El papel y la estética de las líneas y los colores en las obras de arte.
Resumen: Las líneas, o líneas, son un elemento de forma visual que existe en la vida real o en obras artísticas, porque muchas veces coexisten con factores visuales como la forma, el cuerpo, el color y la luz.
Palabras clave: apreciación del arte, creación y práctica del arte
Línea, o línea, es un elemento de forma visual que existe en la vida real o en las obras de arte. Debido a que a menudo coexisten con factores visuales como la forma, el cuerpo, el color y la luz, las líneas en los conceptos de modelado a menudo se asocian con la generalización y la abstracción visual. Sin embargo, la formación de estas habilidades debe entrenarse a través de la práctica de la apreciación y la creación artística. El color en la pintura es la fuerza vital de la obra. Sin embargo, al igual que otros tipos de arte, el concepto de arte del color ha ido cambiando constantemente gracias a los esfuerzos y exploraciones de artistas de todas las generaciones durante un largo período histórico. Hoy en día, reproducir de manera realista el color de los objetos y expresar la textura de los objetos en pinturas no es el objetivo final del color. El color en sí debe ser totalmente expresivo y relativamente independiente.
1. Utilice el modelado de líneas para apreciar obras de arte chinas y extranjeras para mejorar la comprensión de los estudiantes. ¿Cable? La capacidad estética de esta forma de arte.
La línea es el método de modelado más básico en el arte, ya sea una obra bidimensional o tridimensional, es el factor básico que constituye la imagen del arte visual ya sea realista o decorativa; ya sea abstracto o concreto, en el desarrollo a largo plazo del arte en proceso. ¿Cable? Como lenguaje artístico para que los artistas creen imágenes y expresen pensamientos y sentimientos, siempre ha jugado un papel muy importante y muestra cada vez más un rico poder expresivo y belleza artística. "Montañas y ríos" de Wu Guanzhong, el famoso maestro de la pintura china, no tiene mucho colorido, pero está delineado principalmente con líneas de pincel. Sin embargo, las líneas son suaves y libres, y el peso puede cambiar a voluntad. significado lírico y un claro sentido de los tiempos. "Notas sobre el sofá rojo" (pintura al óleo) del difunto maestro fauvista francés Yentis representa de forma vívida y concisa la imagen de una niña con líneas breves, eróticas y decorativas concisas.
En segundo lugar, enfatizar el papel de la línea central en el arte tradicional chino.
Las líneas de las pinturas chinas se remontan a las pinturas en color del período Yangshao, las pinturas en seda de finales de la dinastía Zhou, las pinturas lacadas en vasijas Chu y los murales de las dinastías Han y Tang. La cultura Yangshao pintó patrones de cerámica. Este es el trabajo de línea más antiguo en China. Sus líneas son brillantes, vívidas y rectas, y representan espirales, cuerdas, rostros humanos, insectos, peces, pájaros y bestias, etc., encarnando la belleza simple e inocente del arte primitivo. Desde las dinastías Tang y Song, con la prosperidad de la pintura de figuras, el arte del dibujo lineal ha alcanzado un clímax. Wu Daozi fue un maestro del dibujo lineal en la dinastía Tang. ¿La frase sobre alguien llamado Wu? ¿Wu Dai es el viento? Los personajes de sus pinturas son realistas e inusuales, con mangas sueltas que reflejan un alto grado de ? ¿Te sientes deportista? Entonces qué. ¿Ritmo? Para aprovechar al máximo el efecto del dibujo lineal, el pintor de la dinastía Song del Sur, Liang Kai, dibujó imágenes de bambú de los antepasados de la dinastía Yuan. ¿Carta blanca? Pintura de figuras con dibujo lineal, en la que el antepasado de la figura es Hui Neng, el sexto antepasado del budismo zen. El pintor representa vívidamente a un anciano trabajando con unos pocos trazos. Después de una larga práctica artística, el pintor chino estudió con? ¿Pintura de la escuela de pintura de literatos? Cuando se trata de pinturas populares, el uso de líneas tiene su propio estilo (expresa el objeto y al mismo tiempo transmite las emociones entrantes y salientes). La técnica tradicional de dieciocho trazos es una técnica de dibujo vívida de varias líneas.
3. Las similitudes y diferencias entre las líneas pictóricas orientales y occidentales.
Debido a la influencia de diferentes orígenes culturales, las líneas en las pinturas orientales y occidentales son diferentes en belleza formal: las líneas en las pinturas orientales se centran en expresar emociones, llenas de ritmo y belleza decorativa; Fuertes características racionales, no se les puede oponer. Cabe señalar que las formas de las líneas son similares en las obras de arte orientales y occidentales, y también tienen un rico poder expresivo y una colorida belleza artística. Precisamente por las diferencias en los hábitos de apreciación y los conceptos tradicionales del modelado pictórico, se han formado diferentes técnicas de expresión y estilos nacionales. A partir del análisis de obras específicas, las características expresivas de las líneas pictóricas orientales y occidentales a menudo se entrelazan, como lo demuestran las obras del francés Matisse de principios del siglo XX. Sus obras no sólo tienen la excelente tradición de la pintura occidental, sino que también absorben las características del arte oriental, brindando a la gente un nuevo disfrute estético.
En China, con la continua integración de las culturas china y occidental, las artes tradicionales chinas han experimentado nuevos desarrollos y cambios, especialmente en los últimos diez años, que se han vuelto más prominentes, tales como: El hábil uso de Wushu Los instrumentos musicales mecánicos son innovadores, el ritmo y la belleza de las líneas son muy fuertes y distintos. Debemos estudiar y heredar concienzudamente las excelentes tradiciones de las obras artísticas chinas y extranjeras. Sobre la base de aprender bien las clases de pintura china, también necesitamos comprender el arte occidental...
? ¿Occidente sirve a China? Hacer de nuestra pintura nacional un arte contemporáneo y cosmopolita.
En cuarto lugar, la expresión de los colores en las pinturas es rica y colorida.
¿Dónde estaba en la primera mitad del siglo XV? Los hermanos Eco comenzaron a desarrollar un estilo artístico que replicaba los colores inherentes de los cuerpos y objetos humanos. Sus obras se basan en formas tridimensionales y se expresan con colores vivos y delicados. Los colores de la obra expresan principalmente los colores inherentes de los objetos, que crean una imagen natural convincente al difuminar los tonos brillantes, claros y oscuros. En la pintura en color, Francesca enfatiza los contornos nítidos y los "grandes bloques de color" expresivos para crear, y el color tiene ciertos factores subjetivos; Vinci creó una imagen artística inmortal con tonos extremadamente simples y ricos; el pintor español El Greco creó con un color único que solo él tenía. Su tono ha trascendido la categoría de color de la propia imagen y ha alcanzado un resumen abstracto del color. Su uso del color es más para cumplir con los requisitos de expresar espiritualmente el tema y no está limitado por el color de la imagen. Recombina colores en el cuadro según las necesidades del ritmo y la melodía, y sus obras están llenas de espíritu moderno. Rembrandt utilizó un fuerte contraste entre la luz y la oscuridad y colores puros y fuertes para resaltar el tema. Los personajes brillan en el ambiente oscuro y borroso, y las obras están llenas de profundidad.
En el siglo XIX, debido al desarrollo de la ciencia, aparecieron en Europa algunas discusiones sobre la teoría del color, que sentaron una base teórica para que los artistas estudiaran más a fondo las leyes del color. Debido a que los pintores impresionistas estudiaron y representaron plenamente la naturaleza, alcanzaron un nuevo mundo de color. Los pintores impresionistas abandonaron audazmente los conceptos de color tradicionales y utilizaron colores brillantes para representar el cielo y los campos. Los pintores se dedicaron al estudio del medio ambiente y la luz en sus pinturas de paisajes, y la serie Iglesias de Monet encarna todo esto.
La exploración artística es infinita y Kandinsky se rebeló contra la tradición con más audacia que los pintores impresionistas. Entre los pintores impresionistas, el color todavía está ligado a la forma y el color presenta un objeto específico. Sin embargo, en las obras de Kandinsky, no hay objetos específicos en las pinturas tradicionales y los colores ya no están vinculados a ninguna imagen específica. Independizó el color de la pintura y le dio su valor. El arte reside en la innovación, y cada innovación requiere el coraje de romper las reglas, volver a comprender y percibir el mundo desde una nueva perspectiva y promover el desarrollo del arte.
En resumen, no es difícil ver que no existen reglas fijas para el desarrollo del arte del color. Debemos tener una comprensión amplia y completa del color, en lugar de centrarnos únicamente en un punto determinado. Cómo absorber una variedad de nutrientes en la enseñanza del color y mejorar de manera integral la sensibilidad al color de los estudiantes debería convertirse en un tema importante.