¿Cuál fue la antesala del período Barroco?
Descripción general:
Época: alrededor de 1600 a 1750, también conocido como el período del bajo sostenido.
Se divide en tres etapas: el período inicial 1600-1640 es el período formativo del estilo barroco;
El período de mediados de 1640-1690 es el período de finalización del estilo barroco.
El período tardío 1690-1750 fue el apogeo y la época perfecta del estilo Barrot.
Antecedentes: (motivo del ascenso)
La fuerza impulsora importante de este estilo fue la tendencia humanista del pensamiento en el siglo XVI.
El desarrollo de la cultura científica, especialmente el progreso de la ciencia experimental.
La religión sigue siendo muy próspera y la lucha entre el protestantismo y el catolicismo está utilizando este nuevo estilo al servicio de ella.
Contenido específico:
Las principales características de la música barroca
* * *Seis puntos
Dos convenciones de síntesis
Monteverdi propuso la idea de “dos convenciones”. Es decir, el "estilo antiguo" es la primera rutina y su nuevo método es la segunda rutina. Esta idea parece tener sus raíces en Platón, que enfatiza que la música debe estar al servicio de la letra.
2. Bajo sostenido
Es una melodía principal y textura sonora diferente a la textura polifónica renacentista.
Fuente: Bajo de órgano utilizado en la música de órgano de iglesia a finales de 2016.
Realización: al menos dos instrumentos musicales; 1 un instrumento básico que toca acordes 2 un instrumento bajo que toca el bajo.
La primera persona en acuñar el término continuo fue Vidana.
Importancia: La aplicación del continuo a lo largo del período barroco se ha convertido en una de las características técnicas más importantes de la música barroca.
3. Teoría de la emoción
4. Armonía tonal y contrapunto
Durante el Barroco se maduraron los sistemas de tonalidad y armonía de tonalidades mayores y menores.
La primera obra musical con un lenguaje tonal y armónico plenamente maduro fue creada por el compositor italiano Corelli.
La primera explicación teórica de este sistema armónico la dio el compositor francés Rameau, cuyo libro "Harmonics of Acoustics" se publicó en París en 1722.
5. Ritmo y notación
En la historia de la música, los cambios de ritmo suelen provocar cambios en la notación.
Los paseos típicos del barroco se dividen generalmente en dos categorías: uno es muy regular y el otro es muy libre.
Las líneas de compás aparecieron en el período barroco y se utilizaron sistemáticamente en el metro regular.
Se ha vuelto costumbre entre los compositores marcar el inicio de sus obras con una clave.
6. Música vocal e instrumental
El desarrollo de la música instrumental y la música vocal durante el período Barroco fue paralelo.
Música vocal: Surgieron nuevos estilos de canciones monosilábicas, óperas, oratorios y oratorios.
Música instrumental: El género de la música puramente instrumental ha tenido un gran desarrollo.
Fabricación de instrumentos musicales: la formación de la familia del violín; el violín original apareció en el período posterior;
El nacimiento y desarrollo temprano de la ópera
Época: Apareció en Florencia, Italia alrededor del año 1600.
Definición: La ópera es un tipo de drama expresado a través de la música. Es una forma de arte integral que integra arte, música, literatura, teatro, danza y otras artes relacionadas.
La producción de la primera ópera estuvo directamente relacionada con el evento "Camerata" de Florencia.
Formación: La antigua Grecia tuvo tragedias relacionadas con la música; el drama ritual medieval fue una especie de drama cantado; durante el Renacimiento, el drama con música se desarrolló más plenamente y apareció la ópera pastoral. A finales del siglo XV, aparecieron algunos interludios en algunas cortes italianas (todos los interludios estaban compuestos por música, en su mayoría melodías decorativas y acompañamientos armónicos simples).
La fuente más directa de la ópera es el entretenimiento de la corte en el norte de Italia a finales del siglo XVI y los interludios producidos en este evento.
Ópera temprana: "Daphne" es un drama pastoral creado por Linuccini y compuesto por Corsi. Perry tardó tres años en completarla y se representó en 1598.
Eurídice es la primera ópera con música completa, compuesta por Perry y Caccini y libreto de Linuccini.
Kavari Elie fue también uno de los primeros compositores de ópera.
En las primeras óperas, algunos papeles importantes solían ser interpretados por eunucos, lo cual era una convención.
Duro hasta la época de Mozart, Gluck y Meyer Bell.
No fue hasta principios del siglo XX que el Papa prohibió oficialmente el uso de cantantes eunucos en los coros.
Monteverdi y O'Flo
Claudio Monteverdi fue un gran compositor del primer período del Barroco. Sus obras fueron un importante puente desde el último Renacimiento hasta el Barroco.
En 1601, estableció su reputación y fue ascendido a músico en el Palacio de Gonzala.
En febrero de 1607 se representó en Mantua su primera ópera "Flo".
Las obras conservadas incluyen: tres óperas, un ballet, doce volúmenes de madrigales y cinco obras de música religiosa.
Su última ópera fue Poppia.
En los cinco actos del Sr. Flo, la proporción de recitación pura es muy pequeña, pero se utiliza una gran cantidad de madrigales, canciones monosilábicas, recitación y diversas formas instrumentales. Demuestra claramente la profunda visión de Monteverdi de la naturaleza humana y su capacidad para retratar la personalidad a través de la música.
Aunque esta no es la ópera más antigua, es el mayor logro artístico entre las primeras óperas.
Ópera en Roma, Venecia y Nápoles
Roma
Antecedentes: La ópera se desarrolló en Roma principalmente gracias al interés y el patrocinio de miembros adinerados de la iglesia.
Compositor y obra: "Yumilio" de Agaga Lee
Randy's Death O'Flo and St. Alessio.
Palacio Mágico de Rossi
El drama de Cavali Eli sobre el alma y el cuerpo
Venecia
Venecia, 1637 La primera ópera pública, Teatro di Se construyó San Cassino.
Compositor y obra: Andromeda Strain de Mannelli.
La mayoría de las 33 óperas de Cavalli se representaron en Venecia.
Calisto, Chiasson, etc.
Las manzanas de oro de Sesti
Nápoles
A finales de 2017, la creación y representación de ópera en Nápoles se volvió cada vez más próspera, alcanzando un pico sin precedentes, formando un grupo de 18 año La forma estándar de la ópera italiana.
Forma estándar:
Dos formas diferentes de recitación: 1 Recitación de canto seco, utilizada para diálogos o monólogos más largos, con solo continuo para la parte solista.
Recitativo acompañado, utilizado en escenas de tensión emocional y dramática. El solo está acompañado por una orquesta.
Volviendo al principio, el aria ha tenido un gran desarrollo.
Scarlatti
Es autor de 115 óperas y numerosos oratorios y oratorios.
Obras representativas incluyen "Grizelda", ]
Características: En sus óperas hay pocos temas mitológicos, y prefiere temas históricos con tramas rigurosas, los protagonistas son en su mayoría nobles que tienen; experimentó tormentas de amor, los finales solían ser finales felices; a menudo usaba recitativos de canto seco para escenas con mucho diálogo;
Organización de la banda de Scarlatti: cuerdas, continuo, oboe y fagot, ocasionalmente trompeta o corno francés.
Primeras óperas en Francia, Inglaterra y Alemania
Francia
Antecedentes: existe una fuerte tradición dramática con destacados dramaturgos Corneille, Racine, Mory Lament
El ballet tiene una larga tradición influenciada por la ópera italiana.
Compositor y obras: Lurie es el principal representante de la ópera francesa temprana. * * * Ópera (Tragedia Lírica) 13, incluyendo Almede y Alchester. Su obertura de ópera se llama Obertura Francesa (tiene dos partes: 65, 438+0 es Adagio, estilo de melodía principal; 2 es Allegro, estilo de fuga)
En 1669, se inauguró el primer teatro de ópera público de Francia en París está establecida.
Gran Bretaña, Inglaterra
La ópera británica recibió influencias tanto de Francia como de Italia.
El asedio de Rodas está generalmente considerada como la primera ópera inglesa.
Están "Venus and Adonis" de John Brough y "Dido and Innes" de Henry Purcell (fue el mayor compositor del período barroco británico, esta es su única ópera verdadera, basada en la tragedia de Dido). Reina de Cartago).
Alemania
Heinrich Schütz es un importante autor de música religiosa alemana.
En 1678, se estableció una ópera pública en Hamburgo, al norte de Alemania.
Compositores y obras: El compositor de ópera más importante de Hamburgo es Kaiser, que compuso 75 óperas en Hamburgo desde 1696 hasta 1734.
Otros fueron Matesson, Telemann y Handel.
Otros géneros vocales de gran escala
Oratorio
El oratorio es un género vocal de gran escala similar a la ópera;
Se originó en la iglesia ceremonial El canto congregacional surgió casi al mismo tiempo que la ópera;
La mayoría de los oratorios son religiosos y se interpretan en iglesias o salas de conciertos;
Tiene un narrador y enfatiza más en el coro que en en los movimientos escénicos y la configuración del vestuario;
Además de los coros, también se utilizan diversas arias, recitativos y cánticos utilizados en la ópera;
El compositor más importante que creó oratorios es. Giacomo.
Oratorio
Los oratorios pueden utilizar géneros tanto religiosos como seculares, tanto grandes como pequeños.
Roma fue el principal centro de la creación temprana de cantatas. Dos compositores prolíficos fueron Rossi y Malazzo Leigh.
Jacques Scarlatti es el compositor de cantatas más importante y prolífico (aproximadamente 600 canciones).
El oratorio religioso alcanzó la cima de la perfección en la creación de Bach.
Música Dolorosa
Un género antiguo que utiliza la música para expresar la historia de la Pasión de Jesús a partir de los evangelios bíblicos.
En 1650 apareció en Alemania una nueva música sufriente de estilo oratorio.
Música religiosa estilo concierto
Es una combinación de música vocal e instrumental
Importante compositor
"Saul" de Xu Ci, ¿Por qué me persigues?", un oratorio navideño y "Los Salmos de David" (su primera obra religiosa).
El desarrollo de la música instrumental
Nacen la fuga, la sonata y el concierto.
Conservatorio de Bolonia
Antecedentes: la vida musical pública de Bolonia se centra en las numerosas iglesias locales.
La Basílica de San Pedro es uno de los lugares más importantes;
Aquí comenzó la famosa Escuela de Bolonia.
La sonata se refiere a la música instrumental del período barroco y la cantata se refiere a la música vocal.
Hacia 1600, las sonatas se dividían en dos categorías: sonatas de iglesia y sonatas de cámara.
Características de las sonatas del siglo XVII: 1. La mayoría de ellas estaban compuestas para dos instrumentos agudos y bajo continuo.
Una sonata única se hizo popular gradualmente después de 1700.
Tres sonatas solista y sonatas para orquesta sin acompañamiento
Compositores y obras: Kazatti, Vitali, Corelli.
Corelli fue el violinista más influyente del periodo barroco. Compuso casi exclusivamente para instrumentos de arco, la mayoría de los cuales eran tríos populares en ese momento. Sonata en trío en fa menor
Música de teclado de diferentes países
La música de teclado durante el período barroco incluía órgano y fortepiano.
Alemania
Órgano
En el siglo XVII, el lugar más desarrollado para la música y la fabricación de órgano era Alemania. La mayoría de los compositores de órgano famosos se concentraban en Xinfeng. Camino. Religión alemana en el centro y norte de Alemania.
Géneros: Hay tres: tocata, fuga y obras basadas en himnos.
Existen cuatro tipos de música basada en el coro: fuga coral; preludio coral;
variaciones corales; fantasía de himno
Principios del siglo XVII, Países Bajos y Swerink. Los alemanes Sajt fueron importantes compositores de órgano.
Baxter Hood es el músico de órgano alemán más destacado a finales de 2017.
Fortepiano
Incluido clavecín y clavecín.
Géneros: Toccata; Fantasía; Preludio; Variaciones; Sonata;
Suite: sonatas de música de cámara de Italia, incluidas Allamande, Courante, Sarabande y Kig.
Compositor: Fromberg publicó tres volúmenes de suites para clavecín y contribuyó al establecimiento de la forma estándar de la suite barroca.
Italia y Francia
El compositor italiano para teclados más importante de la primera mitad del siglo XVII fue Fresco Baldi. Su colección más importante es "Flores de la Música".
La figura representativa de la música para teclado francesa es François Coupland. Sus obras representativas incluyen cuatro volúmenes de "Fortepiano Suite" y dos obras teóricas "Reglas de acompañamiento" y "El arte de tocar el clavecín". .
Conciertos
Los conciertos instrumentales barrocos se pueden dividir en dos categorías: concerto grosso (la forma más antigua de concierto instrumental) y concierto para solista.
Hacia 1682, Corelli completó su primer concierto en Roma.
El concierto solista es la forma más influyente.
Antonio Vivaldi fortaleció, perfeccionó y desarrolló el estilo concertístico barroco.
Varios maestros del Barroco tardío
Jean-Philippe Rameau
Fue el compositor, teórico y teclista más importante de la Francia del siglo XVIII.
Obras principales: 4 volúmenes de solos de clavecín; 1 volumen de obras de música de cámara; alrededor de 30 obras escénicas
Características: Sus óperas heredaron muchas cosas de la tradición luli, fortaleciendo su efecto dramático. , se utilizó acompañamiento de big band y más recitados de melodías, y se alargaron los coros y las entretenidas escenas de canto y baile en cada acto.
Su obra teórica más importante es "Acústica Armónica" publicada en 1722. Su teoría de la armonía funcional no sólo resumió la práctica creativa de esa época, sino que también influyó en la teoría de la armonía de los dos siglos siguientes.
Dominique Scarlatti.
Las obras representativas incluyen: 555 sonatas para teclado, todas las cuales son movimientos únicos. Cada pieza es similar a un estudio, lo que requiere que el intérprete resuelva algunos problemas en la aplicación de la técnica y la interpretación musical. Reproducción versátil de formas musicales de dos partes.
Richie Handel Georg Fried
Nació el 23 de febrero de 1685 en Halle, Alemania.
Pasó la mayor parte de su vida componiendo óperas, unas 40 de las cuales fueron los primeros oratorios cantados en inglés.
Su estilo de escritura es básicamente italiano.
Obras representativas: "Música del Agua" y "Mesías" (adaptación de poemas de la Biblia y del Libro de Oración Anglicano), divididas en tres partes, que describen el nacimiento, la crucifixión y la resurrección de Jesús respectivamente)<. /p>
Johann Sebastian Bach
nació en una famosa familia de músicos en el centro de Alemania.
En 1708, ejerció como organista en el Palacio de Weimar y compuso obras para órgano como "18 Hymns Prelude".
De 1718 a 1723 sirvió como director de banda del Príncipe Leopoldo de Coton, componiendo principalmente música instrumental secular. Volumen 1 de música para piano de ritmo uniforme, sonatas para violín sin acompañamiento, Conciertos de Brandeburgo, etc.
En mayo de 1723, se trasladó a Leipzig y se desempeñó como director musical de la Escuela Thomas y director musical de Leipzig. En ese momento, planeaba escribir cinco oratorios para el año eclesiástico y terminó completando dos. Existen más de 200 oratorios de Bach. También creó dos tipos de felicidad: la Pasión de Jesús. Estas obras trascienden las limitaciones de los rituales religiosos, son muy dramáticas y encarnan el profundo espíritu humanitario de las obras de Bach.
Obras importantes: "Balanced Piano Collection" es una obra muy importante en su creación musical instrumental. Cada obra cuenta con 24 preludios y fugas, 48 * * *. Explique que puede afinar libremente cualquier tecla utilizando los doce temperamentos iguales.
En 1721, recopiló seis de sus mejores conciertos y se los dedicó a Christian Ludwig, margrave de Brandeburgo, conocidos como los Seis Conciertos de Brandeburgo. Muestra su habilidad para escribir conciertos. La obra es a gran escala y utiliza una variedad de combinaciones de instrumentos solistas.
En 1733 compuso la Misa en si menor. Entre sus obras representativas posteriores se encuentran "Variaciones Goldberg", "Devoción musical" y "El arte de la fuga" (comenzó a escribir a mediados de la década de 1940 e hizo un resumen final de la fuga que alcanzó su apogeo en el período barroco).
Características de la música de Bach: 1. Las obras absorben ampliamente varios estilos y formas musicales populares en los países europeos a principios de 2008+65438, y los desarrollan a un nuevo nivel;
2Los dos Los factores opuestos de armonía y polifonía han alcanzado un equilibrio perfecto en la obra:
No solo tiene un tema muy conciso y personalizado, sino que también tiene una rica imaginación y una fuerte expresividad, y habilidades musicales extremadamente perfectas. .
Explicación de términos y contenido auditivo en este capítulo:
Explicación de términos:
El estilo moderno (estilo decorativo) se refiere al uso de discordia no preparada o solución informal.
Bajo continuo: Hay un bajo independiente que recorre toda la obra; arriba hay un precioso tiple decorativo.
Monótono: Nombre general para canciones solistas seculares acompañadas de continuo, que aparecieron en Italia en la primera mitad del siglo XVII.
Estilo de recitación: un estilo musical cercano al lenguaje.
Drama intermedio: especie de drama alegórico, oratorio o drama pastoral representado durante los intervalos entre comedias, que apareció en la corte italiana en el siglo XV.
Obertura Italiana: Considerada la antecesora de la sinfonía, consta de tres partes diferenciadas: rápida-lenta-rápida, con un adagio contrastado en el medio, y el allegro final en tres tiempos, con un ritmo similar a una plantilla de música de baile.
Fuga: utilizando estrictamente el género polifónico imitado por Canon.
Estilo fragmentado: textura arpegiada con ritmo delicado.
Concierto: Solista y coro, dos orquestas independientes y diferentes instrumentos se unen para actuar juntos. Este artículo introduce brevemente el significado del término "Barroco" en la historia de la música.
El barroco portugués, que originalmente significaba perla irregular, ahora se refiere al estilo arquitectónico lujoso de la Europa del siglo XVII y principios del VIII. Los músicos generalmente usan esta frase para explicar estilos musicales del mismo período (ver más abajo).
2. ¿Cuáles son las características de la melodía de la música barroca?
Las frases varían en longitud y tienen una respiración larga. Ya sea música vocal o instrumental, la melodía es extraordinariamente hermosa y compleja, con bastante ornamentación y patrones modales. Al igual que las melodías del Renacimiento, el desarrollo melódico suele caracterizarse por la figuración y el simbolismo. Lo que llama la atención es la clara naturaleza armónica de la melodía.
3. ¿Cómo era el ritmo musical durante el periodo Barroco?
Se divide principalmente en dos tipos de ritmo: ritmo libre y ritmo claro y regular. El primero se utiliza para recitales, toccatas, preludios, etc. , mientras que este último se utiliza en arias, fugas, danzas, etc. , permanece sin cambios durante el movimiento. Los dos ritmos se utilizan a menudo juntos, como en recitativos y arias, preludios (o tocatas) y fugas.
4. ¿Qué modo utiliza la música barroca?
El sistema de tonalidades mayores y menores reemplazó al "modo iglesia" del pasado.
5. ¿Qué es la armonía de la música barroca?
Se forma un sistema completo de funciones de tono mayor y menor y armonía centrada en maestro, subordinado y subordinado. La disonancia se utiliza para cambiar la tonalidad, haciendo que la armonía esté llena de poder y emoción. La invención de los doce temperamentos iguales en el siglo XVII está íntimamente relacionada con el pleno desarrollo del sistema armonioso.
6. ¿Qué son los graves continuos (también llamados bajos digitales o bajos continuos)?
Técnicas de composición únicas del periodo Barroco. Escribe una nota clara en la parte de bajo de la partitura para un instrumento de teclado (normalmente un clavicordio) y etiquétala con un número que explique la armonía (por ejemplo, el número 6 indica que debe tener la sexta y la tercera nota encima). El intérprete toca el bajo y la armonía de acuerdo con esta indicación, y el propio intérprete elige la disposición y la textura de los acordes.
7. ¿Cuál es la textura de la música barroca?
Domina la textura polifónica y su tecnología de escritura ha alcanzado un pico sin precedentes. La polifonía se diferencia del Renacimiento en que es un contrapunto basado en la armonía funcional. Al mismo tiempo, también existen muchas obras que utilizan texturas temáticas.
8. ¿Cuál fue la forma musical del período Barroco?
Se compone principalmente de estructuras de múltiples movimientos que contrastan entre sí en ritmo, velocidad y estilo, como suites, variaciones, conciertos, oratorios, oratorios, etc. , así como la relación entre preludio y fuga, se suele utilizar la recitación y el aria. La estructura interna de la polifonía es un continuo escrito a imitación (no segmentado), pero se aprecian elementos claros de presentación, desarrollo y reproducción. También hay estructuras segmentarias, variaciones, pasacalles y formas de cielo de verano en la melodía fija del bajo. [Conoce Canadá: rolia.net/forum Xia Feng Forum]
9. ¿Cuál fue el principal género musical en el período barroco?
Música vocal: Misa, música clásica, himnos, ópera, oratorios, oratorios, música de Pasión y una variedad de canciones solistas y corales.
Música instrumental: Toccata, Preludio, Fantasía, Fuga, Variaciones, Suite, Sonata (principalmente sonata solista y trío) y Concierto (concierto orquestal, concierto y concierto solista).
10. ¿Cuál era el talante de la música del periodo barroco?
Mantener una emoción básica dentro de una acción y crear contraste entre acciones.
11. ¿Cuál fue la fuerza musical del periodo barroco?
En lugar de buscar cambios sutiles para fortalecernos y debilitarnos gradualmente, adoptamos un claro "fortalecernos gradualmente".
Sección 1. El nacimiento de la ópera y sus inicios
1. ¿Cuándo y dónde nació la ópera? ¿Cómo nació?
Nacido en Florencia, Italia, a finales de 2016 o principios de 2017. Los miembros del club cameraata (que significa club o grupo pequeño) en la corte de Badi, Badi, Vincenzo Galilei y el erudito florentino May, nacieron a partir de una extensa investigación sobre las tragedias griegas antiguas.
2. ¿Cuáles son las formas musicales de la ópera?
La combinación de música y teatro se remonta a la antigüedad, incluida la tragedia griega antigua, el drama ritual medieval, el drama de misterio religioso, el drama de milagros, la suite pastoral renacentista, el drama pastoral, el interludio y otras formas.
3.Introducir musicales y dramas pastoriles.
Una obra de intervalo es una obra corta en la que se reproduce música entre dos actos dramáticos. Las obras pastorales son obras de teatro con música basada en temas legendarios o rurales.
4. ¿Cuál fue la primera ópera de la historia? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se basa esta historia?
< r o l i a. n e t
1597 "Daphne" fue escrita por Rinuccini y compuesta por Perry, basada en la mitología griega. Pero el marcador se perdió.
5. ¿Cuál es la primera ópera que se conserva? ¿Quién lo creó? ¿Dónde se basa esta historia?
En 1600, Nuccini escribió una obra de teatro y Perry y Caccini crearon "Eurídice". Basado en la mitología griega.
6. ¿Cuál es la forma musical en la ópera más antigua?
La parte vocal es principalmente recitación, complementada con un pequeño número de instrumentos musicales, utilizando continuo. La forma musical es relativamente simple.
7. Introducir la filosofía de creación de ópera de Monteverdi y sus primeras formas de ópera.
Principalmente para potenciar la musicalidad y la expresión emocional. El método específico consiste en alargar la línea melódica del recitativo para que pueda cantarse y alternar con canciones cortas, dúos y dúos pastorales para formar un contraste. Utilizó el acompañamiento de una gran orquesta y produjo fuertes efectos dramáticos mediante la vibración, el punteo y el uso disonante de instrumentos de cuerda. Añade pasajes instrumentales a la ópera, como la primera "Toccata" (más tarde obertura) y los bailes del medio. El patrón básico de la ópera se formó en su creación.
8. Enumera dos obras representativas de Monteverdi.
Sr. Flo (u Orfeo) y Arianna.
9. Siguiendo a Monteverdi, ¿quién fue la figura representativa de la ópera veneciana (la escuela veneciana en el ámbito de la ópera) en el siglo XVII?
Alumnos de Monteverdi: Cavalli (1602-1676) y Sesti (1623-1669).
10.18 ¿Quiénes son los principales representantes de la ópera en Nápoles (Nápoles), Italia (escuela napolitana o escuela napolitana)? ¿Cuáles son las características de sus creaciones?
Scarlatti (1660-1725). Dio gran importancia a la función lírica de la música en la ópera, enfatizó el poder expresivo de las arias y creó la estructura formal de Aba, que se llama "regreso al aria original" o "aria da Capo". Su orquesta era más completa y también compuso la obertura de ópera "rápido-lento-rápido" (llamada "Sinfonia" en ese momento).
¿Cuáles son las características de la ópera napolitana?
Céntrate en la belleza de la voz del solista y el efecto externo de la música, y busca la estilización del lenguaje y la forma musical. La textura musical es relativamente simple y presenta principalmente una melodía solista y un acompañamiento armónico simple. El inconveniente es la falta de autenticidad y poder dramático. Esta tendencia provocó el declive de la ópera en el siglo XVIII.
Introducción al recitativo y aria.
En la ópera (u oratorio), la recitación se utiliza para el diálogo de los personajes y el desarrollo de la trama. Su melodía se acerca a la recitación, utilizando arias para expresar las emociones de los personajes y expresar sus habilidades para el canto. La música es hermosa y hermosa, con una amplia gama.
13. ¿Qué es la recitación vernácula, la recitación (también traducida como recitación clara, recitación seca, recitación, recitado, recitación seca) y la recitación de acompañamiento (renacer obbligato, acompañamiento nato)? rolia.net/forum}Foro Xia Feng
El primero es un recitativo acompañado de clavicémbalo y bajos, utilizado principalmente para largos diálogos y monólogos. Este último va acompañado de una orquesta y se utiliza en escenas dramáticas tensas. Debido a que tiene las características de un aria hasta cierto punto, también se le llama aria o aria recitativa.
14. ¿Qué es "Da Capo Aria"?
El aria de tres pasos de Aba se puede reproducir con algunas técnicas libres y deslumbrantes según las preferencias del cantante.
15.A. ¿Qué es la obertura de ópera italiana creada por Scarlatti?
(Ver pregunta 10 de este apartado)
16. ¿Cómo se formó la ópera francesa?
Después de ser introducido desde Italia en el siglo XVII, inmediatamente mostró las características del francés: énfasis en la recitación, resaltando el ritmo y el ritmo únicos del francés; agregando una gran cantidad de escenas de danza a las óperas; las decoraciones eran extremadamente hermosas y, mostrando el estilo de la vida imperial; la obertura de la ópera adopta la disposición de tempo opuesta a la de Italia: lento-rápido-lento.
17. ¿Qué compositor sentó las bases de la ópera francesa?
Original de Lulli, Italia (1632-1687). (Para conocer el estilo de la ópera, consulte la pregunta 15 anterior)
18. Una breve introducción a la contribución histórica del compositor francés Rameau.
Escribió un gran número de óperas y obras para clavicordio, pero lo más importante es que publicó "Teoría básica de la armonía" en 1722, que sentó las bases de la teoría de la armonía moderna.
19. ¿Quién es la figura representativa de la creación de ópera británica? Por favor dame un trabajo representativo.
Purcell (1659-1695), entre cuyas obras representativas se encuentra "Didon y Eni".
20. Introducir el “canto de ópera” alemán.
Las óperas populares alemanas con diálogos son muy populares y la música tiene características nacionales distintivas. Tuvo una importante influencia en el desarrollo de la ópera alemana.
21. Introducir la pasión oratoria y el oratorio.
Oratorio: Letras de temas religiosos o épicos musicalizados, incluidos solos, dúos, coro y orquesta, e interpretados en iglesias o salas de conciertos. A diferencia de una ópera, un oratorio no cuenta con un equipamiento escénico complejo ni acción dramática.
Canto de la Pasión: Esta forma musical, al igual que el oratorio, cuenta principalmente la historia de Cristo Jesús siendo crucificado en la cruz.
Cantata: También traducida como coro, es un género con solista, dúo, coro y orquesta, con contenido religioso y profano. Al igual que el oratorio, no hay recursos escénicos ni acción dramática.