Habilidades para escribir ensayos
Las habilidades de escritura son los métodos utilizados en la escritura y son medios artísticos eficaces utilizados por los autores para expresar sus sentimientos. Las habilidades de escritura están limitadas por la visión del mundo y la perspectiva artística del autor y, al mismo tiempo, afectan la práctica de escritura del autor y sirven a las actividades de escritura del autor. El siguiente es el contenido relacionado con las habilidades de redacción de ensayos que he recopilado para usted. Es solo como referencia, espero que le resulte útil.
Antes de componer una canción, primero debes determinar cuántas secciones tiene la canción (primera sección, segunda sección, tercera sección son más comunes).
Usa acordes para crear música añadiendo transiciones. Lo adecuado es escribir primero la armonía y luego añadir la melodía. La melodía de este tipo de música es muy armoniosa con los acordes del acompañamiento, y la direccionalidad de la melodía y la armonía también es obvia, pero la duración es generalmente corta.
1. Utiliza escalas naturales puras para componer música. Es más adecuado para escribir melodías largas. Escribe primero la melodía y luego la armonía. Por ejemplo: escala diatónica mayor: 1 2 3 4 5 6 7 escala diatónica menor: 6 7 1 2 3 4 5.
2. Utilizar diversas escalas características para componer música. Dentro de la melodía diatónica de tu composición, puedes improvisar una o varias variaciones.
3. Utilizar las características de escala de diversos instrumentos musicales para componer música. Por ejemplo, el instrumento musical Hulusi de Yunnan tiene solo una octava más una nota, por lo que también se debe considerar el rango de este instrumento al componer.
4. Imitar la forma de hablar y componer música. En otras palabras, cuando lees la letra, los altibajos de la letra, los altibajos de la melodía y los altibajos de la pronunciación de los caracteres chinos son todos consistentes. ¡Es como cantar y hablar! Compuesto según los cuatro tonos del Pinyin chino. Estos se aplican primero a la letra y luego a la música.
5. Utilizar módulos de escala para componer música. Es decir, las melodías compuestas de escalas siguen las mismas reglas y patrones, moviéndose hacia arriba o hacia abajo, es decir, ¡la melodía posterior imita la melodía anterior!
6. Cuando compongo, a menudo reutilizo algunas melodías, para que las canciones sean pegadizas cuando se canten y sea fácil para la gente recordar la melodía de la canción de inmediato. Estas canciones suelen ser muy bonitas. Por ejemplo, el clímax de muchas canciones, que es el coro, ¡a menudo se utiliza repetidamente!
7. Realizar distintos desarrollos en torno a un tema musical, un sonido o una melodía breve. Me refiero al tema de la música, que es el motivo melódico principal que tienes cuando compones la música, y que puedes seguir desarrollándolo suavemente de forma envolvente.
8. Con una nota como centro, haz una escala hacia arriba, y luego haz una escala hacia abajo a la misma distancia. Por supuesto, el orden se puede intercambiar. Escritas en el pentagrama, se puede ver que estas notas fluctúan hacia arriba y hacia abajo con esta nota como eje de simetría, al igual que el reflejo en el lago, completamente simétrico hacia arriba y hacia abajo. Este tipo de música suena más concentrada y no se siente dispersa.
9. Cuando estudiamos la poesía antigua en el pasado, existía un método retórico llamado dedal. Al igual que Idiom Solitaire, un juego que jugamos a menudo, el primer carácter de la siguiente palabra es el último carácter de la primera.
10. Si te gusta tocar la guitarra, ¡puedes inspirarte en los métodos de improvisación de guitarra! ¡Por supuesto que también puede ser un solo improvisado con algún otro instrumento!
11. Buscar inspiración en otras obras musicales existentes de diversos estilos. Tales como: Ópera de Pekín, Errenzhuan del noreste, etc. ¡Aprende las escalas y melodías que necesitas de ellos!
12. Colecciona tus canciones favoritas u otros maravillosos clips musicales. Reemplazar estas partes de esencia y combinarlas es tomar la esencia y convertirla en tu propia música.
13. Graba las obras que escribes cuando te surge la inspiración, revísalas constantemente y luego selecciona las partes que más te satisfagan y añade sonidos decorativos, sonidos suaves, legato, silencios, etc. A la música al final.
14. Intenta practicar tu trabajo en diferentes estados de ánimo y emociones, ¡tu trabajo definitivamente tendrá una sensación diferente! Dependiendo de los cambios de humor, se pueden producir composiciones con modulaciones.
15. El estilo de la letra debe ser coherente con el estilo de la canción, es decir, la relación correspondiente entre la canción y la letra.
Extensión:
Teoría básica de la composición
La primera es la acústica
La acústica es el estudio de los efectos y reglas de múltiples sonidos. producido al mismo tiempo. Si se compara la melodía con los "huesos", la armonía es la "carne". Sólo con armonía el sonido puede volverse pleno, armonioso y hermoso. La armonía y la acústica son muy importantes y son la base de toda teoría musical. Muchos músicos han hecho contribuciones destacadas a la armonía y la acústica. Sin embargo, la armonía no es fácil de aprender debido a su gran contenido y numerosas reglas.
El profesor de la novela "No tienes elección" ("La oposición funciona en la nueva era" de Liu Sola) afirma que no ha estudiado bien en ocho años, lo que demuestra lo difícil que es. Pero dominar los conceptos básicos de la armonía es muy beneficioso y vale la pena intentarlo. A continuación se muestra una breve introducción a algunos conceptos y terminología básicos importantes.
(1) Tríada
El acorde formado por la superposición de la nota fundamental, la tercera nota superior y la quinta nota superior se llama tríada. Las tríadas son los acordes más básicos que componen la función de acorde y son los más utilizados. Las tríadas se dividen en "tríada mayor", "tríada menor" y "tríada disminuida" (una sola) según su estructura. Según su función, se puede dividir en "acordes principales" (tríadas con la nota principal como nota fundamental), "acordes subordinados" (tríadas de notas subordinadas) y "acordes subordinados" (tríadas de notas subordinadas). Además, cada tríada tiene dos acordes transpuestos. Los tres acordes de sujeto, dominante y subordinado se denominan "tríadas positivas", y los otros cuatro se denominan "tríadas auxiliares". Estas cuatro tríadas menores pertenecen al grupo de "funciones subordinadas" y al grupo de "funciones subordinadas" respectivamente. Ahora bien, todas las tríadas en fundamental formadas por las siete notas de la escala diatónica se clasifican de la siguiente manera:
Símbolos de categoría de función fundamental
1 acorde mayor en T (o i)
p>2 El segundo acorde (categoría subordinada) menor sⅱ
3 El tercer acorde (dominante) menor Dⅲ
4 El acorde subordinado primario S (o ⅳ)
5 acorde mayor dominante D (o ⅴ)
6 acorde de 6° grado (subordinado) menor S ⅵ
7 acorde de 7° (dominante) tercera disminuida D ⅶ
A excepción de la tríada disminuida dⅶ, las otras seis tríadas son todas consonantes.
Acorde de séptima, acorde de novena, acorde variable
Los acordes formados superponiendo la tercera nota (la séptima nota de la fundamental) sobre el tercer acorde es el acorde de séptima. El séptimo acorde es disonante. El acorde de séptima más utilizado es el "acorde de séptima" (un acorde de séptima compuesto de acordes de séptima). Con frecuencia se encuentran acordes mayores y acordes de séptima negativos. Si agrega una tercera nota al acorde de séptima (la novena nota desde la raíz), se convierte en un acorde de novena. Los acordes de novena también son acordes disonantes. Si un acorde no es la nota fundamental pero se cambia a otra nota sin seguir las reglas originales, entonces el acorde se denomina "acorde variable". Los acordes de novena y los acordes modificados tienen funciones y colores especiales y son difíciles de entender, por lo que rara vez se utilizan. Básicamente no aparecerá en obras simples.
(3) Parte de armonía
La armonía se compone generalmente de cuatro partes: agudos, alto, tenor y bajo. En una partitura de armonía, los agudos están en la parte superior, los graves en la parte inferior y el alto y el tenor están en ella. Por lo tanto, las partes de agudos y bajos a menudo se denominan "parte de sonido exterior", y las partes de rango medio y tenor se denominan "parte de sonido interior". La parte de agudos suele ser la parte melódica principal; las dos voces interiores se utilizan principalmente para configurar la armonía, que a menudo se denomina "voz de relleno". En el proceso de conexión armoniosa, el interior debe ser pleno y estable, y no se debe permitir que ninguna parte se cruce. El bajo es siempre la nota más baja de la armonía y determina la nota fundamental, por lo que no sólo juega un papel básico, sino que también dirige la dirección de la armonía, lo cual es muy importante. La escritura de "cuatro armonías" es una de las técnicas de composición importantes, no importa cuán grande o pequeña sea la obra, debe comenzar desde aquí (una vez determinada la melodía principal, debe comenzar la escritura de armonías). La orquestación encarna la textura armónica. (Debido a que diferentes instrumentos pertenecen a diferentes partes, la partitura se puede escribir según la parte de armonía, o se puede agrupar según el instrumento, como la parte de cuerdas, la parte de metales, la parte de instrumentos de viento...) Diferentes compositores Los estilos de armonía son diferentes: majestuosos, ricos y generosos, o claros y transparentes. Por ejemplo, las obras de Wagner son famosas por su majestuoso poder.
(4) Progreso, conexión y “reconciliación” de la armonía
La armonía debe transformarse, cambiar y suspenderse constantemente en el proceso de la música por esta razón, todos los sonidos deben realizar las transiciones adecuadas; y conexiones. Esta es la habilidad básica para escribir armonía. Las características básicas de la serie armónica son de "estable" a "inestable" y luego a "estable"; de "armonía" a "desarmonía" y luego a "armonía", el ciclo alterno de su esquema de función es: T-S-T, T-D-T. O t-s-d-t, este es el llamado "círculo funcional" mencionado muchas veces en la novela "No tienes elección". La palabra "solución" también se menciona en la novela. Esto se refiere a la forma en que los acordes disonantes (como el acorde de séptima) se transforman en acordes consonantes durante el proceso de unión. La regla básica es mover las notas de cada voz a su consonante más cercana, como 7→1; ;Las armonías permanecen sin cambios.
(5) Sobre la "fuerza" de la armonía
Gao Fei, llamado Sensen en "No tienes elección", está interesado en imitar a Beethoven, pero debido a su "poderoso" Infinite", golpeando el piano todo el día en busca de "poder". Uno de sus eslóganes es "¡Mierda, fuerza!" Por lo general, la intensidad se refiere a la intensidad del sonido, expresada en palabras, como "P" significa "débil", "F" significa "fuerte", "sf" significa "extremadamente fuerte". , etc. . Pero la intensidad aquí es otro concepto, de lo contrario el "poder" de pisar el piano con los pies definitivamente superará a Beethoven. "Fuerza" en la novela se refiere principalmente a la fuerza de los efectos de sonido, es decir, la fuerza de la armonía. La fuerza de una armonía probablemente esté relacionada con el espectro de resonancia de la serie de armónicos contenida en el acorde. Por lo tanto, también depende del número de piezas y de la distancia entre ellas. En términos generales, los acordes menores no son tan fuertes como las tríadas mayores; los intervalos simples no son tan fuertes como los intervalos compuestos (los intervalos que exceden una octava no son tan fuertes como los acordes disonantes (excepto los acordes disminuidos). Por eso Sensen "superpone un acorde de séptima a un acorde de novena".
Cómo aprender armonía;
(1), comprender completamente los conceptos básicos, no es necesario memorizar las reglas de memoria. Las reglas acústicas son numerosas pero limitadas. Además, no cometerás un gran error al recordar estos “no-nos”, por lo que es mejor recordar primero los “tabúes”.
(2) Sigue haciendo ejercicios. La música es diferente de las matemáticas y la física. No existe un estándar absoluto y los ejercicios no son una respuesta. Sólo haciendo más y practicando más podrás recordar y mejorar.
(3) Escucha música más famosa. En realidad, este es el método más eficaz. Los principiantes pueden escuchar canciones sencillas, fáciles de entender y agradables.
En segundo lugar, el formalismo
La forma musical se refiere a la forma estructural de la música. Hay sencillos, dos, tres, variaciones, sonatas y rondos. Cada párrafo de tema está representado por "A, B,...". Por ejemplo, el esquema musical del "estilo de dos partes" es "AB"; el esquema del "estilo duan" es "Aba", y la tercera sección A es básicamente la misma que la primera sección. La mayoría de las canciones infantiles tienen dos párrafos o incluso un párrafo; las canciones más populares tienen tres pasos. Un "vals" suele ser un rondó.
En tercer lugar, la polifonía
La "polifonía" es relativa a la "melodía principal". Si sólo una parte actúa como tema melódico y las otras partes sólo sirven como complemento, este tipo de música se llama música principal. Si hay más de una parte melódica y cada parte es independiente entre sí horizontalmente y forma una relación armoniosa verticalmente, formando un todo orgánico armonioso, entonces dicha música se llama "música polifónica". En la música polifónica, la melodía de cada parte se denomina "melodía principal" y "melodía secundaria" según las relaciones primaria y secundaria. Sólo hay un tema. La polifonía es una técnica de composición importante y ampliamente utilizada. Su base teórica es la acústica armónica. La "fuga" es una de las formas polifónicas cuya técnica desarrolló Bach.
Cuarto, el contrapunto
El contrapunto es una de las técnicas de escritura de la música polifónica. Se basa en una acústica armónica, lo que hace que cada voz sea armoniosa y relativamente independiente. Por ejemplo, los coros pesados (trío, cuarteto) se escriben utilizando contrapunto. El contrapunto se puede dividir en "contrapunto estricto" y "contrapunto de imitación". Los teóricos de la música rusos y alemanes respetaron y observaron un estricto contrapunto.
Verbo (abreviatura de verbo) melodía
Melodía es melodía. Es la característica fundamental que distingue una pieza musical de otra música, al igual que el estilo y el ritmo de un edificio. Los "fonemas" constituyen "razones", y las razones se desarrollan aún más en temas y forman melodías. Específicamente, se trata de combinar ciertos "patrones de notas" y "patrones rítmicos" de acuerdo con reglas rítmicas específicas para formar una melodía. La melodía es visual: se refleja en la línea melódica (la línea de conexión de las cabezas de las notas). En los primeros tiempos, algunos músicos perseguían "la belleza de las líneas melódicas" y creían que una buena melodía también debía ser visualmente bella. La escritura de melodías depende del talento, la inspiración y la práctica. La escritura de melodías es muy técnica y tiene varias técnicas de desarrollo, que es la más rica. Las técnicas de desarrollo más utilizadas incluyen: repetición, modelado, imitación, contracción, expansión, cambio, contraste, mutación, etc. La mayoría de los conceptos se explican mediante escritos en la pizarra y medios audiovisuales. (Ver Conferencia sobre apreciación musical (3)).
6. Dealer
La orquestación es una técnica de escritura orquestal, por eso también se le llama "método orquestal" o "instrumental". Todas las actuaciones de una banda, e incluso el acompañamiento de canciones populares, son inseparables del uso de la orquestación, por lo que aprender un poco sobre orquestación es de gran valor práctico.
Aprender orquestación consiste en resolver los siguientes problemas: el principio de producción del sonido, el timbre, el volumen y el método de ejecución de varios instrumentos, la relación coincidente entre los volúmenes de varios instrumentos y la selección correcta de instrumentos pueden expresar correctamente el tema y el estilo del trabajar.
Imagínese ahora un ejemplo: escribí un concierto para violín. Pero el violinista tomó la partitura y se me acercó y me dijo: No puedo tocarla. Creo firmemente que no hay nada malo en escribir: hermosa melodía, plena armonía. ¿Cuál es el problema? Puede que sean tres. Primero, el rango de la partitura musical es incorrecto. El límite superior o inferior excede el rango del violín. En segundo lugar, escribí la tríada con tres notas, pero el violín sólo puede tocar dos notas al mismo tiempo y el pianista no. 3. El intervalo de acorde es demasiado grande: por ejemplo, una nota está en la cuerda G (cuarta cuerda) y una nota está en la cuerda La (dos cuerdas). Hay un hilo entre ellos. ¿Cómo puedes dejarle jugar? ! Otro ejemplo es que una empresa municipal compró un montón de música extranjera, formó una banda, ensayó el programa e invitó a expertos para que le brindaran orientación. El conductor puede negar con la cabeza después de leer esto, indicando que no puede ayudar. Las razones son (1) la cantidad de instrumentos no coincide y algunos exceden la cantidad de grandes orquestas (2) los músicos profesionales no prestan atención a la orquestación y es difícil actuar de manera uniforme;
Las razones del fallo en los dos casos anteriores se deben al desconocimiento del sentido común sobre los adaptadores. Además, en el acompañamiento de canciones populares, si no se utiliza adecuadamente el método de orquestación, pueden ocurrir algunos problemas, como “estropear la melodía”, “usurpar el papel de presentador”, etc. Sin embargo, la pronunciación, el timbre, las características funcionales y las habilidades para tocar los instrumentos electroacústicos son muy diferentes de los instrumentos tradicionales, por lo que los métodos de orquestación tradicionales básicamente no son adecuados para bandas electroacústicas puras.
Conocimientos teóricos musicales básicos de la composición
Según la definición de la industria musical francesa, los estilos de composición se pueden dividir en tres categorías:
1. Este estilo enfatiza que el cuerpo principal de la música permanece casi sin cambios, solo cambian los sentimientos del oyente;
2. Transformación: este estilo requiere que la música cambie gradualmente. La idea dominante es que la música, como la vida, cambia y se transforma gradualmente debido al metabolismo. Aunque la interpretación musical del capítulo anterior ha terminado, la interpretación musical del siguiente capítulo es una evolución natural del capítulo anterior, no repentina, sino un proceso gradual. Esto es METABOLE;
3. Coherencia: Este estilo es relativamente libre, y depende de cada oyente encontrar el eco entre las diferentes partes musicales.
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