Compré una armónica y quiero aprender a tocarla, pero no sé cómo.
Habilidades básicas para tocar la armónica:
Primero, interpretación de una sola nota
Hay dos formas de tocar notas simples, es decir, tocar una melodía. Una es estrechar los labios y apuntar a un solo agujero. El sonido producido por este método es denso y sólido, con cambios obvios de intensidad y timbre puro. Es fácil utilizar técnicas convencionales como la vibración del aire y el portamento, por lo que muchos músicos del mundo, especialmente los europeos y americanos, lo utilizan principalmente. este método.
Además, existe un método de "contención de agujeros", que los jugadores chinos denominan "nueva jugabilidad monofónica". El método es: abre ligeramente la boca, sostiene la armónica en la boca, tapa la mayoría de los agujeros de la izquierda con la lengua, dejando solo un agujero de la derecha para tocar. El sonido producido por este método es más suave y la armonía es más conveniente, pero el sonido está más disperso y el timbre cambia menos. Los dos métodos de tocar notas individuales tienen sus propios méritos y los intérpretes deben utilizarlos correctamente según las diferentes obras.
Para tocar una melodía se utilizan dos métodos de interpretación de una sola nota, con dos elementos básicos: legato y staccato. Debido a que la armónica es un instrumento respiratorio, un control inadecuado puede crear una sensación de desconexión. Este es un problema común que muchos reproductores tienden a pasar por alto, pero será obvio si lo escuchas con atención o lo grabas. ¿Cómo debería mostrar la armónica la conexión? En primer lugar hay que cantar la banda sonora según la concepción artística de la obra, y cantarla de forma coherente. Al tocar, nunca abandone el estuche del piano, independientemente de cómo toque notas individuales. Además, si usas una respiración y una respiración para conectar dos notas, la última nota se tocará un poco más débil que la nota anterior, lo que dará a las personas la sensación de estar conectadas. Respecto al staccato, significa que las notas staccato no son legato. Si tocas staccato con los labios contraídos, debes "escupir" el sonido como un instrumento de viento, es decir, la lengua emitirá un sonido de "escupir" en la boca y romperá el sonido. Este método está estandarizado y puede expresar mejor los requisitos de la música. Además, los movimientos de la lengua son los mismos tanto si estás soplando como si estás chupando. Cuando se repita continuamente el mismo sonido en la conexión, se debe escupir suavemente sin dejar de respirar y desconectar suavemente. Si utiliza el método staccato, no puede confiar en el movimiento de la lengua y sólo puede confiar en detener la respiración para desconectar esos sonidos inconexos. Al tocar la misma nota continuamente, algunos intérpretes todavía usan "tos". Este también es un método, pero hay que tener cuidado de no producir demasiados sonidos guturales.
La conexión y el staccato son dos técnicas básicas para la expresión de melodías. Lo anterior es sólo una breve introducción. Durante la interpretación, también se deben comprender y manejar cuidadosamente los requisitos específicos de las obras musicales.
En segundo lugar, el vibrato
El vibrato es una habilidad básica al tocar la armónica, que se divide en vibrato de mano y vibrato de aire. Al utilizar el vibrato, la música puede ser más vívida, detallada y llena de emoción.
Vibrato de mano: Pellizque la parte inferior del piano con las manos y ciérrelo para formar un espacio cerrado entre las dos palmas. Airee uniformemente con una mano (la mano izquierda se usa generalmente para la armónica cromática y el blues). armónica, y la mano derecha se usa para la armónica polifónica). Se produce un sonido ondulado al tocar. La velocidad de los movimientos de las manos depende de las circunstancias específicas de la música, pero deben estar bien controlados, los movimientos deben ser uniformes y los brazos y muñecas deben estar relajados. El trémolo de mano es una alternancia continua de apertura y cierre de la mano, basándose en la "vibración del aire" del lado del piano, por lo que no hay cambios en el tono. Este es un método de vibrato único para tocar la armónica que es diferente de otros instrumentos. A menudo se utiliza para tocar movimientos suaves y líricos, especialmente aquellos que decoran y embellecen notas largas, como el "Aria en la cuerda sol" de Bach y "Moonlight" de Debussy, en los que se utiliza ampliamente el vibrato manual.
Vibrato de aire: Se produce por la alternancia de una respiración fuerte y débil, al igual que el vibrato en los instrumentos de viento y la fricción de las cuerdas en el violín. También es un vibrato muy utilizado al tocar la armónica. Si el vibrato de mano es el vibrato de aire producido al golpear uniformemente la mano, entonces el vibrato de aire es el vibrato con tonos variables producido por cambios en la intensidad del flujo de aire expulsado por el intérprete, lo cual está en línea con el concepto tradicional de vibrato. . La vibración del Qi se puede practicar tocando notas largas. Primero sople el sonido de manera constante y luego aplique fuerza de manera uniforme sin interrumpir la respiración, produciendo así un sonido vibratorio que fluctúa hacia arriba y hacia abajo. Al jugar, se debe bajar la posición de la respiración, inhalar con el abdomen y usar presión abdominal para completar. Cuando empiezas a practicar, el sonido de soplo es más fácil de lograr, mientras que el sonido de inhalación es un poco difícil.
Lo mejor es reproducir el sonido de forma natural y relajada y prestar atención a la escucha. En comparación con el vibrato manual, el vibrato aéreo está más en línea con los principios acústicos, tiene una calidad de sonido espesa y hermosa, buena plasticidad, procesamiento musical más detallado y una fuerte expresividad. Esta técnica se utiliza más comúnmente en la armónica cromática y la armónica de blues.
En tercer lugar, el sonido deslizante
El deslizamiento se refiere a la forma de tocar de una nota a otra. Efectos como el portamento utilizado en instrumentos de cuerda o viento. Esta es una habilidad importante que hace que la armónica sea mejor que otros instrumentos de lengüeta (como el órgano y el acordeón). Su efecto de sonido es natural, suave y muy maleable, y se utiliza principalmente para tocar música pop, jazz y blues. Hay dos tipos de deslizamiento: deslizarse hacia arriba y deslizarse hacia abajo.
Cuando tocas slide en armónica cromática y armónica de blues, entrecierras los labios y haces un solo agujero. Debido a que la armónica polifónica tiene lengüetas dobles, es necesario cubrir la fila inferior de orificios de soplado con el labio inferior y soplar solo el orificio superior. Al tocar, el flujo de aire cambia de lento a rápido y los labios cambian de flojos a apretados, lo que hace que la caña presione hacia abajo, produciendo un sonido de caída (generalmente cayendo de dos a dos grados). Debido a la estructura de la armónica, es más fácil absorber el sonido y más difícil de tocar, lo que requiere experiencia y práctica cuidadosas por parte del intérprete. El portamento es el más utilizado al tocar la armónica, e incluso las notas características de la armónica de blues, b7 y b3, sólo se pueden obtener mediante el portamento.
El sonido de deslizar hacia arriba es opuesto al sonido de deslizar hacia abajo. Al principio, debes apretar los labios y respirar rápidamente, de modo que el sonido de la armónica sea dos o dos grados más alto que el sonido normal de Kong. Luego, relajas los labios, ralentizas la respiración y el sonido se desliza hasta el tono normal del agujero. Tocar el portamento es un poco más difícil que tocar el portamento, pero el principio es el mismo. La clave está en la comprensión que tiene el intérprete de la interpretación y la práctica científica de la armónica.
Al practicar, primero debes prestar atención al ajuste de la respiración y tratar de mantener la respiración hacia abajo para aprovechar al máximo la presión del abdomen sobre el flujo de aire. En segundo lugar, debemos prestar atención al tono, que es el concepto de tono de segundo grado y segundo grado. Sobre esta base, también debes estar familiarizado con el estilo y el contenido de la música para poder realizar la técnica del portamento de forma adecuada. Además, debido a la dificultad técnica del portamento, la calidad de la armónica también juega un papel importante en su interpretación. Sólo cuando eres flexible el sonido puede ser fácil y fluido.
En cuarto lugar, la interpretación de la armonía
La armonía se refiere a la armónica tocando acordes o tonos. La armónica puede producir sonidos desde varios agujeros al mismo tiempo y se puede soplar o inhalar, pero la armónica no es un genio ni un instrumento musical.
Hablemos primero de tocar acordes. Sabemos que con el método de múltiples agujeros, la lengua se puede soltar y los sonidos de varios agujeros se pueden hacer al mismo tiempo. Soplar puede obtener "1 3 5" e inhalar puede obtener "2 4 6 7". Según el modo mayor, sólo se pueden tocar unos pocos acordes, como el acorde principal "1 3 5", el segundo acorde "2 4 6" y el acorde de séptima "7 2 4". Muchos entusiastas de la armónica tocan algunas obras tradicionales y clásicas, pero la armónica ni siquiera tiene el acorde IV más básico "4 6 1" y el acorde V "5 7 2". Debido a la disposición especial, la armónica de blues sólo puede tener acordes "1 3 5" y "5 7 2 (4)". Debido a la relación de respiración y la relación estructural de la armónica, los acordes no se pueden combinar aleatoriamente para cumplir con los requisitos del color armónico musical, por lo que la armónica no es un instrumento que sea bueno para tocar acordes.
Al tocar la armónica tradicional, especialmente la armónica polifónica, existe un método llamado "acompañamiento", que consiste en tocar con agujeros, levantar la lengua e inmediatamente volver a colocarla en la posición original, produciendo un breve Acorde, con "∧" significa, también conocido como "acompañamiento", como "∧ ∧" o "∧". Este método de interpretación fue popular en las décadas de 1950 y 1970, y muchas canciones utilizan esta técnica de principio a fin. Este error armónico es obvio. Hoy en día, cuando la música está muy desarrollada y la gente tiene un alto nivel de apreciación, debemos afrontar este problema habitual desde hace mucho tiempo, porque no cumple con los requisitos de armonía y acústica, y no puede interpretarse arbitrariamente como "esto es un harmónica." Cualquier instrumento debe estar al servicio de la música, y la armónica debe hacer lo mismo.
El armonicista japonés de talla mundial Hideo Sato inventó la armónica menor en un intento de mejorar la armonía de la armónica, pero solo era adecuada para algunas piezas específicas, como la famosa "Luna sobre la ciudad del desierto". " , "Variaciones de Sakura". Pero para estas dos obras, durante la grabación, la armónica sólo tocó dos acordes adecuados, confiando más en el acompañamiento de la banda.
La "Canción de los Gitanos", que interpretó basándose en la música para violín de Sarasate, estuvo íntegramente acompañada por el piano. La armónica sólo tocó una única melodía y uno o dos acordes y dobles sílabas correspondientes a los acordes del acompañamiento del piano, demostrando así a la perfección. Capta la concepción artística de la obra original y se convierte en un modelo para tocar la armónica. Algunos armonicistas necesitan cambiar varias armónicas de diferentes tonalidades al tocar una pieza musical, no sólo para fines de afinación, sino también para el procesamiento armónico.
La armónica puede tocar un pequeño número de notas dobles mediante cambios en la boca y movimientos de la lengua, como terceras, cuartas, quintas, sextas y muy pocas segundas y séptimas. Sólo están disponibles tonos de octava doble para cada tono de la armónica. La armónica cromática tiene la ventaja de tocar dos tonos porque toca todos los semitonos. Sin embargo, la interpretación de los dos tonos debe basarse en las necesidades de la música y no puede utilizarse de forma arbitraria. En circunstancias normales, cada tono doble debe estar asociado al acorde de la obra original, lo que requiere que el intérprete aprenda teoría musical y conocimientos de acordes mientras toca la armónica, y domine y utilice correctamente la armonía de la armónica. En este sentido, los armonicistas europeos y americanos lo han estudiado más profundamente que nosotros. Aunque tocan principalmente notas individuales y a menudo utilizan bandas u otros instrumentos musicales como acompañamiento, en sus obras a menudo pueden tejer hermosas armonías adecuadas para tocar la armónica, lo cual es refrescante e impresionante. El famoso maestro de armónica Larry Adler es una figura representativa que explora la interpretación armónica. Utiliza ampliamente esta técnica en sus obras. Si escuchamos sus obras como "Rhapsody in Blue" y "Summertime", comprenderemos mejor el uso de la armonía.
La armonía es un factor importante en la interpretación musical. Si la melodía expresa una sola línea musical, entonces la armonía presentará un sentido tridimensional vertical lleno de hermosos colores, como un edificio que fluye. Al tocar la armónica, debes aprovechar tus fortalezas y evitar las debilidades. Además de trabajar más en la interpretación de la melodía, cada armonía tocada debe analizarse cuidadosamente y ser coherente con la armonía de la obra original, de lo contrario se producirán errores armónicos. A la larga, también destruirá la experiencia del jugador con los colores armónicos y creará una sensación de aburrimiento. Además, podemos notar la armónica sonando en algunas músicas o canciones. Generalmente la armónica toca una sola melodía, acompañada por una banda, piano o guitarra. Hago lo mismo cuando toco en una orquesta sinfónica o doblando una película. Esto no sólo cumple con los requisitos de la música, sino que también proporciona un mayor espacio para las habilidades de interpretación. La mayoría de los entusiastas de la armónica querrán aprender de él.