Art Story: La historia de los artistas que crean luces y sombras.
¿Es el arte realmente inescrutable? ¿Están realmente separados la gente corriente y el arte por montañas de dinero? "La historia del arte" de Gombrich ofrece una oportunidad para que la gente común y corriente "analfabeta en arte" entre en el umbral del arte occidental.
Gombrich cree que: Respecto al arte, no podemos ni santificarlo ni adorarlo ciegamente. Tampoco debemos tener prejuicios y considerarlo poco convencional y ajeno al sentido común cognitivo, ni menospreciarlo sin reservas. Ya sabes, todo lo que existe en el mundo tiene su propósito original, que puede no ser tan profundo al principio. Es solo que en el proceso de desarrollo, ha seguido evolucionando e innovando, y se ha convertido en una existencia de la que ahora no nos atrevemos a hablar fácilmente.
Comprender el desarrollo histórico del arte occidental, conocer a los artistas representativos de diversos períodos históricos y comprender sus estilos y características creativas. Nos acercará al arte y apreciará algo de ese mundo estético. Puede que no seamos artistas, pero si podemos disfrutar un poco del placer espiritual del mundo del arte, vale la pena experimentar la vida en el mundo.
Según la historia del arte contada por Gombrich, todo el camino del arte occidental sigue la historia del desarrollo occidental. Al menos antes de la Revolución Industrial a mediados del siglo XVIII, se puede decir que el arte occidental era una historia que seguía a la religión.
En las antiguas Grecia y Roma, esta era una era de adoración a los dioses. Desde esculturas hasta templos, la gente dotó al mundo del arte de la belleza más idealizada y la belleza más vital, que las generaciones posteriores llamaron el período clásico perfecto.
Con el surgimiento del cristianismo, el estatus de los dioses de la antigua Grecia y Roma fue reemplazado por la iglesia. Durante la larga y oscura Edad Media, la pintura se convirtió en una herramienta del cristianismo para propagar la doctrina y gobernar al pueblo. El arte medieval avanza lentamente a través de 1.000 años de oscuridad, buscando ese rayo de luz.
Giotto inició los albores del Renacimiento en el siglo XIV. El Renacimiento hizo que la gente mirara al cielo y regresara al mundo. Los llamados dioses en el arte han barrido con los estereotipos serios de la Edad Media y han sido dotados de las expresiones y movimientos que los humanos deberían tener. El artista fue apreciado por la iglesia por sus magníficas habilidades y talento, y se convirtió en el pilar de los murales de la iglesia.
En el siglo XVI surge la reforma religiosa. La iglesia perdió su poder y estatus, y los artistas que servían a la iglesia tuvieron que encontrar otra salida. El arte de la pintura pasó gradualmente de los murales de la iglesia a los retratos. Así pues, en Europa hay dos bandos principales: el catolicismo y el protestantismo. El ejemplo más típico es el de los Países Bajos, que pertenecen al campo protestante. Los artistas ampliaron infinitamente las categorías de la pintura para incluir retratos, paisajes y naturalezas muertas tradicionales, lo que hizo grandes contribuciones al desarrollo de los temas pictóricos de artistas posteriores.
Sin la Revolución Industrial de mediados del siglo XVIII, el arte occidental habría avanzado lentamente por el camino de la tradición clásica iniciada por el Renacimiento. Sin embargo, con el desarrollo de la revolución industrial, los artistas se volvieron cada vez más críticos con el arte tradicional, hasta que rompieron con el arte tradicional y se embarcaron en el camino de la modernización.
A partir del impresionismo de Manet y Monet, cada vez hay más escuelas en el campo del arte y los "ismos" son cada vez más populares. Si bien todavía no sabemos nada sobre la escuela anterior, la crítica ha propuesto la siguiente. El arte se ha desarrollado en una dirección que se desvía cada vez más de las capacidades cognitivas y de discernimiento de la gente corriente.
No importa si lo entienden o no, mientras lleven el gran sombrero del "arte", nadie se atreve a hablar con facilidad. No sé si esto es la tragedia del arte o la desgracia de los tiempos.
Todo sigue igual. Sólo mediante la innovación y el cambio continuos podremos seguir avanzando. Los Cien Jardines en el Reino del Arte son el lugar espléndido que son hoy gracias a los incansables esfuerzos de artistas desde la antigüedad hasta el presente.
La antigua Grecia tomó prestadas técnicas de pintura del antiguo Egipto para dotar a estas esculturas de algunas de las bellezas más armoniosas e idealizadas del mundo, desde el lanzador de disco hasta Hermes y Venus. Se puede decir que "no existe un cuerpo humano real en el mundo tan simétrico, uniforme y hermoso como las estatuas griegas".
La antigua Roma heredó el arte de la antigua Grecia, pero era un vasto y majestuoso imperio. La arquitectura de la antigua Roma no estaba satisfecha con el modelo de templo jónico relajado y elegante de la antigua Grecia. Los antiguos romanos construyeron un magnífico anfiteatro y un Panteón con cúpula.
Utilizando las habilidades y los logros artísticos de la antigua Grecia, desarrollaron su propio arte al servicio de la política y la religión. Sus estatuas están despojadas de la elegancia de la antigua Grecia y enérgicas en la búsqueda de la verdad. Una expresión tan fuerte contenida en un retrato tosco y humilde parece contarle a la gente el surgimiento del cristianismo y el fin del antiguo mundo occidental.
Durante la larga y oscura Edad Media de 1.000 años, el punto artístico más destacado fue la iglesia gótica con su magnífica arquitectura. No importa si el sustento del pueblo está deprimido o no, no importa si las guerras son frecuentes o no, la iglesia con poder y riqueza, para gobernar a la gente ignorante y darle a la iglesia la gloria del reino de los cielos, intenta hacer que el la gente se contenta con la dolorosa realidad de esta vida y disfruta de los dones del reino de los cielos en la próxima vida.
El Renacimiento despertó el despertar de la gente. Los artistas innovaron y crearon arte contemporáneo restaurando la gloria del arte griego y romano antiguo. Brunelleschi aportó perspectiva al arte de la pintura, y luego los artistas observaron como espectadores el pintor. Tema de pintura desde el culto a Dios hasta la vida secular de las personas. Tienen sus propios conocimientos sobre el procesamiento de luces y sombras, la estructura y la disposición de la imagen. Con el descubrimiento de esta serie de nuevas técnicas pictóricas se ha abierto un amplio camino para el desarrollo del arte occidental.
Aunque frente a los artistas, el Papa sigue siendo el mayor mecenas. Pero en la cima del arte renacentista, las pinturas e incluso los murales religiosos de los tres principales maestros del arte incorporaron la voluntad y los intereses propios de los artistas.
"La Última Cena" de Leonardo da Vinci está exquisitamente diseñada y llena de apasionantes conflictos dramáticos en una estructura equilibrada aparentemente relajada y natural. En la pintura del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel, el Profeta y el Santo Padre son todos atletas jóvenes y musculosos. Sus cuerpos se retuercen y giran en todas las direcciones posibles, pero siempre mantienen una bella imagen. La Virgen de Rafael parece estar llena de vida bajo su rostro tranquilo, lo que nos convence más de que la Virgen de su obra es una persona que vive en un mundo más brillante de amor y belleza.
En los países nórdicos excepto Italia, debido a la lenta influencia del Renacimiento, se tomó un camino completamente diferente. Los artistas conquistan el arte con la verdad. A partir de Jan van Eyck, deje que la imagen refleje el mundo objetivo como un espejo y obtenga la verdadera ilusión de la naturaleza. En Alemania, Holbein, influenciado por la Reforma, sólo pudo recurrir a retratos de la familia real. Para registrar fielmente las figuras, Halbai podía mostrar las figuras que pintó sin elogios.
En el siglo XVII, Rembrandt de los Países Bajos creó retratos de grandes hombres como si fueran personas reales paradas frente a nosotros. Parece que sentimos lo que ellos sienten, su dolor y su soledad.
Desde el Renacimiento, durante mucho tiempo, todos los artistas, ya sean italianos o europeos, sólo han innovado en cuanto a color, luz, luces y sombras, temas, etc. , pero no se desviaron del camino del clasicismo.
Hasta finales del siglo XVIII, los artistas sin empleadores habituales tenían que vender sus cuadros en exposiciones para llegar a fin de mes. Para llamar la atención, ya no hay ninguna restricción en cuanto al tema de la pintura. Los artistas se alejaron cada vez más de los estilos artísticos clásicos. Junto con el desarrollo de la revolución industrial y el surgimiento de la tecnología de la fotografía, el arte de la pintura que persigue imitar la naturaleza se ha topado con una crisis sin precedentes.
Con el surgimiento del impresionismo, Monet utilizó un pincel para pintar colores directamente sobre el lienzo, haciendo que los ojos de las personas prestaran más atención al efecto general del marco y menos a los detalles heredados de la escuela académica. .
El impresionismo fue criticado por la crítica al inicio de su nacimiento, pero parecía haber sonado el toque de clarín del arte moderno. Para ajustar el desorden de las pinturas impresionistas, Cézanne realizó innumerables experimentos y finalmente. creado Surgió una imagen estable y tridimensional. Inició el camino hacia el modernismo.
¿Por qué el arte se ha vuelto cada vez más “incomprensible” para la gente común desde su ruptura con el arte clásico? Quizás porque los artistas modernos están influenciados por los tiempos, sus intereses ya no se centran en el "tema", sólo quieren expresar la "forma". Intenté devolver el arte a la estética a través de la pura belleza formal, pero en la búsqueda de la innovación en las “formas”, olvidé cuál es el propósito del arte. De esta manera, el arte sólo puede ser una expresión personalizada para el propio entretenimiento del artista y tiene poca relevancia para la gente corriente.
Aunque el título del libro es "La historia del arte", Gombrich le dio al artista el estatus más alto porque el arte es el resultado de su creación. “No existe el arte, sólo artistas. Son hombres y mujeres con talentos asombrosos para equilibrar formas y colores para lograr el efecto 'correcto'.
”
El nacimiento de cualquier arte es utilitario. Ahora pensamos en el arte como estético, porque los artistas que crean pueden descubrir en la naturaleza una belleza que nosotros, la gente común, nunca hemos descubierto. Eligen colores y líneas, con los suyos propios. sentimientos e intereses, lo presenta en diferentes formas de expresión. Hasta cierto punto, la forma de expresión del artista simplemente satisface los requisitos estéticos de todos. La gente encontrará la obra hermosa y el arte surge. La belleza de "Mona Lisa" no es algo que se pueda obtener en cualquier momento, sino que es el resultado de la creación de Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci descubrió el "método de desvanecimiento" y logró la eterna y misteriosa sonrisa de Mona Lisa. Los "girasoles" son famosos por todos porque el arte puro creado por Van Gogh nos hace sentir felices y reconfortados al mirar las pinturas.
Las pinturas abstractas de Kandinsky nos hacen sentir felices. Sabemos que la pintura se puede apreciar como algo visual. La música. El método de pintura cubista de Picasso nos permite experimentar la armonía del caos. Picasso nos dice a través de su propia práctica: representar la naturaleza no necesariamente representa la forma en que nos aparecen las cosas, encontrando un ángulo único para expresarlas y describiéndolas en una ". manera adecuada", aún podemos producir un encanto duradero e inmortal.
Los artistas son los más dignos de elogio que el arte. Hombre. Todo el arte más simple nos parece contener las reflexiones del artista. Como el relieve de Nicholson de 1934, un círculo y un cuadrado componen el cuadro completo. Pero no podemos decir que esta obra sea mejor que la Virgen.
El pintor de la Virgen tiene técnicas, exigencias y objetivos tradicionales. una guía, y no tiene por qué tener demasiadas opciones. El pintor puede tener que pintar dos figuras en el lienzo al mismo tiempo. Ir y venir y probar innumerables posibilidades hasta que se sienta satisfecho. interesados como el pintor, no podemos reírnos del artista que busca problemas.
Las obras de arte son creadas por diferentes artistas, por lo que mostrarán varias formas. No hay diferencia entre lo clásico elegante y armonioso. La belleza y la belleza moderna exagerada y distorsionada, además, las características de personalidad de cada artista son diferentes en cada etapa, y mostrarán una variedad de colores que varían de persona a persona.
Esta. nos recuerda que al apreciar el arte, especialmente las grandes obras de arte, debemos abandonar los malos hábitos y prejuicios y pensar desde la perspectiva de un artista:
“Si vemos una pintura que no es lo suficientemente correcta, no Olvidemos que hay dos preguntas que debemos hacernos: una pregunta es si el artista cambió la forma de lo que vio sin motivo alguno. Otro problema es que no podemos acusar a un cuadro de ser incorrecto a menos que hayamos demostrado que nuestra opinión es correcta y el pintor está equivocado. ”
Además de corregir la posición que la gente común tiene sobre el arte, Gombrich también cambió la mentalidad de la gente común en cuanto a apreciar el arte. Nos dijo que aunque no todos necesariamente se conviertan en artistas, todos pueden o no convertirse en artistas. artista en vida, realizan más o menos creaciones artísticas, como arreglar un ramo de flores, combinar un traje, hacer un pastel y medir las proporciones de la crema y el pudín. Este comportamiento o hábito se considera "pobre y fastidioso". a los ojos de algunas personas, no son reconocidos.
Pero los artistas son sólo lo que pueden ser malos hábitos en nuestra vida diaria, a menudo reprimidos o encubiertos, pero que han sido devueltos al lugar que les corresponde en el mundo del arte. . "Desde este punto de vista, la diferencia entre los artistas y nosotros no es más que llevar al extremo el sentido de ritual y pobreza que se persigue en la vida cotidiana.
Por supuesto, apreciar el arte no se trata sólo de abandonar prejuicios y calmarse. Es muy fácil. Enfrentar el arte sin reglas, sólo aprendiendo y mejorando constantemente tu gusto estético podrás descubrir nuevos contenidos en el interminable mundo del arte y obtener ganancias inesperadas. " " es una historia del arte occidental escrita por Gombrich. En cuanto a los logros artísticos de China, Gombrich tomó el período comprendido entre el siglo II d.C. y el siglo XIII d.C. y enfatizó brevemente que los artistas chinos estudiaban el arte a través de la comprensión y la concentración. Escribió sobre las maravillas que permanecieron en sus corazones al dominar las habilidades de usar la pluma y la tinta. Sabemos que la discusión de Gombrich sobre el arte chino es sesgada y no lo suficientemente completa.
No podemos criticar a Gombrich, el conocimiento y la calidad de un occidental. comprensión del arte chino Al recordar la introducción de este libro, el anciano señaló que cuando se aprecia el arte, uno no puede defender su propio punto de vista y criticar a los artistas con arrogancia y prejuicios.
Pero a lo largo del libro, su comprensión e interpretación del arte chino no es tan profunda como la del arte japonés que aprendió habilidades chinas, lo que hace que la gente se pregunte si esto es la arrogancia y el prejuicio de todo el mundo occidental hacia el arte chino.
En lo que respecta a toda la historia del desarrollo del arte humano, no podemos evitar lamentar lo lamentable que sería para la historia del arte mundial sin el arte chino. Desde el siglo II d.C. hasta el siglo XIII, nació en China el "Prefacio a la Colección Lanting", conocido como "el mejor guión del mundo". "La pintura y los chinos" de Gu Kaizhi plantea la teoría del "encanto vívido" en la caligrafía y la pintura. En términos de esculturas, las elegantes y lujosas estatuas budistas de las dinastías del Norte y del Sur en las Grutas de Yungang en Datong, Shanxi, se convirtieron en los rostros seculares y amigables de Buda en las Grutas de Longmen en la Dinastía Tang, y luego se convirtieron en los hermosos y Delicadas estatuas femeninas de la dinastía Song en el templo Jinci en Taiyuan, Shanxi. Las pinturas de figuras y paisajes chinos habían madurado a mediados de la dinastía Tang, mostrando un gusto estético único.
Occidente durante este período se encontraba en el final del arte clásico, seguido por la Edad Media Oscura durante 1.000 años. Cuando la Iglesia occidental promovió la doctrina cristiana a través de pinturas, engañó al pueblo y consolidó el dominio de la iglesia. Los chinos localizaron el budismo introducido en China, y el budismo zen proporcionó alimento y asistencia al arte chino.
Los occidentales inventaron el método de la perspectiva, que se utilizó por primera vez para hacer más realistas y creíbles los murales pintados en las iglesias. La pintura china nunca se ha fijado en una perspectiva, ya sea vista de lejos o de cerca. No sigue las técnicas de luz, oscuridad y colores de sombras como la pintura occidental, pero el arte chino siempre ha sido el sustento de los ideales estéticos del pueblo chino.
El Sr. Feng Youlan dijo que China no tiene creencias religiosas porque a los chinos no les faltan necesidades espirituales aparte de los valores morales. La idea confuciana de "sabio interior y rey exterior" y la idea taoísta de "unidad de la naturaleza y el hombre" son sabiduría dejada por los antepasados a las generaciones futuras que pueden acceder directamente a la verdad. enfoque "religión-ciencia-filosofía" como el desvío occidental.
Con una filosofía existencial tan sabia integrada en el arte chino, incluso Gombrich tuvo que admitir que los artistas no eran considerados artistas en China desde el día en que nacían como lo eran en Occidente. En esencia, ésta es la diferencia entre las civilizaciones china y occidental.
Cuando entendemos el arte occidental y miramos hacia atrás para comparar, encontramos que el arte chino es grandioso y un tesoro para toda la humanidad. No podemos permitirnos olvidar nuestro orgullo artístico único ante la admiración del arte occidental debido a las omisiones y prejuicios de los occidentales.