Pintura al óleo europea del siglo XIX: ¿Qué significa pasar del mito del paraíso a los verdaderos sentimientos humanos (3)?
La libertad guía al pueblo, este cuadro francés de Delacroix está basado en la "Revolución de Julio" francesa de 1830. El 26 de julio de 1830, el rey Carlos X canceló el Parlamento y los ciudadanos de París se rebelaron. Del 27 al 29 de ese mes, para derrocar a la dinastía borbónica, los ciudadanos lucharon con los realistas y ocuparon el palacio, lo que fue conocido en la historia como los "Tres Días de Gloria". Durante esta batalla, una niña llamada Clara Lessing izó por primera vez en la barricada la bandera tricolor que simboliza la República Francesa. Cuando la joven Ale plantó la bandera en un puente junto a Notre Dame, recibió un disparo y cayó. El pintor Delacroix fue testigo de esta trágica y feroz escena, y luego se llenó de justa indignación y decidió pintar un cuadro como monumento permanente. La escena de lucha callejera que se muestra en la pintura fue finalizada por el artista basándose en cientos de bocetos de luchas en barricadas durante la "Revolución de Julio". En la imagen, una joven que sostiene una bandera tricolor en una mano y una pistola en la otra abre el camino con valentía, llamando a la multitud a seguir adelante. símbolo de la Estatua de la Libertad. El joven baterista a su lado corría rápidamente hacia adelante, blandiendo una pistola. Del otro lado, un estudiante universitario que llevaba un sombrero de copa miraba hacia adelante con determinación. Detrás de él, había dos trabajadores blandiendo cuchillos afilados con expresiones firmes y enojadas. Hay muchos rebeldes detrás de ellos. A la derecha del primer plano, dos soldados del gobierno yacen muertos en el suelo, y a la izquierda yace un rebelde que murió luchando por la libertad. Un joven trabajador gravemente herido mira la bandera tricolor de la Estatua de la Libertad, anticipando la libertad. Su abrigo, camisa expuesta y cinturón eran exactamente los colores de la bandera tricolor. Si miras con atención, puedes ver vagamente una bandera de la república ondeando en la torre norte.
Esta pintura es majestuosa, con estructura compacta, colores ricos y ardientes, pincelada desenfrenada y un fuerte atractivo. Cuando se expuso en París en mayo de 1831, causó sensación. El poeta alemán Heine escribió un himno a este cuadro. La pintura también tuvo algunas experiencias interesantes después de eso.
En 1831, la pintura fue adquirida por el gobierno francés y expuesta en el Palacio de Luxemburgo durante varios meses. Posteriormente, debido a los cambios de los tiempos, fue devuelto al propio pintor.
Diecisiete años después, en 1848, estalló en Francia la "Revolución de Febrero", y el pueblo francés exigió que el cuadro se exhibiera nuevamente en el Palacio de Luxemburgo. En junio del mismo año, los trabajadores de París se rebelaron y el gobierno retiró la pintura por considerarla incendiaria. No fue enviado al Louvre hasta 1874.
Tan pronto como Delacroix cogió el pincel, su pasión romántica estalló como un volcán en crecimiento, lanzando un fuerte grito. Pintaba como un león que se traga a su presa de un solo aliento, por eso la gente lo llamaba el "león romántico".
Nadie puede compararse con Rembrandt en términos de profundidad e intensidad de expresión de emociones; en términos de intensidad e impulso del movimiento, excepto Rubens, pocas personas pueden alcanzar su nivel conmovedor. Nadie excepto Miguel Ángel; Tenía el talento de convertir cuestiones contemplativas y morales abstractas en imágenes artísticas.
Delacroix es el orgullo del pueblo francés. La mayoría de sus obras se conservan en el Museo del Louvre de París, que cuenta con varias salas de exposición dedicadas a la preservación de sus obras. Entre sus obras representativas se encuentran “La Masacre en la Isla de Chía”, “Hombres libres”, “El barco de Dante”, etc.
Constable Hay Wagon, Inglaterra
Constable, pintor británico. Nacido en Suffolk el 1 de junio de 1776 y fallecido en Londres el 31 de marzo de 837. Estudió en el Royal College of Art y estuvo profundamente influenciado por los paisajistas J. Farrington y J. T. Hecate Constable Smith. En 1805 realizó un retablo "Cristo bendiciendo al Niño".
La famosa obra "Hay Wagon" causó sensación en el mundo del arte y ganó la medalla de oro del Salón de París de ese año. Se trata de un cuadro de paisaje lleno de sol, calidez y vida, que tiene una gran influencia en los pintores jóvenes. Muchas de sus obras que muestran paisajes rurales y describen la vida de la gente trabajadora corriente rompen con las reglas tradicionales en composición y color, abandonando los tradicionales tonos marrones. Inventó la idea de utilizar una espátula para esparcir bloques de color sin ajustar sobre el lienzo, creando un destello de luz interminable en la pintura húmeda, que más tarde se conoció como "Blancanieves de Constable".
Sus obras representativas "Grain Grange" (en el Museo de Victoria), "Wheatfield" (en la National Gallery, Londres) y "Brighton Beach" muestran su audaz exploración de la luz y el color, evocándolo. muestra el amor de la gente por la naturaleza y la búsqueda de la luz y el color del pintor impresionista.
Para conmemorarlo, las generaciones posteriores nombraron una sala de un restaurante en la calle San Marcos de París "Salón Constable", y sus obras se exhibieron para que la gente las viera.
Molinero francés
"Las espigadoras" describe la escena más común en una zona rural: en otoño, los campos dorados parecen interminables, y en la tierra después de la cosecha del trigo, tres campesinos mujeres Se agachaba para recoger con mucho cuidado las espigas perdidas para reponer el suministro de alimentos en casa. El montón de trigo detrás de ellos parecía no tener nada que ver con ellos. Aunque no podemos ver claramente los rostros y las expresiones faciales de las tres campesinas, Miller describe sus posturas tan majestuosas como las esculturas clásicas. Los ángulos de movimiento de las tres campesinas son ligeramente diferentes y tienen la belleza de una cadena de movimientos. Parecen una vista ampliada de los movimientos de una campesina. La campesina que llevaba un pañuelo rojo en la cabeza estaba recogiendo rápidamente, sosteniendo un gran fajo de espigas en la bolsa en la otra mano. Se puede ver que lo ha estado recogiendo por un tiempo, y hay una pequeña cosecha en la bolsa, la mujer que lleva un pañuelo azul en la cabeza ha estado exhausta por inclinarse repetidamente hacia arriba y hacia abajo; Parecía agotada y se puso la mano izquierda detrás de la cintura para sostenerse. La mujer en el lado derecho de la imagen está medio inclinada hacia un lado, sosteniendo un montón de trigo en su mano, e inspecciona cuidadosamente el campo de trigo que ha sido cosechado nuevamente para ver si falta alguna espiga. Es así como las campesinas van y vienen, recogiendo paciente e incansablemente espigas con profundo cariño por cada grano de grano para proporcionar alimento y vestido a toda la familia.
En la imagen, Miller utilizó encantadores tonos amarillos cálidos, y los colores tranquilos y ricos de los turbantes rojos y azules también se mezclan con el amarillo. Toda la imagen es tranquila y solemne, y transmite la profunda simpatía de Miller por la dura vida de los agricultores y su especial amor por la vida rural de forma pastoral.
Miller tuvo una pasión por los agricultores durante toda su vida. La epidemia de Kala-azar se produjo en París en 1849. A la edad de 35 años, él y su familia se mudaron al pueblo de Barbizon, cerca de Fontainebleau, un suburbio de París. En Barbizon Village conoció a pintores como Corot, Rousseau y Trollope. Vivió en este pueblo pobre y aislado durante 27 años. Miller sentía un afecto particularmente profundo por la naturaleza y la vida rural. Se levanta temprano y llega tarde a casa. Trabajaba en el campo por la mañana y pintaba en una pequeña habitación con poca luz por la tarde. Su vida fue extremadamente difícil, pero esto no debilitó su amor y búsqueda del arte. Como no tenía dinero para comprar pintura, a menudo hacía bocetos al carboncillo él solo. Ama la vida, ama el trabajo y ama a los agricultores. Una vez dijo: "En cualquier caso, el tema de los agricultores es el más adecuado para mí".
Recuerdos de Montfontaine Kahlo Montfontaine Kahlo nació en el Louvre y el cercano parque Tuyery de París. Durante sus casi 80 años de carrera, dejó 3.000 obras. Es un artista prolífico. Entre ellos, las pinturas de paisajes representan la mayoría. "Sólo tengo un sueño en mi vida y es pintar paisajes". Dijo que debemos perseguir la naturaleza con fuertes sentimientos por la naturaleza y la resistencia para no ceder ante ningún golpe. Sin esa preparación, es mejor no hacerlo. para convertirme en pintor. Amó la naturaleza toda su vida y abogó por ir hacia la naturaleza.
Connor vive una sola vida y el arte ocupa todo su corazón. Su fama y gloria en el mundo de la pintura la obtuvo al participar cada año en el Salón de Otoño de París. En la historia de la pintura francesa del siglo XIX, el neoclasicismo, el romanticismo, el realismo y el impresionismo compitieron por la gloria. Corot experimentó todos estos movimientos artísticos durante su larga vida, pero no fue el pionero que los fundó. Fue educado en el arte clásico y fue un clasicista devoto.
Su pasión por la visión romántica de la naturaleza y su culto a la naturaleza lo convirtieron en un realista sincero. Por tanto, los críticos creen que el mayor logro de Corot fue que integró todas las corrientes principales del siglo XIX y abrió el camino al impresionismo, que recién estaba surgiendo en ese momento. "La memoria de Montfontaine" es una de las pinturas de paisajes más maduras y representativas de Corot en su última época.
Montfontein se encuentra cerca de Senlis, al norte de París. Koro una vez puso un pie allí y sintió la belleza del paisaje del jardín. Esta pintura es el recuerdo del artista de esta hermosa escena.
Este cuadro se desarrolla en un rincón del bosque cerca del lago. La niebla de la mañana comienza a disiparse y el bosque fresco y el vapor de agua del lago crean una sensación natural cálida y húmeda. Un árbol gigante a la derecha ocupa aproximadamente 3/5 de la imagen, y un pequeño árbol muerto en el lado opuesto lo hace eco, fortaleciendo el equilibrio de la imagen. Las ramas se inclinan en una dirección, armoniosamente y rítmicamente. Un lago tranquilo, parecido a un espejo, apareció entre dos árboles. La cálida luz del sol se extiende desde las hojas hasta la hierba, despertando las flores rojas que florecen por todas partes. Una mujer con una falda roja se enfrentaba al pequeño árbol de la izquierda, levantando la cabeza y las manos para recoger hierba y setas del tronco.
A lo largo de todo el cuadro, estos tres personajes parecen estar llenos de negocios. Aunque el pintor las dejó todas a un lado, son densas. Cuando Connor pinta paisajes, a menudo le gusta dibujar algunas ramas débiles en primer plano para realzar el lirismo de la pintura. Por ejemplo, el pequeño árbol del lado izquierdo de este cuadro también pertenece a esta situación. Al observar la postura torcida del pequeño árbol, obviamente se debe a la brisa prolongada. Sus ramas inclinadas son más gráciles y gráciles, añadiendo poesía infinita a todo el cuadro. El vestido rojo y el pañuelo en la cabeza de la mujer son las voces más fuertes del panorama. Al observar más de cerca el cuadro, el espectador casi puede oír el susurro de ramas y hojas.
Este interés natural no es un sueño, pero es mejor que un sueño. El pintor extendió completamente el cuadro y lo tiñó con colores cálidos. Todo el tono parecía susurrar, sin pasión, sólo armonía. Sin el fuerte sentido de la belleza natural del pintor, sería difícil dejar tantas impresiones inolvidables en la gente. Esta es una pintura de paisaje ideal y una pintura verdaderamente lírica. El amor por la naturaleza es la primera condición para pintar paisajes.
Kolo ama mucho la naturaleza. Una vez dijo: El arte es amor. Cuando pintas un cuadro de paisaje, primero necesitas encontrar la forma, luego el color, para que la cromaticidad esté bien conectada. Esto se llama sexo. Esta es la realidad. Pero todo depende de cómo te sientas. Estas breves frases pueden ser todo el secreto de las pinturas de paisajes de Connor. Nunca en su vida Connor había experimentado el deseo de ordenar o apresurarse a hacer algo. No vendió una sola obra durante el resto de su vida. Una vez que llueve, espera a que el tiempo mejore antes de dibujar. Le gustan los días soleados. En su opinión, el boceto es sólo la preparación material para la creación en el estudio. Esto demuestra que el encanto de las pinturas de paisajes de Connor no se debe a que se enfrenta al dibujo, sino a que refina la belleza que encuentra en la vida.