La historia de la pintura de un hombre: ¿Cómo expresamos el espacio y el tiempo en la pintura?
En primer lugar, es necesario explicar que el llamado espacio y tiempo de la imagen aquí se refiere al estado de existencia de la imagen representada en la pintura. El acto de pintar crea un mundo pictórico independiente, y las imágenes de este mundo (ya sean personas, paisajes naturales, animales y plantas, edificios y objetos) deben ser llevadas al espectador si quieren que sean perceptivas e intuitivas para el espectador. . en una determinada relación espacio-temporal.
Por ejemplo, para la pintura rupestre más simple: una huella de mano dejada en la pared de roca, cuando la vemos, necesitamos hacer dos ajustes preestablecidos al mismo tiempo:
Sólo si Haga los dos anteriores al mismo tiempo. Con esta premisa, podemos ver la huella de una mano en la pared de roca en lugar de tratarla como nada o algo más. El primer presupuesto puede denominarse principio de unidad del tiempo y el segundo, principio de unidad del espacio. En las actividades de apreciación de la pintura, los espectadores siempre siguen estos dos principios de forma consciente o inconsciente.
Este ejemplo es solo la imagen gráfica más simple, que involucra solo huellas de manos y paredes de roca, por lo que sus dos principios son fáciles de explicar en pinturas de múltiples imágenes con composiciones más complejas, es más fácil explicar estos dos; principios Más difícil. Tome la pintura de naturaleza muerta a continuación como ejemplo.
Frente a esta pintura, el espectador sigue los siguientes principios:
Los dos principios anteriores garantizan que cuando miramos esta pintura de naturaleza muerta, podemos identificar correctamente la imagen como "fondo". "La mesa de delante - el plato sobre la mesa - la manzana en el plato" en lugar de "el fondo y la mesa y el plato y la manzana" - le damos a la imagen una cierta relación espacio-temporal basada en nuestra propia racionalidad, en lugar de identificar la imagen como algo irrelevante. Una simple combinación de imágenes.
La aplicación de los dos principios anteriores es evidente y natural para los espectadores de pinturas, pero ¿qué pasa con los creadores de pinturas? ¿El creador de la pintura categoriza naturalmente las imágenes que representa en la misma relación espacio-temporal y pide al espectador que haga lo mismo? ¿O tiene el pintor una conciencia más consciente del tiempo y del espacio que el espectador? Esto es exactamente lo que queremos discutir en la historia de la pintura occidental.
Se puede ver en los dos ejemplos anteriores que en la pintura, el tiempo y el espacio de la imagen no se pueden discutir por separado, y el estado de los dos no es igual. De hecho, para el arte de imagen instantánea de la pintura, el tiempo no puede dejar directamente una huella como imagen en la imagen (por supuesto, esto no es absoluto, como veremos más adelante, la pintura puede al menos dejar una representación del espacio de la imagen); no es así. En pintura, todas las imágenes se sitúan en un espacio determinado. La unidad del tiempo pictórico puede reflejarse en la unidad del espacio pictórico. Entonces, nuestra discusión comienza con el espacio de las imágenes.
? 2
Inicialmente, la evolución del espacio pictórico estuvo representada por la alternancia de imágenes bidimensionales y tridimensionales.
El mundo representado en la pintura original es una imagen plana bidimensional. Las pinturas rupestres prehistóricas son naturalmente así. Las manadas de antílopes y ciervos que corren por las paredes de la cueva suelen tener siluetas. Del mismo modo, la pintura griega antigua (los antiguos griegos parecían preferir pintar sobre vasijas) revela un estilo de dibujo lineal claro. Estas obras se asemejan al espíritu literario de la antigua Grecia. Al igual que el mundo de la epopeya de Homero que elogió Auerbach, es sencillo y transparente, sin sombras y con profundidad tridimensional. Simplemente se distinguen por diferencias de color en las imágenes en primer plano y en el fondo. Pero después de todo, un mundo así sólo pertenece a una era pura y noble y a algunos corazones puros y sin disfraz.
La búsqueda de la verdad lleva a las personas a intentar representar sombras. Al representar sombras, capturaron la luz y por primera vez vimos sombras entre los pliegues de la ropa de una figura; así se produjo la primera revolución en el mundo de la pintura y pasamos de un espacio de imagen bidimensional claro y unificado a un Imagen tridimensional en la que la luz y la sombra se entrelazan. Ya no se trata de una simple distinción entre colores de primer plano y de fondo. Vemos la imagen y su espacio de actividad en la figura. Esto pudo haber ocurrido en la antigua Roma.
Desde entonces, el arte cristiano ha sido insensible a la luz y la sombra, y la descripción de la luz y la sombra a lo largo de la Edad Media se mantuvo básicamente al nivel de la antigua Roma. La combinación de luces y sombras bajo una perspectiva difusa no puede dar al espectador una buena sensación de profundidad espacial. Durante el Renacimiento encontramos la luz suave de la pintura veneciana temprana basada en una perspectiva enfocada. El espacio tridimensional en las pinturas aparece ante nosotros de una manera más real y vívida. En este mundo, los rayos fijos de la fuente de luz forman parte de él. Podemos ver la Virgen pintada por Bellini. Una fuente de luz desconocida entra desde la esquina superior izquierda, proyectando una tenue sombra sobre la Virgen.
En el espacio de la imagen, la Virgen María como primer plano está naturalmente separada de la vista aérea del paisaje de la ciudad como fondo, pero desafortunadamente no podemos determinar si el paisaje de la pequeña ciudad como fondo en la imagen es la imagen de fondo o la realidad. fuera del paisaje de la ventana. El primer plano y el fondo están separados, pero no podemos determinar la relación espacial entre ellos: si el pintor pintó a la Virgen María sentada en las imponentes alturas de la ciudad como parte del paisaje de la ciudad, o si pintó a la Virgen María en un paisaje urbano. frente al paisaje?
Esta ambigüedad de las relaciones espaciales existe en un gran número de pinturas renacentistas, como la famosa Mona Lisa. A juzgar por la búsqueda de la verdad en este período, esta ambigüedad debe atribuirse a los defectos de las habilidades pictóricas del pintor, porque ya sea Bellini o sus obras posteriores, como "La fiesta de los dioses", podemos ver que el pintor el primer plano y el fondo se integran con éxito en un espacio de imagen unificado, y los personajes se fijan en la imagen natural, formando un espacio de imagen tridimensional general. Después de eso, no hubo ningún cambio en el espacio pictórico de la pintura occidental. El barroco y el rococó también representan deliberadamente un espacio pictórico unificado. Sin mencionar el clasicismo y el realismo posteriores, lograron la unidad perfecta del espacio pictórico y todas las imágenes del cuadro se presentaron en un espacio unificado. Podemos identificar claramente las relaciones espaciales entre estas imágenes.
El nacimiento del Impresionismo parece ser una completa subversión de dicho espacio tridimensional. En primer lugar, en las pinturas impresionistas, como las de Monet, la luz ya no es algo invisible emitido desde una fuente de luz fija en la esquina del cuadro, sino que sólo depende de las sombras para anunciar su existencia: la luz misma se convierte en la protagonista del cuadro. cuadro. . No sólo crea sombras gris-negras, sino que también deforma los objetos pintados, dándoles colores más variados. Este cambio de luz, y el cambio resultante en la imagen pintada, parece llevarnos directamente de regreso a la imagen bidimensional, donde se elimina la distinción entre primer plano y fondo. En las obras más destacadas del impresionismo, lo que sentimos no es algo que pueda saltar de la imagen en cualquier momento, sino la imagen misma: el estado tridimensional de existencia de las personas y los objetos en la imagen ya no es la consideración principal. del pintor, sino el cuadro en sí. Aquí, la estética de la pintura es una actividad intuitiva sobre imágenes bidimensionales, más que una actividad imaginativa sobre un espacio tridimensional.
Esta tendencia es más evidente en el postimpresionismo representado por Cézanne, Van Gogh y Gauguin. Especialmente en las pinturas de Gauguin, el fuerte contraste de color y las líneas concisas dan al espectador un impacto visual inmediato, y el espectador ya ha entrado en actividades estéticas sin reconstruir el espacio pictórico de su pintura. El expresionismo posterior, el neoimpresionismo y el animismo tuvieron todos el mismo propósito. Esta es definitivamente una revolución en el espacio de la pintura.
? Tres
La tercera revolución en el espacio pictórico la desencadenó Picasso. El cubismo del que fue pionero con Les Demoiselles d'Avignon (1907) parece haber completado la transformación del espacio pictórico de imágenes bidimensionales a tridimensionales. En la imagen de Worrall (1910), la imagen completa como imagen bidimensional ya no existe y el espacio de trabajo está lleno de fragmentos tridimensionales. Si el espectador quiere comprender la imagen en una imagen bidimensional, necesita recurrir al collage y la organización de esos fragmentos tridimensionales en su cerebro; la prioridad de las imágenes bidimensionales sobre las tridimensionales establecida en el impresionismo es subvertido aquí. Pero la importancia de Picasso para la evolución del espacio pictórico no es sólo eso: la mayor importancia de sus obras es que salta de la alternancia de imágenes bidimensionales e imágenes tridimensionales discutidas anteriormente y, en cambio, nos lleva de regreso al punto de partida. de la discusión: pintar en el espacio del cuadro.
¿Hay un espacio definido en el cuadro? En la creación intermedia de Picasso, esto se convirtió por primera vez en una pregunta:
¿Qué vemos en el "Guernica" escrito en 1937? En la parte superior de la imagen, a la izquierda, hay una lámpara. Debajo de la lámpara hay un hombre herido, un caballo que gime, una madre que llora con un bebé muerto en brazos y una vaca silenciosa.
-¿Cuál es la relación entre las imágenes del cuadro? ¿Comparten piso espacial, es decir, están bajo esa luz, en una posible casa? Supongamos por un momento. Luego, en la parte superior derecha de la imagen, vemos un edificio con el techo en llamas y una mujer mirando al cielo y exclamando: Parece una escena al aire libre. Un poco más a la izquierda, una mujer se asoma por la ventana, sostiene una vela en la mano derecha y parece aterrorizada. Hay una mujer corriendo en la parte inferior de la imagen, que también es una escena al aire libre.
El espectador se ve entonces obligado a preguntarse: ¿dónde ocurre todo lo que aparece en la imagen, en el interior o en el exterior? Esta pregunta fue planteada por Frederic Jameson, quien respondió que lo que resalta el cuadro es la incertidumbre de la oposición entre el interior y el exterior. Pero, de hecho, aquí no se trata de un interior o un exterior. La pregunta más importante es: ¿hay un espacio unificado en esta pintura? ¿Esta pintura, como muchas pinturas anteriores, representa una imagen específica en un espacio específico, permitiendo que el espacio exista como fondo de la imagen y haciendo que la relación entre la imagen y su espacio sea clara y determinada?
La respuesta es no.
En este cuadro ya no existe un espacio unificado para mostrar la imagen, y ya no hay distinción entre primer plano y fondo. Lo único que podemos ver es la superposición de muchas imágenes: imágenes que parecen coexistir en la misma imagen pero que en realidad pertenecen a diferentes niveles espaciales. Hemos dicho antes que al apreciar una pintura, el espectador se atiene instintivamente a las leyes de la unidad espacial y la unidad temporal. En otras palabras, el espectador considerará por defecto la imagen que aparece en la pintura como bidimensional o tridimensional. espacio , coexisten al mismo tiempo y existe una cierta conexión entre ellos: el espectador no considerará cada imagen de la imagen como algo independiente y sin relación. Por ejemplo, en el "Guernica" de Picasso, nos gustaría creer, como hizo Jameson, que estas figuras que lloran y estos caballos deberían coexistir en un solo espacio, ya sea interior o exterior. Aquí Picasso rompe el principio establecido de unidad espacial. Picasso nos muestra el efecto de diferentes niveles de espacio yuxtapuestos en un mismo cuadro.
? Cuatro
Ahora pasemos al momento de la fotografía. El problema del tiempo de la imagen es mucho menos complejo que el problema del espacio de la imagen. De hecho, desde el nacimiento de la pintura, la sincronicidad de las imágenes en las pinturas parece ser una ley evidente.
Por ejemplo, si hay un cuadro y vemos un niño en el lado derecho del cuadro y una manzana en el lado izquierdo del cuadro, no hay nada en el espacio exterior - si estas dos imágenes están Para formar parte de una pintura, no hace falta decir que la imagen del niño y la imagen de la manzana deben existir simultáneamente en el mismo espacio. En otras palabras, cuando esta pintura aparece frente a nosotros, deberíamos poder imaginar que existe una relación espacio-temporal entre el niño y la manzana: el niño puede ver la manzana, tocarla y comerla. Sin esta relación espacial y temporal, estas dos imágenes ya no constituirían una pintura unificada.
Ya sea el creador de la pintura o el público, el principio de unidad temporal de la imagen es más estable que el principio de unidad espacial. Por lo tanto, aunque como analizamos anteriormente, la historia de la pintura occidental el espacio pictórico ha experimentado tres cambios importantes, en términos de tiempo pictórico, no ha cambiado, los pintores y el público todavía están dispuestos a creer que todas las imágenes presentadas en una pintura existen simultáneamente; . Incluso en una obra tan poderosa como el "Guernica" de Picasso, todavía podemos pensar que las imágenes en diferentes niveles espaciales son sincrónicas: se fijaron juntas en un momento determinado del bombardeo. En lo que respecta al tiempo del cuadro, sólo hay un cambio real y un único propósito del cambio: presentar un tiempo fluido y de múltiples capas en la imagen congelada del cuadro.
No sé cuándo debería solucionarse este cambio en el concepto del tiempo. Representar diferentes épocas en un mismo cuadro parece existir desde hace mucho tiempo: en algunas pinturas religiosas occidentales podemos ver cómo los pintores representan escenas completas desde el nacimiento de Jesús hasta la crucifixión y la resurrección con las mismas proporciones. pinturas en pinturas budistas orientales. En la pintura de paisajes tradicional china, existe un método de pintura para buscar inmortales y visitar amigos, que también es un método de pintura similar. Comenzando desde la parte inferior de la pantalla, se pueden presentar en secuencia múltiples escenas, como turistas en el camino, llamando a la puerta, comenzando y conociéndose. Picasso también utilizó esta técnica al extremo en la pintura occidental moderna; en resumen, presentó el proceso del tiempo en forma de transformación y combinación espacial. El efecto de segmentación facial de sus famosos retratos femeninos es producto de representar el proceso del tiempo en forma de composición espacial, pero esta técnica no era común en la tradición pictórica cuando se usaba para representar el tiempo; ¿Cómo aborda el pintor el tiempo en el cuadro? ¿Cómo permite que el tiempo aparezca en el encuadre?
Puedo pensar en los ejemplos de Balla y Duchamp:
Ambas obras tienen como objetivo capturar la dinámica de las cosas en una imagen congelada, especialmente "Down the Stairs" "Dancer" de Duchamp. " es un intento de expresar diferentes imágenes de personas desde la sólida escalera en un espacio pictórico unificado. En esta pintura se rompe el principio de unidad temporal entre las imágenes del cuadro. Sin embargo, como insinuamos antes, el tiempo no puede entrar en el cuadro como imagen en la pintura.
Ya sea Balla o Duchamp, las huellas dinámicas de las cosas que capturaron sólo pueden existir como símbolos del tiempo.
¿Podemos imaginar una pintura que rompa los principios de unidad de tiempo y unidad de espacio al mismo tiempo? Por supuesto. El fracaso simultáneo de estos dos principios sólo significará el fin de la tradición de la pintura realista.