¿Qué es la pintura al óleo?
Breve historia de la pintura al óleo
Mucha gente nos pregunta ¿cómo es la pintura al óleo? Si bien los antiguos pintores europeos estaban familiarizados y interesados en las técnicas de pintura de Tempelina, gradualmente descubrieron sus defectos y deficiencias, tales como: los colores son difíciles de conciliar, los colores no son lo suficientemente suaves y brillantes, y es demasiado laborioso disponer líneas múltiples. veces con un bolígrafo pequeño. Es propenso a enmohecerse en condiciones de clima húmedo y tiene baja capacidad anticolisión. Ante esto, los pintores inventaron el método de pulir con pintura transparente para proteger la pintura. Más tarde, alguien hizo múltiples capas de teñido de cubierta transparente sobre la pintura base de Tampere, lo que más tarde se llamó vidriado o teñido de esmalte, formando una técnica híbrida. Esta técnica no es ni pintura de Tampere ni pintura al óleo. "La Última Cena" de Leonardo da Vinci es una pintura al óleo. Leonardo da Vinci estudió y aplicó pintura al óleo muchas veces, pero la tecnología no estaba lo suficientemente madura, por lo que muchas de sus obras no han sido transmitidas.
¿Quién es el inventor de la pintura al óleo? Durante el período bizantino se intentó simplemente utilizar el óleo como medio pictórico. Según los registros, este tipo de pintura no se seca incluso si se expone al sol durante varios meses. En 1200, el monje Theophil Ruziros escribió un tratado sobre pintura al óleo, una forma de arte diversa, en el que introdujo el uso del aceite de linaza y la resina árabe. A finales de 2013 aparecieron en las Islas Británicas pinturas similares a los óleos. A finales de 2014, dos pintores holandeses, los hermanos Van Eyck (Jan van Eyck y su hermano Hubert van Eyck) descubrieron un método sencillo de pintar con pigmentos solubles en aceite y crearon pintura pura. Aunque los historiadores del arte no pueden concluir que los hermanos Van Eyck fueran los inventores de la pintura al óleo, al menos encontraron una fórmula media ideal para la pintura al óleo basándose en sus primeros experimentos. Muchos expertos creen que su mayor logro es la adición de resinas naturales al aceite, lo que hace que los bolígrafos queden suaves y los vehículos se sequen rápidamente. "La boda de Arnolfini" de Jan van Eyck y su obra más famosa, el "Retablo de Gante" (ahora en la iglesia de St. Buffon en Gante, Bélgica), constan de 23 pinturas. ) se considera una obra importante en la historia del desarrollo de la pintura al óleo europea. La técnica de mezcla de óleos inventada por los hermanos Van Eyck, que se dice que consiste en pintar con un "barniz blanco de Brujas" y aceite de linaza, se utilizó para mezclar los pigmentos utilizados en sus pinturas en Tampere y resultó funcionar muy bien. Algunos investigadores creen que el "barniz blanco de Brujas" es trementina destilada, y todavía usamos trementina para diluir pinturas al óleo. ) Se dice que Antonoueuo de Messina (1430-1479), el primer pintor italiano en aprender y dominar las técnicas de pintura al óleo, fue a los Países Bajos para aprender las técnicas de pintura al óleo de los hermanos Van Eyck y regresó a Venecia para enseñar el uso de pinturas al óleo. Después de eso, la pintura al óleo se hizo popular en Europa continental como pintura independiente.
Durante cientos de años, la pintura al óleo se ha desarrollado y mejorado a través de la herencia y la creación de pintores de todas las generaciones.
El desarrollo de la pintura al óleo ha pasado por varios períodos: clásico, moderno y moderno. Las pinturas al óleo de diferentes épocas muestran diferentes miradas, dominadas por los conceptos y técnicas artísticas de la época.
Las condiciones históricas en las primeras etapas del desarrollo de la pintura al óleo establecieron la tendencia realista de la pintura al óleo clásica. Durante el movimiento del Renacimiento europeo en el siglo XV, el pensamiento humanista produjo llamamientos positivos a prestar atención a la realidad social a partir de la crítica a la religión. Para deshacerse gradualmente de la creación única con los clásicos cristianos como tema, muchos pintores famosos comenzaron a observar y describir directamente las personas, los paisajes y los objetos de la vida en ese momento, de modo que las obras de temática religiosa contenían un evidente realismo y Factores seculares Algunos pintores La descripción de la vida real también es relativamente completa. Los pintores del Renacimiento heredaron los conceptos artísticos de Grecia y Roma, es decir, no sólo se centraron en describir un evento o hecho en sus obras, sino que también revelaron las causas y consecuencias del evento o hecho, formando así un estilo que se centraba en concebir lo típico. Tramas y configuración de imágenes típicas.
Al mismo tiempo, el pintor también exploró la aplicación de la anatomía y la perspectiva en la pintura y el papel de la distribución de la luz y la oscuridad en la imagen, formando los principios científicos del modelado. La aplicación de la anatomía humana permite que las figuras en las pinturas tengan proporciones, formas y relaciones estructurales realistas y precisas. El establecimiento de una perspectiva focal permite que las pinturas formen una ilusión de espacio profundo a través de la composición, y el paisaje en las pinturas es el mismo que el instantáneo; experiencia visual en la realidad; luz y sombra Este método unifica los objetos de la pintura bajo la luz de una fuente de luz principal, formando una jerarquía clara de cerca a lejos. Los temas artísticos del humanismo y la búsqueda del realismo en otras pinturas no pueden perfeccionarse debido a las limitaciones de las herramientas y materiales, y el rendimiento de las herramientas y materiales de la pintura al óleo es adecuado para una expresión completa. Por lo tanto, después de un largo período de producción, las pinturas al óleo clásicas se han vuelto muy realistas.
En general, la pintura al óleo clásica es el resultado de la aplicación integral de diversos factores del lenguaje pictórico al óleo, sin embargo, sobre esta base, artistas de diferentes países y diferentes épocas prestaron especial atención a uno o varios factores. , formando diferentes estilos. Los pintores italianos durante el Renacimiento prestaron más atención al uso de luces y sombras. Las partes oscuras de la escena de la pintura están envueltas uniformemente en sombras, y los límites entre la luz y la oscuridad muestran una transición suave, creando un efecto concentrado y fluido. La "Madonna de las Rocas" de Leonardo da Vinci es un representante de este estilo. Al mismo tiempo, el pintor holandés representó claramente todos los detalles de la escena en su pintura, y las diferencias entre las escenas no fueron transiciones entre la luz y la oscuridad. El retablo de tres hojas de R. Camping "Aviso de embarazo" presenta en detalle todas las escenas interiores y exteriores. Tiziano de Italia fue el primer pintor que prestó especial atención al poder expresivo de la pintura al óleo. Pinta sobre fondos oscuros, a menudo utilizando colores brillantes de brillo similar pero con tonos ligeramente diferentes, lo que da como resultado magníficos tonos dorados. La superposición repetida de pigmentos transparentes y distintas pinceladas hacen que los colores y las formas se mezclen orgánicamente, creando un efecto de textura.
El siglo XVII fue un período de rápido desarrollo de la pintura al óleo clásica europea. Pintores de diferentes regiones y países han realizado distintas exploraciones en profundidad del lenguaje de la pintura al óleo en función del origen social y el temperamento nacional en el que viven. Los tipos de pinturas al óleo se dividen en pinturas históricas, pinturas de historias religiosas, retratos de grupo, retratos individuales, pinturas de paisajes, pinturas de bodegones, pinturas de género, etc. Las técnicas de pintura al óleo también se enriquecen cada vez más, formándose escuelas en diversos países y regiones.
Algunas pinturas al óleo del siglo XVII enfatizaron la sensación de luz de las pinturas al óleo, utilizando el contraste de colores cálidos y fríos, la intensidad de la luz y la oscuridad y los niveles de espesor para crear una sensación de luz y formar una atmósfera dramática en la imagen. El pintor italiano Caravaggio rompió el efecto de luz ordenado y armonioso de las pinturas al óleo anteriores. Reforzó el contraste entre la luz y la oscuridad en la imagen, a menudo usando las grandes áreas oscuras del plano de fondo para resaltar las figuras brillantes en el primer plano, haciendo que la gente sintiera que la luz en la pintura es muy deslumbrante. El pintor español El Greco pintó paisajes con luces y sombras moteadas. No lo modeló desde la perspectiva mojigata de la luz y la oscuridad, sino a partir de la distribución intermitente de la luz y la oscuridad. Los colores fríos y cálidos también forman cambios intermitentes y continuos con una pincelada solemne, las capas de color se penetran entre sí durante la compresión, dando a las personas un efecto confuso, y algunas incluso impregnan una atmósfera misteriosa e inquietante. El pintor holandés Rembrandt también utilizó el sentido de la luz en sus pinturas como medio para expresar el estado mental de las personas. En muchos de sus retratos, los personajes están envueltos en grandes áreas de oscuridad, y sólo partes importantes, como rostros y manos, expresan expresiones que muestran un brillo brillante. Usó colores tranquilos para crear múltiples capas delgadas de pintura en las áreas oscuras para hacer que las áreas oscuras parecieran profundas, mientras que usó pintura espesa y superposiciones con técnicas de cuchillo para crear una gran sensación de volumen en las áreas brillantes.
Al mismo tiempo, el uso de la pincelada también ha sido explorado por muchos pintores. Las pinceladas son las huellas del movimiento de la pintura sobre el lienzo por el pincel al óleo. En las primeras pinturas al óleo, el grosor de la capa de pintura en cada parte de la pintura era relativamente consistente y las pinceladas eran uniformes y casi invisibles. Los pintores del siglo XVII notaron que el movimiento de las pinceladas estaba impulsado por el estado de ánimo y el ritmo emocional de la pintura, y que los pintores podían generar emociones para controlar el movimiento de las pinceladas mientras pintaban. La ligereza, el peso, la lentitud y la urgencia de las pinceladas no sólo hacen que la imagen sea vívida, sino que las pinceladas mismas también tienen expresión artística. El pintor flamenco P.P. Rubens utilizó una gran cantidad de pinturas bañadas en colores finos y brillantes en muchas obras de gran escala, dejando pinceladas libres, desenfrenadas y curvas a lo largo de las figuras, creando el fuerte impulso de los personajes y la trama de la historia. conflicto.
5. La pincelada desenfrenada de Van Gogh hace que los colores gruesos y brillantes estén llenos de fuerza, expresando ansiedad emocional interna. Gauguin utiliza colores y formas simbólicas para componer un cuadro. El espacio de la obra es contrario a la forma tradicional y tiene una atmósfera misteriosa indescriptible. p·Cézanne exploró el uso de figuras geométricas para formar imágenes artísticas y creó una colorida imagen del mundo. Sus obras se han convertido en símbolos de los dramáticos cambios en la apariencia de la pintura al óleo.
En la pintura al óleo del siglo XX, diferentes conceptos artísticos formaron diferentes escuelas, restringiendo así la tendencia de las formas de arte a mostrar diversidad. Algunos factores de las técnicas tradicionales de pintura al óleo a menudo se refuerzan como encarnación formal de conceptos artísticos, e incluso se llevan al extremo. El lenguaje formal de la pintura al óleo es muy valorado. Por ejemplo, el cubismo ignora el color y se centra en la construcción libre del cuerpo; presta atención a los colores fuertes; la barbarie que tiene un efecto equilibrante en el país; el expresionismo que expresa una psicología distorsionada mediante el uso desordenado de colores y pinceladas; el abstraccionismo, que se compone puramente de puntos, líneas y superficies de color; y el expresionismo abstracto, que arroja, salpica y gotea pintura al azar sobre el lienzo. En los últimos cien años, ha habido muchas escuelas de pintura al óleo occidental moderna, una tras otra. Arte
Los artistas pueden crear cualquier aspecto de pintura al óleo siempre que utilicen herramientas y materiales de pintura al óleo como medio de modelado.
Con la continua expansión de los conceptos artísticos, los materiales de la pintura al óleo se combinan con otros materiales para producir un arte integral que no pertenece a un tipo de pintura específico. Por lo tanto, la pintura al óleo tiende a perder el tipo principal de pintura. en Occidente.
El estado de desarrollo de la pintura al óleo simple
La pintura al óleo es una de las pinturas decorativas más aristocráticas. Es puramente hecho a mano y puede copiarse o crearse según las necesidades de los consumidores, con un estilo único. Actualmente, las pinturas al óleo más populares en el mercado son generalmente paisajes, figuras y naturalezas muertas.
Con el desarrollo de la pintura al óleo moderna, a la gente le gusta cada vez más. Entre las pinturas decorativas modernas, una especie de pintura al óleo simple y sin marco (pintura decorativa sin marco) está impactando el mercado doméstico moderno con una tendencia de desarrollo. Rompe con el marco de las pinturas decorativas tradicionales, es individual y moderno, y es la tendencia de la decoración del hogar moderno.
Escuelas de Pintura al Óleo
Existen dos escuelas de pintura al óleo. La primera categoría son las obras creativas basadas en la reproducción objetiva; la segunda categoría son las obras creativas con expresión subjetiva.
En la primera categoría, aquellos que aparecieron después del Renacimiento, como el Barroco, Locke, Clasicismo, Academicismo, Romanticismo, Realismo, Realismo, Realismo Fotográfico e Impresionismo, se basan todos en la reproducción de la naturaleza. como base para expresar los diferentes pensamientos y propósitos del pintor.
Barroco - El barroco fue popular desde el siglo XVII al XVIII. El significado original de la palabra "barroco" es irregular, retorcido y grotesco. Aboga por la distorsión, la riqueza y la sensación de volumen del movimiento, y su lenguaje artístico es fuerte, exagerado, dinámico y llamativo. Estas son las características de la pintura barroca, y su figura representativa es Rubens.
Escuela Rocco - "Rocco" originalmente significa la forma de una concha. Su estilo artístico es complejo, delicado, esbelto y dulce, y fue popular en el siglo XVIII. Sus pintores representativos son Eduardo y Francois Bou.
Clasicismo y Academicismo - El clasicismo se basa en el respeto a los principios estéticos de la antigua Grecia y Roma. La composición es simétrica y equilibrada, el impulso es solemne, glorioso y sublime, la técnica es exquisita y la descripción. en profundidad. Este es también el principio que persigue la escuela académica. Como dijo Fassino, el fundador de la escuela académica, "La belleza es el objetivo más elevado de todas las obras de arte. Es una cualidad objetiva de las cosas, que consiste en orden, armonía, proporción y reglas". Entre sus escritores representativos se encuentran Rafael, Ángel, etc.
Romanticismo - El romanticismo se originó a principios del siglo XIX y su obra representativa es "La balsa de Medusa" de Gillick. La composición, la luz, el color, la dinámica y las expresiones de esta obra reflejan la rica imaginación del artista, rompiendo las líneas horizontales y verticales de la composición clásica. La luz es suave y uniforme, dando a la imagen una sensación de pasión. Este es también un elemento importante de la pintura romántica, que se centra en la catarsis y expresión de emociones.
Realismo - La pintura realista se refiere a mediados del siglo XIX. Los pintores liderados por Miller abogaban por expresar imágenes visuales normales y reflejar la esencia de la vida siendo fieles a los objetos. Entre sus obras representativas se incluyen "Suplementos de Miller".
Realismo y Realismo Fotográfico - El realismo, como decía su fundador Courbet en 1885: “Tal como lo veo, representa fielmente las costumbres, pensamientos y características de mi época. En definitiva, crear arte es mi propósito. "
El realismo fotográfico consiste en poner vida en la pantalla en forma de fotografía, como en "Close Shot of John". Dibuja una obra tomando primero fotografías o diapositivas y luego ampliándola sobre la tela a una escala diez veces mayor que la real, mostrando los detalles del objeto de manera más delicada y realista, como cada textura de la cara y cada cabello.
Impresionismo - El impresionismo fue un pintor del siglo XIX que salió del estudio para explorar los cambios instantáneos de luz y color en la naturaleza, rompiendo el concepto tradicional de colores inherentes, como que los árboles fueran azul verdosos y las sombras son negras. Objetivamente dibuja la influencia del color del entorno circundante en el color inherente. Entre sus pintores representativos se encuentran Monet, Seurat, Cézanne y Renoir.
Si las escuelas de pintura antes mencionadas siguen siendo la fiel representación de la naturaleza por parte del pintor, pero sólo la complementan, enfatizan y desarrollan, entonces la segunda categoría que se presenta a continuación, a saber, postimpresionismo, fauvismo, cubismo y futuroismo. , abstracción, surrealismo, etc. , ya no es una fiel representación de objetos objetivos, sino una creación libre basada en la intención subjetiva del pintor, y la mayoría de ellos aparecieron después del siglo XX.
Postimpresionismo: los pintores postimpresionistas enfatizan la autopercepción, el contraste de color y la estructura interna de las cosas. Los pintores representativos incluyen a Van Gogh y Gauguin. Esta escuela de pintura tuvo una profunda influencia en la pintura occidental moderna.
Fauvismo - El fauvismo expresa la pasión interior con formas exageradas, colores fuertes y líneas ásperas. Matisse es el fundador de esta escuela de pintura.
Cubismo - Escuela de pintura cubista, el punto de vista de la imagen ya no es una dirección, sino una expresión integral de las cosas, lo que permite reducir los objetos a formas geométricas. Sus fundadores son el pintor español Picasso y el pintor francés Braque.
Futurismo - Los pintores futuristas utilizan colores y líneas para expresar la velocidad y la intensidad del movimiento, así como su combinación y separación de forma abstracta.
Abstracción - La abstracción se basa en combinaciones abstractas de líneas, bloques, superficies y colores sin imágenes específicas. Su pintor representativo es el pintor holandés Mondl An.
Dadaísmo - El dadaísmo tuvo cierta influencia en el surrealismo posterior, la escultura móvil, el arte pop e incluso el posmodernismo.
Surrealismo - La escuela de pintura surrealista está influenciada por el intuicionismo de Bergson y la teoría del subconsciente de Freud, que aboga por la expresión del subconsciente humano y los sueños. Los pintores representativos incluyen a los pintores españoles Dalí y Miró.