizado a la ropa de moda dieron lugar a más de 150 publicaciones periódicas de moda en el siglo XIX. Estas ilustraciones de moda muy detalladas capturan información sobre las tendencias de la moda y brindan pautas generales de vestimenta.

Fue también en esta etapa cuando apareció la alta costura (en 1860). Las empresas de moda contratan ilustradores que trabajarán directamente con diseñadores de ropa femenina. Mientras el diseñador cubría con la tela un maniquí viviente, el ilustrador esbozaba el nuevo diseño. También crearán ilustraciones para cada diseño de la colección completa, que luego podrán enviar a los clientes.

A finales de 2019, la impresión manual en color fue sustituida por la impresión a todo color. Los patrones de moda comenzaron a utilizar dos figuras, una de las cuales se podía ver desde atrás o de lado, lo que permitía ver la prenda desde más ángulos, facilitando la copia. El objetivo de los ilustradores del siglo XIX era la precisión y el detalle. Siguen convenciones de imágenes estáticas para proporcionar información y orientación completas al espectador.

Tres. Revistas de moda e ilustraciones en el siglo XX

Las primeras décadas del siglo XX vieron el primer florecimiento de la ilustración de moda en el sentido moderno. Trabajar como ilustrador de moda se ha convertido en una carrera a medida que el lanzamiento de los últimos estilos de moda se vuelve cada vez más lucrativo. La moda alguna vez fue obra de un artista, pero ahora se está convirtiendo en una industria, que produce nuevas mercancías en cantidades sin precedentes para llenar los estantes de los grandes almacenes. Estas tiendas crearon un nuevo pasatiempo: la cultura de las compras.

Publicada entre 1912 y 1925, la revista francesa de lujo Gazette reunió a un grupo de jóvenes artistas que tenían una libertad sin precedentes a la hora de interpretar la moda.

Iribe es una figura destacada entre estos ilustradores de moda y colabora con prestigiosas publicaciones como Charles Martin, Eduardo García Benito, George Barbier, Georges Lepape y Umberto Brunelleschi. Las impresiones que produjeron para la Gazette mostraron la influencia de las xilografías japonesas y los nuevos cambios en el estilo Art Déco.

En Estados Unidos, las revistas de moda para el mercado masivo Vogue y Harper's Bazaar cubren ocasiones sociales y tendencias de la moda contemporánea. Harper's Bazaar firmó un contrato exclusivo con Walter, que duró desde 1915 hasta 1938, lo que lo convierte en uno de los contratos más largos en la historia editorial.

Desde 1910 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, la portada de la revista "Vogue" siempre ha estado llena de imágenes y textos. Las primeras portadas de Vogue presentaban obras de arte de los ilustradores estadounidenses Helen Dryden, George Wolf Plank, Georges Lepape y F.X Leyendecker.

Después de la Primera Guerra Mundial, se unieron artistas europeos, entre ellos Eduardo Benito, Charles Martin, Pierre Brissaud y André Marty.

4. La edad de oro de la ilustración de moda

El período comprendido entre los años 1920 y 1930 representa la "edad de oro" de la ilustración de moda. Todo artista comercial es considerado un artista elegante y un dibujante consumado. Mucha gente puede utilizar la autoridad y la creencia para representar la textura, el brillo e incluso el peso de una tela.

Con el desarrollo de las nuevas tecnologías en fotografía e impresión, las reproducciones de fotografías se colocaron directamente en las páginas de las revistas, lo que significó que los patrones de moda dejaron de ser representativos de la vida moderna. A principios de la década de 1930, las fotografías comenzaron a convertirse en la primera opción para las revistas. La revista Vogue informó en 1936 que las portadas fotográficas se vendían mejor y se empezaron a incluir ilustraciones en las páginas interiores.

Con la recesión económica tras la caída del mercado de valores de 1929, la industria de la moda estadounidense se volvió menos dependiente de la moda parisina. Durante el período de entreguerras, la fabricación de prendas de vestir en Estados Unidos logró enormes avances, mejorando los métodos de producción en masa y estandarizando las tallas. Las mujeres de clase media podían confiar en sastres expertos para comprar los últimos diseños de moda a precios asequibles, mientras que revistas como Vogue y Women's Journal publicaban patrones que eran invaluables para los sastres caseros.

El objetivo principal de la revista Vogue es mostrar la moda a sus lectores tanto como sea posible. La fotografía liberó a los ilustradores de la necesidad de una documentación precisa de la ropa y favoreció las interpretaciones de la ropa de moda. Según el editor de la revista, "los artistas estaban interesados ​​principalmente en obtener imágenes y efectos decorativos interesantes. Estaban cansados ​​de informar fielmente sobre el espíritu de la moda contemporánea, por lo que se aburrían".

Dior El "nuevo" Look" de finales de los años 1940 sirvió de inspiración para el resurgimiento de la moda de la posguerra. En muchos sentidos, es un estilo retrospectivo, que se remonta al pasado en lugar de mirar hacia el futuro, pero también simboliza un regreso a una era más alegre y optimista.

verbo (abreviatura de verbo) La destrucción y resurgimiento de la ilustración de moda

En la década de 1950, los editores de moda gastaban mayores presupuestos en la edición y distribución de fotografías. La posterior promoción de los fotógrafos de moda al estatus de celebridades significó que los ilustradores tenían que contentarse con trabajar en ropa interior y accesorios o en campañas publicitarias.

Durante la década de 1960, la ilustración de moda siguió perdiendo su lugar en la edición de revistas, tendencia que se reflejó en la nueva categoría de revistas juveniles. Muchas de estas revistas se publicaron en la década de 1960 y todas utilizaban la ilustración como una alternativa barata a la fotografía.

Antonio López fue el único artista que apareció regularmente en Vogue durante este período, y su carrera comenzó en Women's Wear Daily.

En la segunda mitad del siglo XX, la ilustración de moda tuvo dificultades para sobrevivir, y no fue hasta los años 80 cuando empezó a resurgir. Una nueva generación de artistas publicó en revistas como Lamoden Peinture (1982), Condenast's Vanity (1981), VisionAire (191). Este resurgimiento se atribuyó a las campañas publicitarias, en particular a la campaña publicitaria de Barney en Nueva York de 1993 a 1996.

6. La ilustración de moda hoy

En algún lugar entre las bellas artes y el arte comercial, la ilustración de moda ha sido recientemente reevaluada como un género importante. Debido a que la belleza y la elegancia han quedado obsoletas en el mundo de la moda y el arte, la ilustración de moda a veces parece ser un retroceso a una época anterior.

La fotografía es muy buena para registrar información detallada sobre la ropa, por lo que el foco del ilustrador ya no está en la representación precisa de la ropa, sino en explicar la ropa y sus posibles usuarios. A finales del siglo XX y principios del XX, desarrolló una serie de estilos artísticos únicos, apoyados en herramientas digitales y plataformas de redes sociales. Desde 65438 hasta 0990, ilustradores pioneros como Edtswaki, Graham Rounthwaite, Jason Brooks y Kristian Russell comenzaron a ascender en el campo de los gráficos por computadora.

Este período vio el surgimiento de los programas de diseño por computadora Adobe Photoshop e Illustrator, así como el resurgimiento de las formas tradicionales de ilustración de moda basadas en el arte. La Escuela de Diseño Parsons y la Escuela FIT de Nueva York comenzaron a ofrecer la ilustración como elemento especial en sus cursos de moda. La ilustración "tradicional" hecha a mano ha experimentado un renacimiento, y los ilustradores de moda a menudo recurren a maestros del pasado en busca de inspiración de estilo. Ilustraciones elegantes basadas en métodos clásicos complementan con éxito las creadas con métodos más modernos.

Las ilustraciones se han vuelto populares recientemente gracias a colaboraciones entre diseñadores de moda e ilustradores. Con el uso de las redes sociales, los ilustradores de moda han comenzado a atraer la atención de la gente. Las elegantes ilustraciones están llenas de colores vibrantes, patrones complejos y una personalidad infinita que dejan una impresión duradera.

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