Compartir la historia del arte occidental con todos (1)
El autor de "Una historia del arte occidental para todos", Jiang Xun, toma el tiempo como latitud, los artistas de diversas escuelas de arte y sus obras representativas como longitud, y regresa a la escena histórica, comenzando con un hacha de pedernal de la época prehistórica, que te llevará por el misterioso Egipto, la gran Grecia, la gloriosa Roma, el glorioso Impresionismo... y el extraño arte moderno y contemporáneo del Mediterráneo.
Este libro se divide en tres etapas y se dividirá en dos partes.
Uno: El arte desde la Prehistoria hasta el primer Renacimiento.
En 1940, uno de los primeros murales descubierto en la cueva de Lascaux, en el suroeste de Francia. Los temas de los murales son animales, incluidos bisontes, caballos, ciervos y retratos.
¿Por qué dibujamos los humanos? ¿Cuál fue el propósito de pintar estos bisontes y ciervos? Hasta el día de hoy, muchos estudiosos no han podido explorar los motivos detrás de la creación de estas pinturas rupestres del Paleolítico. Quizás podamos encontrar el punto de partida original de la creación artística humana.
Egipto es una de las primeras civilizaciones en formar un "estilo" en el arte humano. Los egipcios utilizaban líneas con gran precisión, con rigor matemático y una tendencia muy geométrica. El estilo artístico egipcio tiende a establecer un orden elevado. No importa cuán complejo sea el contenido, cuán confusa sea la escena y cuán retorcida sea la trama, los egipcios siempre parecen querer resumirlos en un símbolo geométrico, organizarlos de manera ordenada y colocarlos en un espacio regular.
El arte egipcio está muy relacionado con su comprensión de la muerte. Los egipcios creían que había otro mundo después de la muerte, donde la gente podía seguir viviendo. Por lo tanto, todo lo que tuvieron durante su vida tuvo que ser replicado a través de pinturas y esculturas y llevado al otro mundo. La mayor parte del arte egipcio que ven ahora proviene de excavaciones de tumbas, que pueden reproducir la vida y las creencias de los egipcios de hace cuatro o cinco mil años.
Hacia mediados del siglo VI a.C., este típico retrato juvenil surgió en la historia del arte griego. Los griegos lo llaman Kouros, que significa entre 18 y 20 años y está completamente desarrollado. ¿Qué cuerpo es este? La escultura es muy tranquila y cómoda, con una suave sonrisa en el rostro y músculos del pecho que parecen subir y bajar con la respiración. Está desnudo, como si no hubiera ropa más perfecta que este cuerpo; está seguro, sano y alegre, y ha llegado hasta nosotros paso a paso desde Grecia hace 2.500 años.
¿Por qué el cuerpo griego puede ser un capítulo único en la historia del arte?
Cuando contemplamos las esculturas griegas, encontramos que a sus creadores no les importa el estatus político, los derechos o el estatus social del cuerpo humano, ya sea rico o pobre, noble o humilde, o incluso ético. o el juicio moral, sea bueno o no, o malo, estos ya no son importantes en las esculturas humanas griegas. La mirada de los griegos sobre las estatuas humanas es simplemente una mirada "hermosa", como si estuvieran tratando de purificarnos del caos de la política, la sociedad, la ética y la moralidad a un único nivel de belleza a través de esta mirada enfocada.
En la época dorada del arte griego, había una mayor libertad en la expresión del cuerpo humano. Esta libertad provenía de la experiencia de la competencia física, lo que llevó a la renovación de la creación artística y la belleza. El bronce original de Mirón "El lanzador de disco" de alrededor del 450 a. C. representó la llegada de la Edad de Oro del Período Clásico.
Las grandes epopeyas y dramas de los griegos tocaron el mundo interior más profundo del ser humano, incluyendo el miedo, la ansiedad, la ansiedad ante la muerte y la resistencia al desastre. Quizás sea precisamente por esto que se produjeron grandes obras maestras escultóricas como "Laocoonte": padre e hijo fueron castigados por Dios y el cuerpo humano quedó enredado en una serpiente gigante. La tragedia de la naturaleza humana es conmovedora. Al mismo tiempo, tanto la Victoria como Venus confirman una de las páginas gloriosas más inolvidables de la historia del arte griego. En muchas sociedades donde la moralidad pedante suprime el cuerpo y los tabúes vulgares lo restringen, la libertad y la salud del cuerpo humano proporcionadas por el arte griego son una ilustración estética digna de seria consideración.
El arte romano, aunque Roma respetaba mucho la cultura griega y estudiaba la elegancia y la sublimidad de la civilización de las ciudades-estado griegas, todavía tenía su propio pragmatismo, aspereza y personalidad práctica únicos. Cuando piensas en Grecia, a menudo piensas en mitología, poesía épica y filosofía. Cuando se piensa en Roma, quizás lo que más emerge son los soldados y los políticos. Éste es el espíritu del estado de derecho que establece el orden y la disciplina nacional: el derecho romano es la base del derecho occidental. Esta personalidad pragmática se refleja en las esculturas, formando un estilo de fuerte realismo.
La gran población de Roma requería una planificación estricta. Para resolver los problemas de las zonas densamente pobladas, los baños públicos y las plazas de la ciudad de Roma constituyeron el primer ejemplo de la formación de las metrópolis occidentales modernas. Por supuesto, el edificio público más famoso de Roma es el Coliseo. Este enorme espacio circular tiene capacidad para 50.000 personas al mismo tiempo. Se puede decir que es el creador de la construcción de cúpulas esencial en las ciudades modernas. Solemne y majestuosa, con manchas de sangre de batallas entre bestias y humanos, la gloria inmortal de Roma parece todavía resonar en este enorme espacio circular.
Cristo en el arte cristiano primitivo es un concepto abstracto que representa la vida, la búsqueda de cosas bellas y la predicación de sonidos bellos. Al principio, el pintor no sabía cómo expresar su mirada de celos, por lo que utilizó a Flo, el dios griego de la música, para tocar el arpa y la música. En el arte, se consideraban herejías y encontraron un hermoso símbolo del sexo.
El cristianismo no presta atención a la existencia del cuerpo, enfatiza la abstinencia y abandona los sentidos. Con el tiempo, naturalmente me sentí fuera de lugar con las "imágenes sagradas" griegas que expresaban principalmente la belleza del cuerpo. Tras el auge del arte bizantino, la iconografía encontró su propia cara única. Los iconos son el cuerpo principal del arte bizantino. El propósito de la existencia de los iconos no es despertar la belleza visual de las personas, sino despertar la memoria de los santos en los corazones de los creyentes: recordar lo que dijeron y lo que hicieron. Por tanto, los iconos se van unificando gradualmente y resumiendo en símbolos fijos.
La Edad Media, que duró 1.000 años, desarrolló una forma de arte única en la historia del arte occidental, centrada en la fe cristiana. El tema del arte medieval era la fe cristiana, el arte no era el objetivo final. El objetivo final es encubrir el mal y promover el bien y promover doctrinas. Los artesanos de esa época eran creyentes y todos sabían infundir piedad y asombro en sus obras, lo que hacía que el arte medieval fuera completamente diferente de la belleza externa de Grecia y Roma, pero constantemente mostraba a la gente el poder de la fe simple con humildad y franqueza.
La fe cristiana persigue constantemente la sublimación espiritual ascendente desde la forma de la iglesia romana, que es una aguja que se desarrolla hacia arriba, formando gradualmente cúpulas y torres cada vez más altas. Después del siglo XII apareció la arquitectura gótica, que compitió por formar las características de las catedrales en vastas zonas de Europa con estructuras en desarrollo.
La arquitectura gótica se caracteriza por estructuras verticales ascendentes. Inicialmente, los arcos de medio punto romanos se modernizaron hasta convertirse en arcos apuntados. Para consolidar la estabilidad mecánica hacia arriba del arco apuntado, los arcos apuntados se cruzan para formar un "arco nervado transversal" para aumentar la altura. Los edificios góticos famosos incluyen la Catedral de Chartres, construida en 1134-1216, y la Iglesia de San Martín, construida en 1387, alrededor de 163-65438.
Sólo envueltos en una teocracia religiosa, las búsquedas personales realistas y los deseos físicos personales han sido reprimidos durante mucho tiempo y están ansiosos por una nueva liberación. Hacia el siglo XIV en Italia comenzó a brotar el despertar de la razón, formándose el gran movimiento renacentista.
El arte del Renacimiento temprano se centró en el despertar humano y reemplazó las antiguas formas teológicas con el análisis visual científico. San Francisco comenzó como un hombre común y corriente a pensar en el verdadero significado de la vida porque participó en las guerras y vio nacer y morir a la gente. Reformó la forma en que vivía la gente, el lenguaje que usaban y sus puntos de vista sobre Dios y la naturaleza. Dios ya no es la autoridad suprema. Dios está en los árboles florecientes de la primavera, en el canto de los pájaros, en el agua que fluye, en todas partes. Dios es el corazón de las personas que aman la vida y las cosas bellas.
Francisco tomó el nombre de San Francisco cuando predicaba sobre cosas ordinarias y llamaba al despertar interior. Muchos pintores utilizaron sus historias para pintar murales, y la mayoría de estos murales se convirtieron en las primeras obras de arte durante el Renacimiento.
El más famoso es Giotto. Giotto estuvo activo en la primera mitad del siglo XIV.
Se le conoce como el "padre de la pintura", muchas de las cuales representan a San Francisco de Asís. Cuando Giotto pintó La historia de San Francisco de Asís, le dio a San Francisco un cuerpo humano real. Ya no es sólo un dios, sino un ser humano de carne y hueso. Giotto hizo de todos los santos de sus obras carne y hueso reales. Giotto utilizó luces y sombras para crear un contraste entre la luz y la oscuridad en el cuerpo humano, lo que también creó una sensación de volumen y peso. Giotto también prestó atención a describir el fondo, las colinas, los árboles y los pastizales detrás de los personajes, con capas y una sensación de espacio. También se puede decir que fue el primer pintor durante el Renacimiento en utilizar el método de la "perspectiva" para crear el efecto de distancia en el cuadro.
El arte renacentista se centró en el despertar humano y reemplazó las antiguas formas teológicas con análisis visuales científicos. Giotto fue el primer pionero en abordar los temas de la pintura desde la perspectiva de la anatomía humana y el espacio, motivo principal por el que fue honrado como el "Padre de la Pintura".
Dos: Del apogeo del Renacimiento al final del arte rococó en los primeros años de la Revolución Francesa.
La palabra italiana "1400" siempre ha estado en la era de 1400, un período en el que las humanidades y el arte florecieron de manera integral. Estos 100 años produjeron grandes políticos y filósofos, y produjeron grandes obras de literatura y arte. Estos 100 años inspiraron la asombrosa creatividad de personas, como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael, etc., quienes establecieron el modelo del humanismo durante más de 400 años. años ha sentado las bases eternas de la creación artística occidental.
Estos 100 años se denominan en la historia Renacimiento, que significa "renacimiento", como si el espíritu humanista dormido hubiera despertado de nuevo después de la larga Edad Media. Parece que después de un largo, frío y oscuro invierno, ha llegado de nuevo la primavera; como si después de una larga pausa y la muerte, la vida renaciera y la alegría y la luz regresaran al mundo.
El nacimiento ha significado durante mucho tiempo el nacimiento de Jesucristo, pero ¿significa el nacimiento algo más? Cada uno debería tener un sentimiento especial de gratitud y bendición por el nacimiento de su vida. En aquella época los mitos griegos fueron retraducidos y releídos. La alabanza del cuerpo y el amor por el cuerpo perfecto en la mitología griega han conmovido a muchos artistas. Aunque la iglesia todavía tenía muchas restricciones estrictas y consideraba herejes a los dioses griegos, los hermosos cuentos de hadas apelaban al amor de la gente por la belleza. El nacimiento de Venus, la diosa del amor y la belleza, surgió de las olas del mar, y el artista no pudo evitar pintar la legendaria y bella escena.
Botticelli marcó el comienzo del apogeo del Renacimiento. Su "El nacimiento de Venus", que tomó como tema la mitología pagana griega, rompió los tabúes cristianos y representó audazmente la desnudez femenina. Quería dar sentido al renacimiento físico.
Leonardo da Vinci fue un genio típico del Renacimiento. Su talento no se limitó a la pintura. Conocía bien la arquitectura, la anatomía, la química y la mecánica de fluidos. Experimentó con los primeros aviones y submarinos humanos, diseñó presas y puentes e hizo observaciones únicas de plantas. Leonardo da Vinci observó todo con ciencia racional, rompiendo la autoridad de la teología y exponiendo el poder concreto del conocimiento escondido detrás de la teología. Estudió las proporciones del cuerpo humano griego antiguo y trató de encontrar la forma humana más perfecta.
Escapó de la prohibición de la iglesia y se escondió en un cementerio. Utilizó un método muy científico para diseccionar 30 cuerpos humanos, utilizando dibujos y anotaciones detalladas para registrar las diferencias en venas y arterias, su comprensión de las diferentes aurículas y ventrículos del corazón, la estructura del útero femenino y la composición del sistema digestivo, sistema respiratorio e incluso el cerebro. Fue un pionero en anatomía, patología y medicina modernas.
Si Leonardo da Vinci es el pináculo del Renacimiento, entonces Miguel Ángel es la roca más vanguardista de este pináculo. Leonardo da Vinci es tranquilo y misterioso, lleva a la gente a un mundo profundo y tranquilo, mientras que Miguel Ángel está lleno de pasión. Es como el viento rugiente y el mar turbulento, lo que hace que la gente experimente un gran impacto vital en sus obras. Miguel Ángel es conocido por primera vez por sus esculturas. A la edad de 23 años murió por Cristo, lo que le valió el estatus de maestro. A los veintiséis años, el ayuntamiento de su ciudad natal, Florença, le encargó esculpir una estatua de David que representara el espíritu de la ciudad-estado. Muestra fascinación por la belleza masculina de los hombres griegos.
Cuando Miguel Ángel tenía unos treinta años, recibió el encargo de pintar el techo de la Capilla Sixtina para el Papa Julio II en el Vaticano.
En la pintura, Mi utiliza luces y sombras tridimensionales talladas para tratar el cuerpo humano, lo que hace que la gente mire hacia arriba, como un torbellino, lo cual es impactante. Esta obra desarrolló la asombrosa creatividad escondida en su corazón y sentó un ejemplo inmortal para la creación humana.
Miguel Ángel vivió hasta los 89 años. Creó obras ricas y majestuosas a lo largo de su vida, mostrando el coraje y la ambición de los hombres. Rafael era 8 años menor que Miguel Ángel, pero murió joven a la edad de 37 años.
Le importa más la pintura en sí y sus obras brindan a la gente mucho placer visual puro. Tanto Leonardo da Vinci como Miguel Ángel tocaron el corazón de la gente. Son más bien filósofos o pensadores que exponen la inquietud de la vida. Rafael, en cambio, es puro e inocente. No parece haber mucho estímulo por parte de la pasión de la vida y su personalidad es amable y pacífica. La exquisita perfección de sus obras marcó la pauta del Renacimiento.
¿La escuela veneciana? Si el Renacimiento de China es una tradición humanista basada en una base industrial estable, entonces Venecia tiene más que ver con la fantasía, más con el misterio emocional y el romance, más con los deseos realistas y más con la diversidad.
Bellini debería ser la primera figura importante al frente de la Escuela Veneciana. Aprendió técnicas de pintura al óleo del pintor del norte de Alemania, Durero. El brillo, el color y la delicada textura de las pinturas al óleo dieron a la escuela veneciana una belleza refinada, y el interés único de los pintores venecianos por la naturaleza también incluyó descripciones de paisajes en algunas pinturas con temas religiosos o mitológicos.
La Escuela de Pintura Veneciana fundada por Bellini se formó junto con Giorgione y Tiziano, y gradualmente estableció su estatus principal en la pintura europea.
Venus es el tema favorito de la Escuela Veneciana, pero generalmente se coloca en escenarios naturales, lo que indica que es un dios en el cielo, no una mujer en la tierra. La famosa "Venus de Urbino" de Tiziano es la primera pintura en la historia del arte europeo que invita a la diosa al dormitorio. Según el mito de Venus, Tiziano ya no alaba a la diosa, sino a los recién casados de ricas familias de comerciantes, llenos de una vida dulce y feliz. La mujer del cuadro es más "humana" en términos de disfrute y satisfacción, y ya no sueña con Dios.
Renacimiento del Norte, el Norte generalmente se refiere al centro cultural europeo de esa época, el área al norte de Italia, incluidas las áreas germánicas, Bélgica, los Países Bajos y otras áreas holandesas que aún no habían establecido un país. en ese momento, incluida parte de Francia.
La Escuela de Pintura del Norte, especialmente la Escuela de Pintura Flamenca en los Países Bajos, es particularmente buena para representar la realidad de la vida con delicadas técnicas de pintura al óleo. Van Eyck es uno de los más emblemáticos. Generalmente se le considera el primer fundador de las técnicas de pintura al óleo occidentales.
Bosch de la Escuela del Norte fue el creador del movimiento de vanguardia surrealista en el siglo XX. Con compasión, lamentó la perversión y la depravación de la naturaleza humana, examinó el engaño, la crueldad, la perversión del deseo y la codicia en los corazones de las personas y proporcionó una perspectiva completamente diferente sobre la naturaleza humana.
Algunas de las pinturas de Bruegel son similares a las de Bosch. También utilizan "El paraíso perdido" o "La caída de los ángeles" como temas, pintando pesadillas surrealistas de la naturaleza cambiante de la naturaleza humana. Pero describe más sobre la vida de la gente común en el mundo, como las "bodas campesinas", las celebraciones y tazas y platos de la población rural, y la sopa caliente servida en la cocina, que están llenas del lado simple y real de la vida popular.
La tradición del arte occidental, en lo que respecta al Renacimiento italiano, se centra en la celebración de los dioses griegos y los sabios cristianos, y la gente corriente rara vez se convierte en el tema de las pinturas. Bruegel no sólo utilizó la "gente" como tema, sino que también evitó la imagen de empresarios aristocráticos y eligió como tema a la gente corriente con menos vida en la tierra. Dio ejemplo para la tradición de la gente corriente y sentó las bases del realismo que surgió después del siglo XIX.
Alrededor del siglo XV, el centro del arte europeo todavía estaba en Italia, y los grandes logros del Renacimiento llenaron de añoranza a los artistas del norte. Durero fue el primer pintor que pintó un autorretrato, Durero fue el primer pintor que fusionó las escuelas de pintura del Norte y del Sur, Durero fue el primer pintor que dibujó directamente sobre escenas naturales y Durero fue el primer pintor que realizó una colección de grabados. .
Con el riguroso espíritu científico de la Escuela de Pintura del Norte, integró la estética del Renacimiento italiano y la noble estética clásica, integrando las escuelas de pintura regionales originalmente fragmentadas, que también presagiaron la siguiente etapa de la pintura europea. del arte de estilo internacional.
Las figuras representativas incluyen El Greco y Caravaggio.
Muchas de las obras de El Greco están relacionadas con la religión, tratando el cuerpo humano con líneas alargadas e inclinadas. Sobre el fondo de nubes oscuras, el santo religioso parece infinitamente melancólico, mirando con compasión los sufrimientos del mundo. Greco rompió el equilibrio clásico y la simetría del Renacimiento, absorbió la composición diagonal de la escuela veneciana, reforzó el contraste entre la luz y la oscuridad e hizo que el cuadro exudara una luz misteriosa. El cuerpo humano ya no parece un cuerpo real, sino que flota en el cielo, más bien como un alma en el vacío.
El Greco cambió el movimiento del Renacimiento al secular, volvió a la antigua religión medieval y trató de encontrar el poder puro y piadoso de la fe desde lo más profundo de su corazón.
Caravaggio sólo vivió hasta los 39 años. Ha estado entre civiles toda su vida y ha visto el juego y la avaricia, la promiscuidad y la crueldad en la vida, y a gente corriente peleando y discutiendo por asuntos triviales. Carbacho reflexiona: ¿Qué es "persona"?
Estaba apegado a las bellezas, hermosas y jóvenes adolescentes, vistiéndolas como antiguos dioses griegos, abrazando abundantes frutas o llevando coronas de flores y hojas en la cabeza, instrumentos musicales y uvas en las manos. Calamacho estaba obsesionado con los cuerpos juveniles de los niños hermosos de este mundo, y al mismo tiempo veía la degradación y decadencia de los cuerpos. Con pinceladas muy hábiles retrató el vacío detrás de la juventud, como las manchas de aquellos frutos abundantes que comenzaban a pudrirse tras ser comidos por las polillas. (Preste atención a la fruta podrida en la imagen de abajo)
Caravaggio estaba apegado a la juventud, pero vio corrupción, apegado a las cosas materiales, apegado a la belleza, pero expuso la fealdad, anhelaba renacer, pero vio la muerte. Se entregó a la lujuria, cometió crímenes, mató gente y escapó con una soledad oculta, vio la degradación, la pobreza y la frustración espiritual de su vida.
Vio que todos los maestros del Renacimiento alababan el éxito y la sublimidad, y alababan a David según la tradición. El David de Caravaggio es un joven apuesto que sostiene en la otra mano la cabeza ensangrentada de un perdedor que acaba de ser cortado, y fue el propio Caravaggio quien hirió gravemente la cabeza solitaria. Subvirtió la belleza, se avergonzó, se hizo feo. Apareció frente a todos desesperado, sin ocultar su fracaso y su trágica lesión.
Caravaggio delata sublimidad, majestuosidad y belleza. Si todo el mundo se considera un David exitoso, apuesto, inteligente y justo, Caravaggio sonrió irónicamente, entonces ¿quién es el feo, insultado y despreciado troll Goliat al que todos han derrotado?
Caravaggio se pintó a sí mismo como Goliat. Este es el primer autorretrato como traidor en la historia del arte occidental. Encontró un nuevo punto de partida para el arte occidental moderno, avanzando hacia la autoanatomía, la autoexposición y la autorredención.
Se situó en la cima de la historia con su actitud moralmente arrogante, chocando con la ética y la moral a las que la gente estaba acostumbrada. Subvierte la tradición y devuelve la vida a su estado desmantelado. Sólo puede ver su propia fragilidad, deseo, avaricia, depravación y desesperación. Escribió sobre su crimen irreparable. No fue al paraíso que todos anhelaban. Con lágrimas en los ojos, caminó solo hacia el infierno ardiente.
Movimiento barroco, en el siglo XVI, las iglesias de toda Europa sospechaban que el espíritu pobre y sencillo del cristianismo primitivo había sido distorsionado. La iglesia centrada en el Vaticano llegó al poder y se convirtió en un grupo de interés que competía por el poder. y riqueza. Se llevaron a cabo diversas formas de reforma religiosa en diversos lugares y, al mismo tiempo, aumentó el conocimiento racional del pueblo. Científicos como Galileo y Copérnico estudiaron el universo y los cuerpos celestes, lo que aflojó y desintegró el sistema teológico de la iglesia en el Génesis. El descubrimiento de nuevas rutas marítimas permitió a los aventureros demostrar mediante la navegación que la Tierra era una esfera, lo que también condujo al Gran Descubrimiento Geográfico.
A lo largo del siglo XVII, las viejas fuerzas eclesiásticas intentaron salvaguardar y consolidar sus intereses y lanzaron la Contrarreforma. Por otro lado, el pensamiento racional y el espíritu cuestionador de la gente comenzaron a establecer nuevas direcciones de pensamiento estético. Múltiples valores coexisten en una era de conflicto entre lo viejo y lo nuevo, y se han producido cambios cualitativos integrales en la arquitectura, la escultura, la planificación del paisaje urbano, la pintura y otros aspectos. Este movimiento artístico europeo que perduró durante todo el siglo XVII e incluso hasta el siglo XVIII se llama "Barroco".
El nombre Barroco se utilizó en toda Europa, pero dio lugar a diferentes formas de Barroco en cada región.
Entre las figuras representativas se encuentran Bernini y Rubens de Italia, Velázquez de España, Rembrandt y Vermeer de los Países Bajos.
La más famosa "Las Meninas" de Velásquez, a su manera habitual, utiliza el espacio reflejado por los espejos para registrar por un lado la escena en la que pintó al rey y la reina, y por otro para describe a la joven El incidente fortuito de la princesa y su escolta irrumpen repentinamente en escena.
Velásquez utiliza una visión espacial de múltiples capas para lograr un efecto extremadamente rico. El propio pintor pinta. Sostenía su paleta y su pluma, y reyes, reinas y princesas se convirtieron en sus modelos. El pintor se da cuenta de que él es el verdadero rey del mundo creativo. Ya no era un pintor real sumiso al poder secular. Encontró un significado independiente para el Creador. "La Meninas" es una obra maestra inmortal en la historia del arte occidental, que inspira constantemente a creadores posteriores, como Picasso en el siglo XX, a buscar todos los elementos avanzados de la creación moderna de vanguardia en este clásico.
En el siglo XVII, después de un largo período de dominio colonial español, los Países Bajos finalmente triunfaron en la guerra de independencia de 80 años y se convirtieron en un país independiente. En este contexto, el barroco holandés no reside en el tema de Dios y la religión, sino en su creencia en el trabajo del hombre mismo. La pintura ya no está ligada a la religión ni a la corte. Pinta los corazones de las personas que han regresado a sus tierras extranjeras y celebra la vida. Los pintores pintaron paisajes naturales, retratos de ciudadanos y materiales propiedad de personas. El auge de la pintura de paisajes, los retratos y las naturalezas muertas reemplazó a las pinturas religiosas o históricas tradicionales y se convirtió en la mayor contribución del Partido de la Pintura Holandesa al arte occidental.
Rembrandt es el pintor barroco más típico de la Escuela de Pintura Holandesa del siglo XVII y el maestro de pintura más influyente en el arte occidental de los últimos 300 años. Su obra más importante, "Night Patrol", representaba un desfile de la milicia en Amsterdam, con una imagen enorme y muchos personajes. Pero Rembrandt rompió el método rígido de los retratos colectivos holandeses de esa época, haciendo que los personajes de la imagen fueran numerosos y dispersos, y que la profundidad visual del campo fuera rica. El Capitán Coke en el centro de la pintura extiende su mano izquierda hacia adelante, la retrae hacia adelante y la retira, de modo que el avión atrae espacio y genera impulso hacia adelante.
Rembrandt heredó la tradición de los autorretratos de la Escuela del Norte. Comenzó a registrar su apariencia a la edad de 23 años. A través de un método tranquilo y objetivo, parecía ser otro yo en el espejo, viéndose pasar de la juventud a la madurez, de la madurez a la decadencia, de la exuberancia juvenil a la vejez. Rembrandt creó casi un centenar de autorretratos a lo largo de su vida, que se convirtieron en el retrato anatómico más riguroso de sí mismo en el arte occidental.
El barroco de Rembrandt no es en modo alguno una vanidad religiosa o cortesana, sino que describe el fenómeno de la vida de la manera más profunda. Contiene pleno entusiasmo en su calma condensada y se desarrolla desde técnicas realistas absolutamente precisas hasta riqueza y suavidad. Innovó y subvirtió la pintura, e hizo de la pintura la salvación final de su trágica vida.
Vermeer no produjo muchas obras durante su vida. Las más de 30 obras transmitidas hasta ahora no son muy extensas y los protagonistas son en su mayoría mujeres: leen, cosen, preparan el desayuno día tras día o leen cartas. No tienen emociones fuertes en sus vidas ordinarias, simplemente viven vidas ordinarias y reales.
El Barroco fue en realidad una época de valores diversos. Rembrandt y Vermeer se completaron cada uno a su manera, aportando un pensamiento estético en diferentes direcciones. Los estilos barroco español, belga y holandés también produjeron estilos estéticos diferentes debido a sus ambientes especiales. El barroco es una corriente principal importante, pero no afecta el estilo único y autoformado de la cultura local.
En la época barroca del siglo XVII, apareció en Francia Latour, un destacado pintor espiritual civil. Latour describe la vida de la gente común de una manera extremadamente realista, describiendo sus bromas, juegos de azar, fraudes o robos. Mira los pequeños engaños y los malos engaños de la naturaleza humana con un ojo ligeramente irónico, o comienza a robar bienes ajenos, o hace trampas en los juegos de cartas. Lo maneja con un estilo de escritura tranquilo y realista, pero resalta las expresiones disfrazadas de los personajes. y está lleno de dramatismo.
El arte rococó, el arte dominante de la corte antes de la Revolución Francesa, defendía estilos decorativos ricos, hermosos y complicados. El pintor representativo es Hua Tuo. Tiene muchas decoraciones palaciegas. Utiliza el cuerpo de la antigua diosa griega como tema. Los colores son brillantes y llamativos. Tanto a hombres como a mujeres les encanta disfrutar.
La expresión más típica de la belleza erótica y del placer del rococó debería ser Boucher.
Pintó muchos cuadros con el tema de las damas de palacio, principalmente las concubinas imaginarias del Palacio Oriental. Sirvieron a hombres desnudos, lujuriosos, boca abajo y algunas joyas de seda orientales, haciendo alarde de la belleza femenina en una atmósfera de lujuria ilusoria. Sus técnicas de pintura son exquisitas, los colores son brillantes y las emociones provocativas, que es un estilo típico rococó.
Al mismo tiempo que el arte rococó, Chardin desarrolló un estilo pictórico completamente diferente a la moda rococó. Tomó como tema la vida civil y describió a los trabajadores sirvientes en el taller del sótano. Escribió sobre su vida laboral en un estilo tranquilo, que recordaba a la gente la tradición civil del realismo español del siglo XVII. Esos barriles de madera llenos de agua y esas vasijas de barro esperando a ser limpiadas muestran el lado simple y real de la vida. Chardin centró su atención en la cocina, pintando temas como un trozo de tocino, una botella de aceite de oliva y algunos azucareros, que resaltaban la autenticidad de la vida civil.
(Eso es todo por la primera parte de este libro. El contenido del libro son solo algunos fragmentos representativos. Si quieres saber más, puedes comprarlo en línea o en una librería. "The West" Todo el mundo habla de historia del arte") -Chang Geng Studio