¿Qué es la ópera? Describa brevemente la historia del desarrollo de la ópera extranjera.
La inacción política y la depresión comercial de Italia en el siglo XVII no aniquilaron su entusiasmo artístico y su vitalidad creativa, ni debilitaron su antiguo estatus como "potencia musical".
Hay varias razones principales para esto: en primer lugar, Italia siempre ha sido un país rico en melodías; en segundo lugar, Italia es un jardín experimental para nuevas y diversas variedades musicales en Europa; número de músicos talentosos, hay compositores y cantantes cuyo primer deber es cultivar nuevas variedades musicales; por último, y lo más importante, hay un grupo de nobles mecenas e inversores que apoyan objetivamente la industria musical por diversas razones.
Por lo tanto, en comparación con otros países de Europa, Italia tiene las condiciones e incluso la responsabilidad de dedicar la ópera como regalo del siglo a toda Europa y emocionarla.
La ópera italiana se puede dividir en ópera florentina, ópera romana, ópera veneciana y ópera de Nápoles.
Estas óperas de diferentes regiones, diferentes épocas y diferentes estilos tienen diferentes influencias.
En primer lugar, la ópera florentina
En la segunda mitad del siglo XVI, un grupo llamado "Club de la Camerata (Salón) de Florencia" (también conocido como Grupo de Arte de Florencia) Apareció en Florencia un grupo de investigación musical no oficial cuyos miembros son principalmente poetas y compositores jóvenes con estatus aristocrático.
Es la primera vez que llaman a la puerta de la ópera.
Este grupo de arte fue organizado por Count Buddy y el contenido central de la discusión fue cómo integrar mejor la música y el teatro para producir un mayor atractivo artístico.
Después de estudiar cuidadosamente la música griega, llegaron a la conclusión de que la razón por la cual la música griega puede producir un gran atractivo y un fuerte efecto de interpretación es porque la música griega es una melodía monofónica, que desarrolla la expresión natural de las fuerzas, como por ejemplo. el rango vocal, las fluctuaciones del tono, los cambios de ritmo, etc., pueden afectar y dominar decisivamente los sentimientos del público.
Por el contrario, en el pasado, diferentes voces cantaban diferentes melodías y letras, lo que dificultaba que el público escuchara las letras con claridad y entendiera a los personajes. Esta música es, en el mejor de los casos, un conjunto instrumental.
Por ello, eligieron el método de composición correcto para las letras: un método de canto que utiliza la música para "hablar", es decir, utilizando la melodía solista para fortalecer y expresar los altibajos del lenguaje del actor.
Ulio Caccini (Caccini Giulio 1551-161638) y Giacopo Peri (Peri Ja copo 1561-1633) realizaron grandes aportaciones a la ópera del grupo artístico florentino. Emilio de Cavalli (Cavalieri Emilio de Cavalli 155O-1602) y otros. Fueron pioneros en este territorio virgen de la ópera.
Caccini es cantante, compositor e incluso intérprete profesional. Sus múltiples identidades jugaron un papel especial y beneficioso en su carrera operística.
Caccini creó un nuevo estilo de canto basado en las sílabas de las letras, buscando una enunciación clara y flexible, sumado al bajo digital, convirtiéndose así en uno de los fundadores de la recitación.
También añadió sonidos decorativos en lugares apropiados de la línea melódica, formando un método de canto deslumbrante en el siglo XVI.
En esta colección de canciones (música nueva), Caccini ha recopilado una gran cantidad de piezas con estilos novedosos y las ha combinado con bajo digital.
Al respecto, amplió: "Para crear y cantar mejor óperas, lo más importante es comprender los conceptos y el lenguaje, comprender los temas ideológicos que expresa con interés y emoción, y entender la polifonía. El método del contrapunto de la música."
Estas canciones y las nuevas ideas del autor mostraron un modelo imitable para la formación de la ópera e inspiraron la vitalidad creativa y la inspiración de las generaciones posteriores.
Caccini tiene altos logros en la música vocal. También fue la primera generación de educadores vocales influyentes en el período del Bel Canto.
A continuación también presentaremos sus logros en la educación musical vocal.
Perry, al igual que Caccini, también es cantante y compositor. Una vez interpretó con éxito a la legendaria cantante Ariana en un drama episódico.
Sin embargo, sus logros en la creación de ópera fueron aún mayores.
Perry es mejor conocido por definir el estilo recitativo dentro de la práctica de la composición operística.
Consiguió crear un recitativo a medio camino entre el canto y el habla, en el que el bajo numérico permanecía constante durante los intervalos armónicos y disonantes para imitar el habla continua.
Este tono narrativo suena como una recitación libre con tonos en constante cambio.
Ya sea un recitativo, un aria u otra pieza de trabajo solista, Perry crea una colección de música dramática adaptada a las necesidades de una ópera.
Los resultados de la investigación de Florence Art Group no son sólo charlas de salón a pequeña escala, sino también puestas en práctica.
En cierto sentido, la ópera italiana nació en sus salones.
La intención original del grupo artístico florentino era restaurar la música griega, pero en realidad crearon un nuevo género artístico que no sólo estaba en línea con sus propios ideales y objetivos, sino que también tenía las características de la veces.
Esta enorme contribución puede haber sido inesperada.
"Daphne" está considerada la primera ópera en Italia y Europa y se representó en Florencia del 65438 al 0597.
Fue compuesta por Ottavio Rinuccini (letrista) y Pelli (compositor), ambos miembros del Florentine Art Group.
"Daphne" está basada en una antigua historia de amor griega y su contenido brilla con humanismo. Todas las canciones de la obra son música vocal de una sola parte, en su mayoría con ritmos libres y relajantes, y también hay algunas canciones con fuertes cualidades para el canto. El estilo musical es novedoso y las letras expresan bien las ideas.
Continuaron su colaboración en 1600, representando Eurídice para la boda real en Florencia.
Este es un famoso cuento de hadas que alaba el amor de Flo y Eurídice. Para celebrar la ocasión, el final se cambió a un final feliz.
En "La música de Eurídice", Perry explica cómo las piezas estilísticamente diversas de la obra, como la nueva recitación típica de "Daphne", comienzan de manera emocional y armoniosa. Cuando Eurídice es mordida por la serpiente, la melodía se agita, los intervalos disonantes aumentan y la armonía cambia repentinamente. El aria "Tilsey's Song" se adaptó a una sinfonía con un ritmo distintivo, una hermosa melodía y una fuerte terminación armónica.
Caccini también escribió algo de música para Eurídice. Comparada con la música dramática de Perry, la música de "Eu Drama" de Caccini es más melódica y lírica.
La ópera florentina tiene las características generales de la ópera italiana original, formando un estilo artístico idílico y elegante con características florentinas.
En los casi 30 años posteriores a "Da y Euforia", sólo se representaron un puñado de óperas en Florencia.
El centro de la ópera comenzó a trasladarse a Roma.
En segundo lugar, la ópera romana
El tema de la ópera romana es principalmente mítico y alegórico, con fuertes connotaciones religiosas, y el arte escénico persigue efectos lujosos y ricos.
El autor principal de la ópera romana temprana fue Cavalli Eli del Grupo de Arte Florentino.
Era un noble florentino y era responsable de los asuntos artísticos en la corte del duque. Es a la vez un funcionario cultural y un profesional.
Como miembro del Grupo de Artes Florentinas, representó varias obras cortas en Florencia.
Ya en 1600, creó una obra de teatro (Expresión de espíritu y carne) y la representó en Roma.
Esta es una obra de moralidad que utiliza la alegoría para promover ideas religiosas.
En las obras de Cavalli Eli, se puede ver que el compositor expresaba y atendía conscientemente los pensamientos del gobernante debido a su estatus oficial, pero la creación musical del drama (espiritual) aún reflejaba el Valli de Kavali Eli. Las actividades de Eli dentro de la comunidad artística florentina.
En 1623, el Papa Urbano VIII, que amaba y defendía el arte de la ópera, ascendió al trono en Roma. Su llegada al poder tuvo un enorme impacto en el establecimiento de la posición de liderazgo de la ópera romana en Italia.
Las familias de la ciudad han hecho muchas cosas prácticas para apoyar el desarrollo de la ópera, incluida la presidencia de la construcción de un teatro de ópera con capacidad para 3.000 espectadores y el desarrollo de un órgano de tubos para el escenario de la ópera.
Debido a que Roma es la sede de la Santa Sede y la familia real, la ópera romana aboga por escenas lujosas y deslumbrantes, y puede satisfacer mejor los gustos de los nobles y satisfacer su vanidad. Estilo de ópera florentina.
Las óperas de esta época se basaban mayoritariamente en dramas épicos sobre dioses y santos.
En 1634, Julio Rosspiriosi, quien más tarde se convirtió en el Papa Clemente IX, creó una plantilla y Stefano Schmidt creó "San Alessio", interpretada en la ceremonia de inauguración de la recién terminada Ópera de Roma.
La obra describe la historia de un "santo" romano en la Edad Media, y su tema sigue siendo la predicación de la moral religiosa.
En 1662 se representó en Roma "La Cadena de Adone" creada por Domenico Mazzocchi. Esta ópera generalmente se considera un estilo típico "románico", dirigido tanto a la iglesia como a la nobleza, y los efectos escénicos son muy lujosos y ricos.
El principal compositor de la ópera tardorromana fue Luigi Rossi, quien escribió "Flo" en 1647, que fue ampliamente utilizado como tema de ópera en la época.
En la obra "Olimpiadas", el tema antiguo es una canasta vacía llena de moda, excentricidad y otros materiales populares que se espera que causen revuelo.
La ópera romana tiene algunas ventajas encomiables en la creación musical.
Por ejemplo, la diferencia entre recitación y aria es más obvia, la recitación es más lingüística, mientras que el aria es más melódica; "The Chain of Adong" no sólo abandona los elementos demasiado aburridos de la recitación, sino también sus elementos. preludio de ópera La canción también se convirtió en una de las primeras formas del preludio de ópera que se utilizó ampliamente más tarde.
Sin embargo, debido a las limitaciones de los temas de la ópera romana y las tendencias aristocráticas, gradualmente cortó su conexión con el público en general, exprimió su propia vitalidad en la extravagancia y el despilfarro, y finalmente desapareció de los escenarios de la ópera sin mayor desarrollo.
La causa directa del declive de la ópera romana fue la muerte de Urbano VIII en 1644. Sus oponentes políticos expulsaron a la familia Urbana y la ópera de Roma.
En tercer lugar, Monteverdi
En esta época aparece en Italia un gran compositor, que desempeñó un papel importante en la promoción de la ópera. Este es Monteverdi, famoso por sus creaciones pastorales.
Monteverdi se dedicó principalmente a la escritura pastoral en sus primeros días y, por lo tanto, gozó de una gran reputación.
Se convirtió en músico y músico del duque de Mantua desde 1990 hasta 1612. Durante este período compuso e interpretó las óperas "flo" (1607) y "Arianna" (1608).
Fue a Venecia en 1612 y se desempeñó como director musical de la Catedral de St. Kyle al año siguiente.
Vivió en Venecia durante 30 años hasta su muerte a los 76 años.
Durante este período, compuso aproximadamente 65.438.00 óperas para iglesias y teatros de ópera, entre ellas La batalla de Tancredi y Clorinda (65.438 0.624), El regreso de Lisis" (65, 438 0, 646, 5438 0 ). Cuando tenía 75 años, escribió la posdata del Papa Jaffron, que puede considerarse un clásico.
En comparación con otros compositores de ópera italianos de este período, Monteverdi tiene dos características:
Primero, Monteverdi es un tipo * * * Como compositor, tiene emociones ricas y pone sus emociones en en la creación de óperas.
Monteverdi cree que la música no es un arte con una estructura técnica. No sólo debe dar a las personas placer sensorial, sino también expresar plenamente sus corazones y emociones.
La música anterior estaba lejos de ser suficiente para expresar las emociones de las personas como la melancolía, la tristeza, la esperanza y la tranquilidad.
La música, especialmente la ópera, también debe expresar los intensos y complejos mundos interiores de las personas, como la ira, el miedo, la decepción y el odio, formando una música de ópera "emocionante".
En este sentido, Monteverdi cree: "La música no sólo sirve para señalar el significado original de las letras, sino que debe ser más profunda".
Esta "profundidad" se refleja en la descripción detallada de los pensamientos y sentimientos de las actividades de los personajes, y en la conexión orgánica entre los pensamientos y sentimientos de los personajes en el pasado, presente y futuro.
En la práctica de la creación de ópera, Monteverdi aplicó estos principios a diversas imágenes artísticas, volviéndolas coloridas y conmovedoras.
Especialmente antes y después de que su esposa muriera de una grave enfermedad, integró completamente sus sentimientos de dolor y desgarradores en sus obras, y la concepción artística de "Adónde irás" está en línea con la trama. y argumento de la obra. Los personajes coinciden.
Cuando aparecen sus "O'Flo" y "Arianna".
Después de ser lanzadas una tras otra, esas vívidas y conmovedoras imágenes artísticas han hecho llorar a miles de espectadores.
Esta característica artística de Monteverdi queda plenamente reflejada en el recitado de "O Flo" (Estás muerto).
O Flo fue un antiguo poeta y cantante cuya música movía rocas, árboles y bestias.
Cuando supo de la muerte de su esposa Eurídice, decidió ir con ella:
Estás muerta, mi querida esposa,
Estoy Todavía aquí, pero me dejaste para siempre.
Nunca volverás y yo sigo vivo.
No, no, si este poema toca el corazón de las personas,
Caminaré valientemente hacia el infierno más profundo,
Que el guardián cambie de opinión, lo haré. conducirte a Dios.
Si el cruel destino me rechaza,
¡Me quedaré contigo en el inframundo!
En este recitativo, Monteverdi compuso la letra en una recitación muy triste, utilizando muchas técnicas de creación musical para expresar el poder de la emoción, dando rienda suelta a las fortalezas de la voz humana, haciéndola La canción está llena de fuertes emociones y atmósfera solemne y trágica, convirtiéndose en una típica música de ópera "emotiva al estilo Monteverdi".
En segundo lugar, la destacada contribución de Monteverdi es que fue el primer compositor en formalizar la música de ópera dramática.
En la música operística de Monteverdi, todas las formas de expresión sirven y dependen de las necesidades del drama.
Estas representaciones dramáticas incluyen: atraer un "motivo principal" similar (como O'flo) por primera vez en la música de ópera; usar letras dramáticas e insistir en analizar el corazón del personaje a través de imágenes musicales y encarnar el carácter características del personaje; resaltar la voz aguda, ampliar y enriquecer la voz solista; enfatizar la expresividad del tono narrativo.
En particular, Monteverdi utilizó por primera vez en su ópera una orquesta compuesta por unos 40 instrumentos, y la orquestación también se basó en las necesidades de la trama y los personajes.
Antes de esto, las óperas de Perry y otros utilizaban sólo unos pocos instrumentos, como el laúd y el clavecín.
Estas características creativas de la música de ópera de Monteverdi se han convertido en principios que las generaciones posteriores han de imitar durante mucho tiempo, convirtiéndolo no sólo en un destacado compositor de ópera italiana, sino también en un gran compositor europeo del siglo XVII. .
Cuatro. Ópera de Venecia
Como centro de las actividades de la ópera europea, Venecia se formó en las décadas de 1730 y 1740.
Existen diferencias evidentes entre la ópera veneciana y la ópera romana, e incluso entre la ópera veneciana y la ópera florentina.
Estas diferencias están relacionadas en primer lugar con el tradicional ambiente de negocios de Venecia.
Aunque la actividad comercial en Venecia se redujo durante el siglo XVII, el sentido comercial de la ciudad no murió.
Este ambiente de negocios tradicional juega un papel vital en las actividades de ópera de la ciudad.
En otras ciudades de Italia, las representaciones de ópera se suelen representar en pequeños teatros de palacios reales o residencias nobles. Ver representaciones de ópera siempre ha sido dominio exclusivo de la clase alta.
En Venecia se adoptó una forma más democrática, con la ópera abierta al público.
En circunstancias normales, la ópera ya no acepta el patrocinio de nobles, sino que adopta un modelo de negocio autofinanciado.
En 1637 se construyó en Venecia el primer teatro de ópera llamado "San Cassino". Durante los siguientes tres años se construyeron tres grandes teatros públicos.
Esta ciudad con una población de sólo 140.000 habitantes tenía un máximo de 8 salas.
La ópera es una "comunidad" para todos los amantes: la nobleza ocupa el palco, la clase media compra las entradas, el billete de asiento cuesta 4 liras, los asientos privados pagan 2 liras más, el público en general puede disfrutar Los asientos son gratuitos, pero la mayoría son "Stand Ticket".
Desde su construcción, la Ópera de Venecia ha tenido un carácter económico a la altura de esta ciudad comercial.
Esto determina que la ópera veneciana debe estar abierta al público en general, y su contenido y forma deben adaptarse a los gustos estéticos de la clase ciudadana, de lo contrario no sobrevivirá.
Desde el punto de vista empresarial, la razón para construir teatros de ópera uno tras otro en un corto período de tiempo es la enorme demanda del mercado y las buenas perspectivas del mercado.
Esa es la cuestión.
A mediados del siglo XVII, las representaciones de ópera en Venecia estaban casi vacías, y el espectáculo no tenía precedentes: los palcos estaban llenos de nobles elegantes y elegantes y sus esposas e hijas, los asientos de la piscina estaban abarrotados de barqueros y vendedores, y audiencias de diferentes estatus mezcladas; risas ruidosas, cálidos aplausos, silbatos disolutos y besos lanzados uno tras otro; entusiastas fanáticos de la ópera, incluidos sacerdotes y nobles, a veces gritaban los nombres de los cantantes que admiraban, y a veces saltaban. en el escenario y desempeñar un papel en la obra.
En un sentido positivo, la ópera veneciana se ha convertido en un alimento espiritual para el público en general.
El hecho de que cada vez haya más teatros de ópera y su escala sea cada vez mayor, ha dificultado enormemente el desarrollo de la ópera.
El valor creciente de los compositores, cantantes y orquestas de ópera produjo un gran número de obras operísticas. Desde 65438 hasta finales de la década de 1930, se representaron más de 350 obras.
Como consecuencia de este fenómeno, las sucesivas representaciones provocaron el éxodo de actores y orquestas, y el número de personajes de la obra se redujo.
Por motivos económicos, los teatros normales ya no pueden permitirse contratar bandas más grandes.
Estos han formado sus propias características: democratización, ciudadanía, comercialización y entretenimiento.
A juzgar por el estilo artístico de la ópera veneciana, tiene algunas características: el drama histórico se ha convertido en la ópera de mayor éxito; las arias líricas se han desarrollado mucho; el bel canto tiende a ser ampliamente utilizado en el desarrollo de la trama; Complejo La estructura del guión se vuelve gradualmente más rigurosa, normalmente tres actos, y cada acto se divide en varias escenas.
Cabe destacar especialmente que los dispositivos de escenografía son básicamente mecanizados y pueden simular batallas navales, tormentas, dioses, elefantes y leones en movimiento, y también pueden subir y bajar.
Algunos de los logros más destacados del arte escénico veneciano todavía se utilizaron en el siglo XIX.
En 1637, la ópera "Andrómeda" compuesta por Ferrari y Manelli se representó en la recién construida Ópera de San Cassiano, marcando el comienzo de la ópera veneciana.
Esta ópera no costó mucho. Ferrari también toca instrumentos y la banda sólo tiene 12 personas. Hay 6 actores, entre ellos Manelli y 3 eunucos.
Como muchas óperas venecianas posteriores (incluidas las de Monteverdi), la (An)opera tenía un elenco y una orquesta más pequeños, en parte porque la ópera consideraba sus beneficios económicos.
Los principales compositores de la ópera veneciana son dos alumnos de Monteverdi, Cavalli Pietro Francesco 1602-1676 y Cesti Antonio 1623-1669).
Cavalli creó 42 óperas, lo que también refleja la demanda veneciana de obras de ópera.
Las obras representativas de Cavali incluyen "Las bodas de Teti y Perreo" (1639), "Reina Dido" (1641), "Egez Toto" (1643), "Amante Elkoty" (1662).
Del 65438 al 0649 creó la ópera más famosa "Jason", en la que las arias y la recitación comenzaron a formar dos estilos completamente diferentes.
La música de ópera de Cavali se centra en el drama y es buena en la descripción psicológica, especialmente las arias con plena melodía y hermoso canto, que son muy emocionantes. Aunque la recitación carece de la variedad y los detalles de Monteverdi, sigue siendo natural y fluida.
A diferencia del estilo de Cavalli, las óperas de Chesti son más líricas y decorativas.
Trabajó duro para restaurar y desarrollar los factores musicales puros inherentes a Italia, centrándose en melodías hermosas y suaves y esculpiendo cuidadosamente sus obras.
Así, las arias de las óperas se han desarrollado, pero el dramatismo se ha debilitado ligeramente y las obras carecen de impulso e intensidad.
La obra principal de Sesti, "Olontea" (1649), se ha representado en Venecia, Roma, Florencia, Milán, Nápoles y otros lugares durante mucho tiempo. Fue una de las óperas más representadas del siglo XVII.
La ópera palaciega "La Manzana de Oro", de estilo típico barroco, creada en 1667, es la obra maestra de Chesti.
Cuando se representó esta ópera, creada especialmente para la boda real, incluso se construyó un gran teatro con capacidad para 5.000 espectadores.
La obra completa consta de cinco actos y hasta 25 arias, dando rienda suelta a las habilidades del cantante.
El cartel de actuaciones es enorme y el escenario y el equipamiento son muy lujosos.
Los principales compositores de la ópera veneciana tardía fueron Pietro Simon Agostini (alrededor de 1635-1680) y Antonio Sartorio (1630-1680).
Intentaron crear una nueva aria de estilo popular y adoptaron pasajes de coloratura con funciones expresivas.
La obra representativa del primero es ("La humillación de las sabinas"), y del segundo es "Adelaida".
A mediados del siglo XVII, la ópera italiana se había formado básicamente en Venecia. En los 200 años siguientes, la forma de la ópera no sufrió cambios fundamentales.
Las principales características de estos géneros son: el canto solista se ha convertido en la principal forma de canto de la ópera; las arias y la recitación están separadas, y las arias son cada vez más valoradas por los autores y bienvenidas por el público; se ha utilizado en el canto de ópera Ocupando una posición dominante absoluta, la relación entre la música y las letras en la que originalmente insistían los grupos de arte de Florencia cambió gradualmente, y hubo una tendencia a que la música anulara las letras.
Verbo (abreviatura de verbo) Ópera de Nápoles
En la década de 1680, el centro de la ópera italiana se trasladó a Nápoles.
La ópera napolitana fue originalmente influenciada por la ópera veneciana. Las obras de Cavalli, Chesti y otros fueron populares y causaron sensación en Nápoles.
Desde entonces, la ópera en Nápoles se ha desarrollado rápidamente, reemplazando gradualmente a Venecia como el nuevo centro de actividades operísticas en Italia.
La ópera napolitana siempre ha mantenido una fuerte vitalidad. Hasta mediados y finales del siglo XVIII, muchos compositores napolitanos destacados viajaron por toda Europa, desempeñando un papel positivo en la promoción y popularización de la ópera en Europa.
El estilo general de la ópera de Nápoles es: humorístico, animado y lleno de energía, se centra en formas externas elegantes y la intensidad dramática está relativamente debilitada, pero la hermosa música es suficiente para compensar todo; deficiencias.
El fundador y compositor más importante representante de la ópera napolitana es Scarlati Alessandro (1660-1725).
Nació en una familia de músicos. En 1679 representó en Roma su primera ópera "La culpa de la ignorancia", que fue un éxito.
Como resultado, se convirtió en director del teatro privado de la reina Cristina de Suecia, que vivía en Roma. Durante este período escribió "Amor verdadero" (1680) y "General Pompeya" (1683).
Llegó a Nápoles en 1684 y ejerció como director musical del Palacio del Gobernador. Compuso más de 40 óperas, como "Pirro et Demetrius" (1694) y "La caída de los diez" (1697).
Desde 1702 es director musical de la Catedral de Santa María de Roma.
En 1709, regresó a Nápoles y ejerció como director de un conservatorio pobre hasta su muerte. Durante este período, sus obras importantes incluyen "Ti Grahne" (1715) y "La gloriosa victoria" (1718).
Scarlatti fue un prolífico compositor que compuso 115 óperas, ocupando el primer lugar entre los compositores de ópera de aquella época. La mayoría de los temas están tomados de comedias de la vida o leyendas históricas.
Además, hay más de 700 oratorios, oratorios y cantos de masas.
La contribución de Scarlatti a la ópera es, en primer lugar, enfatizar que la ópera es un drama expresado con música y resaltar la posición central de la música en la ópera. El desarrollo emocional de los personajes puede reflejarse y resumirse a través de la música, formando una imagen musical típica.
En comparación con la música, las letras son sólo un recordatorio y no juegan un papel clave.
Así que la música vocal tiene una ventaja absoluta en sus óperas; en segundo lugar, creó la forma de canto de "recitación Qing" (también conocida como "recitación vernácula"), que se utiliza principalmente para largos monólogos y diálogos. usando solo dos instrumentos musicales sirven como acompañamiento, permitiéndoles jugar un papel mediador en el desarrollo de la trama; en tercer lugar, utiliza arias A-B consecutivas para expresar las emociones ambivalentes de los personajes, formando un cierto programa simétrico; cuarto, desarrolló y fijó el estilo de la obertura de ópera. La forma, que consta de tres partes: canto rápido, lento y baile rápido, se convirtió en la forma fija de las oberturas de ópera en el futuro, una banda orquestal completa de cuatro voces; se estableció para tocar música con diferentes emociones según las características de cada instrumento. Este método de orquestación y orquestación se ha utilizado durante mucho tiempo.
Scarlatti es un compositor diligente, riguroso y sabio que muestra su persistente búsqueda de ideales dramáticos serios, por eso se le llama "Serious Scarlatti".
Sus obras alguna vez no fueron populares entre el público, pero fueron muy respetadas en el círculo y tuvieron una influencia importante en varios compositores, incluido Handel.
Aunque algunas de las óperas creadas por Scarlatti y posteriores compositores de ópera napolitanas fueron "óperas destacadas" que tenían un carácter de concierto hasta cierto punto, y los elementos dramáticos de las óperas se desvanecieron gradualmente, esto no impidió que Scarlatti Situación histórica y herencia en el desarrollo de la ópera italiana.
En la primera mitad del siglo XVIII, la ópera napolitana, como la ópera en otras partes de Italia, desarrolló el aspecto lírico de la música de ópera y se basó más en las habilidades solistas de los cantantes y en la lujosa decoración escénica.
La ópera se fue desviando poco a poco de la intención original del artista florentino de retratar la psicología y expresar la personalidad, y cayó en la baja calidad de complacer los sentidos.
Después de que el género y la forma de la ópera se fijaron básicamente a mediados y finales del siglo XVII, los recitales y arias se dividieron aún más durante el período de Nápoles.
El recitativo se puede dividir en: 1. El recitativo en la dinastía Qing, es decir, "recitado vernáculo", es similar a hablar al cantar, con sólo un acompañamiento simple. 2. El recitativo, también conocido como "recitado acompañado" y "recitación instrumental", se usa comúnmente durante cambios emocionales intensos; La orquesta interpreta escenas dramáticas, monólogos o diálogos.
La clasificación de las arias es relativamente compleja. En cuanto a la forma de acompañamiento, existen arias sin acompañamiento y en cuanto a color, hay arias * * *, arias quejumbrosas, arias humorísticas, etc. Desde la perspectiva del estilo musical, existen arias de danza pastoral, arias orales recitadas, etc.
Además, en las obras de Scarlatti, hay un "tono" entre la recitación y el aria, que es la recitación como un aria.
Esta forma llegó a Wagner y evolucionó hasta convertirse en aria libre.
A mediados del siglo XVIII, estas formas generalmente estereotipadas se convirtieron en los elementos básicos de la futura creación de ópera.
En los siglos XVII y XVIII, las óperas italianas con las características mencionadas y temas de mitos y leyendas heroicas fueron denominadas "óperas ortodoxas" en la historia de la música.
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