Una colección de excelentes apuntes de clases de música de secundaria en 2020
En las actividades docentes, los profesores y los estudiantes deben escuchar música completa y plenamente, sentir la belleza de la música, ampliar sus horizontes de la cultura musical y comprender la música multicultural. . El siguiente es un borrador de una conferencia de música de la escuela secundaria que compilé con la esperanza de brindarle una referencia.
Guión de lección de música de secundaria: Sinfonía nº 9 (Estribillo)
Objetivos de enseñanza
Actitudes y valores emocionales
Completo. y complete Escuche música por completo, sienta la belleza de la música sinfónica occidental, amplíe sus horizontes de la cultura musical internacional y comprenda las diversas culturas musicales.
Proceso y método
Al escuchar obras, enseñar y cooperar en grupo, los estudiantes pueden mejorar aún más su capacidad de apreciación musical y sentir la connotación humanística detrás de las obras.
Conocimientos y Habilidades
Ser capaz de escuchar y recordar completamente el tema de la música y dominar los cambios emocionales de la música.
2. Dificultades en la enseñanza
Enfoque
Escuchar y recordar el tema musical, y comprender la connotación espiritual de la expresión musical basada en la vida del compositor.
Dificultad
Aprende a cantar el tema de la música y domina el conocimiento de la historia de la música detrás de la música.
Tercero, preparación docente
Piano, multimedia
Cuarto, proceso de enseñanza
(1) Introducción de nuevos cursos
1. El profesor muestra a los alumnos un clip de la serie de televisión y les pregunta: "¿Cómo se llama el episodio que acabamos de escuchar en el clip?"
Los estudiantes pueden responder libremente. (Oda a la Alegría)
2. El profesor presentó que la "Oda a la Alegría" proviene de la Novena Sinfonía de Beethoven (parte del coro), que se considera el pináculo y resumen de la creación musical de Beethoven y se introduce en esta. clase.
(2) Percepción preliminar
1. El profesor tocó la música "Oda a la Alegría" por primera vez y pidió a los alumnos que hablaran sobre su comprensión de la obra.
Profesor: "Oda a la Alegría" es un clásico de la música mundialmente famoso. ¿Algún compañero puede decirme qué entendiste de "Oda a la Alegría"? La Navidad en Occidente y los coros la cantan a menudo; el autor es Beethoven. Los estudiantes pueden expresar sus opiniones basándose en su sentido común. )
El profesor pidió a los estudiantes que hablaran sobre los logros y obras representativas de Beethoven, y luego el profesor y los estudiantes lo resumieron juntos. Beethoven fue un pianista y compositor del período clásico, conocido como el "Santo de la Música". La contribución más importante de su vida fue la creación de 32 sonatas para piano, 9 sinfonías, una suite vocal y una ópera. Las obras representativas incluyen "Tercera Sinfonía (Héroe)", "Moonlight Sonata" y la ópera "Fidelio". )
3. Escuche la canción nuevamente y haga que los estudiantes piensen qué tipo de música elegirían para expresar sus ideas. (Sinfonía)
4. El profesor introduce los conocimientos relevantes de la sinfonía. Una sinfonía es una suite orquestal creada sobre la base de los principios de la forma sonata. Tiene una gran estructura, contenido profundo y dramático, escritura compleja y timbres nítidos y contrastantes. )
(3) Aprendizaje por investigación
1. El profesor toca esta canción y pregunta a los estudiantes cuál es el tono y la velocidad de la canción. (firme y solemne; velocidad media)
2. El profesor vuelve a reproducir el vídeo de la interpretación orquestal de "Oda a la Alegría" y pide a los alumnos que dividan las partes según las diferentes características de la expresión. Maestro: Piénselo detenidamente. ¿En cuántas partes se puede dividir esta pieza? Obertura y partes vocales. )
3. Guíe a los estudiantes a ordenar los elementos musicales de "Oda a la Alegría".
(1) Toque el tema "Felicidad" en la música principal y pregunte cuáles son las melodías de la música. (Levantamiento progresivo, suave, sin saltos).
(2)¿Qué representa esta pieza musical? (Transmitiendo el tema de la alegría)
(3) El maestro hace preguntas, guía a los estudiantes para que escuchen el audio, observen la partitura musical y exploren los cambios emocionales en las obras musicales. (Maestro: ¿Cómo transmite el autor el tema de la alegría? Experimente los cambios emocionales paso a paso).
① Los estudiantes exploran de forma independiente el proceso de cambios emocionales en la música. (Proceso: Transformación emocional de lírica a firme)
(2) Profesores y estudiantes resumen varios métodos para promover las emociones musicales. (Fuerza: de débil a fuerte; orquestación: cuerdas-instrumentos de viento-percusión-punto de inflexión-adición de voces; interpretación/forma de canto: solo/conjunto vocal principal/coro)
4. Preguntas, ¿qué tipo de emociones expresa el autor a través de la Novena Sinfonía? Haga que los estudiantes piensen en grupos.
(Maestro: "Oda a la Alegría" es sólo el cuarto movimiento de la Novena Sinfonía de Beethoven (Estribillo), pero este "Tema Feliz" aparece en los primeros tres movimientos y es interrumpido. Finalmente, la voz humana se agrega en el cuarto movimiento a La El trabajo alcanza su clímax. ¿Qué tema expresa este enfoque? Superar las dificultades y lograr la libertad, la victoria, la alegría, la unidad y la amistad para toda la humanidad.)
5. La historia combina la vida dramática de Beethoven con la Novena Sinfonía (Coro) para ayudar a los estudiantes a comprender la connotación humanista de la obra. Esta sinfonía comienza en una melancólica tonalidad menor y termina en una brillante tonalidad mayor, simbolizando que Beethoven desafía el sufrimiento, rompe la prisión del destino y finalmente avanza hacia un camino brillante en la vida. )
(4) Expansión y extensión
Mire "Moonlight Sonata" de Beethoven, hable sobre sus sentimientos y amplíe sus horizontes musicales.
(1) Los estudiantes discuten en grupos y expresan sus opiniones.
(2) Los profesores guían a los estudiantes para que comprendan los destacados logros históricos de Beethoven. Beethoven no sólo logró logros sobresalientes en la sinfonía, sino que sus 32 sonatas para piano son clásicos de la música occidental y se conocen como el "Nuevo Testamento" de la música occidental. )
(5) Tarea resumida
1. El profesor y los estudiantes resumen el contenido principal de esta lección en forma de preguntas y respuestas. Tenga el coraje de enfrentar las dificultades y superar los obstáculos de la vida, y su vida eventualmente marcará el comienzo de un futuro brillante. )
2. Después de clase, recopile la Sinfonía n.° 40 de Mozart y piense en las razones sociales por las que los dos maestros clásicos formaron diferentes estilos musicales en su creación musical. Tráelo en forma de texto, de unas 200 palabras, y discútelo con tus compañeros en la siguiente clase.
5. Diseño de pizarra
Guión de conferencia de música de secundaria: orquesta sinfónica occidental e instrumentos musicales
Material didáctico: grabadora, piano, equipo multimedia.
Objetivo docente: Comprender las orquestas sinfónicas y los instrumentos musicales occidentales.
Puntos clave y dificultades: La dificultad de este curso es que las orquestas sinfónicas occidentales son de gran escala y tienen muchos instrumentos.
Primero, guía la clase.
1. A menudo escuchamos orquestas sinfónicas y música sinfónica en la radio. Cada vez que apreciamos estas obras musicales, sentiremos: no sé cuánta música hermosa, magnífica, emocionante y apasionada brota de una orquesta sinfónica así. ¿Pero qué instrumentos tiene una orquesta sinfónica? ¿Qué propiedades y expresiones especiales tienen estos instrumentos? ¿Cuándo y cómo se combinaron en un todo tan enorme? ¿Cómo surgió el poder mágico de la orquesta sinfónica? No todos los amantes de la música comprenden plenamente este conjunto de cuestiones.
2. La germinación de la orquesta sinfónica se produjo en realidad a mediados del siglo XVI, que fue el apogeo del Renacimiento. La mayoría de los instrumentos de la orquesta sinfónica también se formaron durante el Renacimiento. La orquesta sinfónica moderna comenzó en esta época y pasó por tres siglos de complejo desarrollo hasta finales del siglo XIX e incluso hasta principios del siglo XX antes de su finalización definitiva.
En segundo lugar, enseñar nuevas lecciones
1. Los cambios y desarrollo de la sinfonía.
Durante el Renacimiento, debido al surgimiento y desarrollo del capitalismo en la sociedad feudal, el establecimiento y desarrollo de las ciudades y la formación de la progresista cosmovisión burguesa-humanismo, se propuso un fundamento método realista para la creación artística. . Otro logro de Monteverdi fue tener una nueva comprensión de la orquesta, creyendo que la orquesta es una combinación de diferentes timbres, por lo que comenzó a enfrentar diferentes instrumentos entre sí, a compararlos entre sí y a dejar que cada grupo de instrumentos tocara en doblar. Estas prácticas fueron un descubrimiento inesperado en ese momento. En términos generales, durante este período, la adopción y coordinación de los instrumentos musicales cambiaba constantemente y, a veces, incluso se utilizaban en la banda cosas extrañas, como violines gigantes, molinos de viento y cañones para crear algunos efectos especiales.
El siglo XVII fue un periodo muy importante para el desarrollo de la orquesta sinfónica. Con el desarrollo del estilo de armonía temática y la adopción del bajo digital, el clavecín ha ocupado una posición muy estable en la banda porque es fácil de tocar acordes, en segundo lugar gracias a los fabricantes de violines italianos como Amal; >Con los brillantes logros de Betty y Stratie Farley en la mejora y configuración del violín, el número de violines en la orquesta aumentó gradualmente, hasta el punto de exprimir la lira y algunos otros instrumentos antiguos de la orquesta. Pero la banda en este momento no puede considerarse una banda nueva, porque su base sigue siendo el clavicémbalo, y muchas de las bandas son instrumentos antiguos.
A partir de mediados del siglo XVII, el interés por la banda se extendió gradualmente por toda Europa, y la banda también viajó al extranjero desde Roma, Florencia, Venecia y Nápoles, en Italia. Aparecieron diferentes tipos de bandas tempranas en París, Londres, Berlín, Hamburgo y Viena. . A finales del siglo XVII, no sólo las bandas tocaban en teatros de ópera e iglesias, sino que también habían surgido nuevos lugares para que las bandas tocaran música. En 1672 se celebró en Londres el primer concierto público de orquesta de cuerdas. En 1686 comenzaron a celebrarse conciertos públicos regulares en los Países Bajos, que pronto se extendieron a otros países europeos.
El siglo XVIII fue un siglo de grandes transiciones y revoluciones. La estructura social, la filosofía, los ideales estéticos y las formas artísticas de Europa han cambiado, y la orquesta sinfónica ha llegado a un punto de inflexión. Este punto de inflexión para la orquesta sinfónica debería estar marcado por la publicación de la Primera Sinfonía de Haydn en 1759.
A mediados del siglo XVIII, un nuevo estilo de armonía temática reemplazó la polifonía por polifonía y surgió un nuevo género musical: la sinfonía y el concierto. A medida que el estilo musical cambió, también se formaron en esta época las llamadas "bandas clásicas", que gradualmente se volvieron más razonables en términos de combinaciones de instrumentos. Para entonces, la banda se había liberado de las limitaciones del bajo digital y el clavecín que durante mucho tiempo habían obstaculizado su desarrollo. Sin embargo, aún no se ha determinado el lugar que ocupan los instrumentos de viento y metal en la orquesta. La orquesta utilizada en la "Primera Sinfonía" de Haydn tiene sólo dos oboes y dos trompas, además de instrumentos de cuerda. La "orquesta clásica" fundada por Haydn y finalmente establecida por Mozart era en realidad una orquesta de dos cañones basada en la Escuela de Mannheim.
Desde entonces, el desarrollo de la orquesta sinfónica sólo ha cambiado en detalles. A principios del siglo XIX, la banda amplió el número de instrumentos, especialmente el número de instrumentos de metal, que varió mucho: inicialmente el número de trompas se aumentó a cuatro para formar un cuarteto, y luego se agregaron tres trombones. De esta manera se formó un nuevo tipo de orquesta: la gran orquesta sinfónica, también conocida como "orquesta romántica". Este tipo de orquesta finalmente se completó con la creación de los compositores románticos Weber, Schubert y Mendelssohn.
2. Obras instrumentales de orquesta sinfónica
En general, a lo largo de la historia del desarrollo de las orquestas sinfónicas, las orquestas utilizadas por los compositores en el pasado son muy diversas. Pero podemos dividir todas estas bandas diferentes en dos tipos básicos, orquestas sinfónicas y orquestas sinfónicas. Estas dos bandas incluyen instrumentos de cuerda, instrumentos de viento de madera, instrumentos de metal e instrumentos de percusión. Ahora hablemos de la Sinfonietta.
La Sinfonietta fue fundada en la segunda mitad del siglo XVIII. Este tipo de banda no era considerada una banda pequeña por los compositores de la época. Hasta principios del siglo XIX, la mayoría de las óperas y sinfonías utilizaban este tipo de orquesta. Los instrumentos utilizados por una pequeña orquesta sinfónica suelen incluir:
Instrumentos de cuerda: de seis a ocho primeros violines, de cuatro a seis segundos violines, de dos a cuatro violas, de dos a cuatro violonchelos y de dos a cuatro contrabajos. Tres puñados.
Instrumentos de viento: flauta, oboe, clarinete y fagot.
Instrumentos de metal: corno francés y trompeta.
Percusión: pareja de timbales.
En ocasiones se omiten los instrumentos utilizados en las pequeñas orquestas sinfónicas, como los clarinetes y las trompetas. Las últimas sinfonías de Mozart a veces omiten las trompetas o los timbales, a veces omiten el oboe. Por el contrario, las orquestas pequeñas a veces se amplían e incluso se acercan a las grandes. Esta forma extendida fue utilizada con frecuencia por las orquestas de ópera y oratorio de la época, y dichas orquestas utilizaron obras sinfónicas con mucha menos frecuencia.
Desde la década de 1930 hasta la actualidad, la mayoría de las sinfonías, óperas y obras de ballet en general son producidas por grandes orquestas sinfónicas. Los instrumentos utilizados por las grandes orquestas sinfónicas suelen incluir:
Instrumentos de cuerda: de doce a dieciséis primeros violines y diez segundos violines.
Catorce violas, de ocho a doce violas, de seis a diez violonchelos y de seis a diez contrabajos.
Instrumentos de viento madera: Existen dos o tres tipos de flauta, oboe, clarinete y fagot. Además, estos instrumentos suelen tener variaciones, como flautín (ocasionalmente flauta alto), oboe alto (o corno inglés, ocasionalmente oboe lírico), clarinete bajo (ocasionalmente clarinete pequeño, oboe alto o bajo), fagot.
Instrumentos de metal: cuatro trompas, dos o tres trompetas, tres trombones y una o dos tubas.
Instrumentos de percusión: timbales, tambor triangular, pandereta, platillos y tambores, etc.
Además de los cuatro grupos de instrumentos anteriores, también se suelen utilizar arpas, y la mayoría utiliza dos tipos. Hay entre 60 y 90 personas en la gran orquesta sinfónica, pero también hay más de 100 personas.
Este tipo de banda a veces reduce el número de ciertos instrumentos, especialmente el número de instrumentos de cuerda, pero a veces también expande el número de instrumentos individuales en un determinado grupo de instrumentos o el número de todo el grupo de instrumentos, agregando instrumentos individuales que son Rara vez se ve en bandas ordinarias, como un piano o un órgano.
Se puede observar por los tipos de instrumentos utilizados en las orquestas sinfónicas menores y en las orquestas sinfónicas mayores que el trombón es un símbolo que determina el tipo de banda. Una orquesta que carece de trombones sólo puede considerarse una pequeña orquesta sinfónica, porque una orquesta sinfónica grande debe tener tres trombones y una o dos tubas. Si sólo hay un trombón, sólo se puede considerar una orquesta sinfónica.
Tercero, resumen
Hemos presentado brevemente todos los instrumentos de la orquesta sinfónica, y ahora hablemos de la relación proporcional entre los números de estos instrumentos. Como se mencionó anteriormente, el grupo de instrumentos de cuerda tiene la mayor cantidad de instrumentos, solo el primer violín tiene más de una docena, pero otros grupos generalmente solo usan dos o tres, o incluso solo uno, de cada instrumento. Cada instrumento musical puede producir sonidos diferentes, algunos son propensos a producir notas altas, algunos son propensos a producir bajos, algunos son propensos a producir melodías rápidas y animadas, y algunos son adecuados para producir melodías lentas y melodiosas. Para combinar estos instrumentos en diferentes interpretaciones, es necesario considerar que estos instrumentos pueden complementarse entre sí en lugar de interferir entre sí. Por lo tanto, primero debemos mantener una cierta proporción del número de estos instrumentos. La configuración de instrumentos de la banda moderna se formó a mediados del siglo XVIII. Después de eso, aunque la organización de la banda se expandió día a día, la proporción de instrumentos en la banda no cambió mucho.
Discurso musical de secundaria Muestra 3: Música popular
Material didáctico: grabadora, equipo multimedia.
Objetivo docente: Comprender varias categorías de la música popular, así como sus conceptos y características.
Puntos clave y dificultades: Permitir que los estudiantes hablen sobre sus puntos de vista sobre la música popular basándose en la realidad.
Primero, guía la clase.
1. Música popular) - Las obras que no expresan el género principal y el contenido ideológico se denominan música ligera. Tradicionalmente, la gente ha clasificado en este término la música fácil de entender y relajada, como los valses de Strauss el Joven. Posteriormente surgieron cada vez más formas de canto y baile masivo, como el jazz, las bandas de rock, las operetas y la música disco. Aunque estas músicas entretenían, también había obras que menospreciaban la actualidad y atacaban la realidad. Sería difícil cubrir todo esto en el concepto original de música ligera. Algunos medios los tratan como música pop, pero esto desdibuja la línea entre los clásicos y esta música que agrada al público. Actualmente, los teóricos suelen utilizar el término música pop para resumir estos fenómenos musicales.
En segundo lugar, enseñar nuevas lecciones
Blues, 1
Como todos sabemos, blues significa blues, que significa amargura y melancolía en inglés. Aunque el jazz incluye música negra, canciones inglesas, música de baile francesa, etc. El blues es un componente importante del jazz. El blues se originó antes que el jazz, que puede haber sido una combinación de canciones de campo cantadas por negros en la segunda mitad del siglo XIX. Canciones religiosas y canciones populares. La principal característica de la música blues es que la escala mayor recae en la tercera, séptima y, a veces, quinta nota. Estas notas bemoles se caracterizan por tener una tonalidad menor y, a menudo, se cantan con un portamento. "Tremble" suena triste, triste y lleno de emoción, por eso algunas personas traducen blues como "una canción de queja". Por supuesto, también hay algunas canciones de blues alegres y alegres. El tempo del blues es más lento, el compás suele ser de cuatro o dos tiempos y la melodía suele contener ritmos sincopados. El estilo de canto de Bruce es muy libre y está estrechamente integrado con el lenguaje y las emociones de la vida. Se pueden utilizar falsetes, gemidos, llantos y murmullos para mejorar la atmósfera. El temperamento del blues, una sociedad de clase baja, dio más tarde al jazz temprano las características de una estrecha conexión con la vida de los trabajadores y la música folclórica negra.
Guíe a los estudiantes a disfrutar juntos del blues "vacío". Al mismo tiempo, hay una explicación:
2. La música pop
En cuanto al origen de la música pop, algunos investigadores creen que como fenómeno cultural, proviene principalmente de la Occidente “En términos generales, proviene principalmente de Occidente. Se refiere a cierta música desarrollada en los países europeos y americanos desde la segunda mitad del siglo XIX hasta el siglo XX y adecuada a los intereses y aficiones de los ciudadanos urbanos comunes” (1). ). Esta opinión puede estar relacionada con el hecho de que la expresión “música popular” o “música popular” proviene de Occidente. Debe admitirse que la expansión política, económica y militar de Occidente en todo el mundo durante el siglo pasado ha provocado que la cultura occidental de diversos atributos se propague rápidamente por todo el mundo. A partir de finales del siglo pasado y principios de este siglo, con la introducción de la tecnología y la teoría de la música occidental, se introdujeron gradualmente en China diversas ideas y términos musicales como intervalos, claves, blues y pop.
Todavía es innegable que, desde cierta perspectiva, la música popular en el sentido moderno parece ser una importación traída por el viento del oeste. Porque hasta ahora, muchos países del mundo, incluida China, han heredado más o menos algunas cosas de Occidente en términos de técnicas artísticas, procesos de producción y modelos operativos. Pero también hay que admitir que estos sólo pueden ilustrar los problemas metodológicos de la práctica musical misma, y no pueden ser la razón por la cual la discusión sobre la connotación y denotación de la música popular pueda explicarse completamente mediante la historia social y la cultura occidentales. Incluso en Occidente, el significado de la palabra "POP" utilizada para explicar la música pop o popular es bastante complejo y su uso es inconsistente en diferentes idiomas y culturas. El estudioso francés Henri Skoff Torge mencionó en su libro "POP_MUSIQUEPOP" que "mezclamos música pop (POP_MUSIQUEPOP) indiscriminadamente" Juntos: En Francia, el término inglés para la primera es equivalente al término francés para la segunda pero en Francia; En Gran Bretaña, y especialmente en Estados Unidos, el nombre habitual es simplemente ROCK"②. De hecho, como "música popular" dentro del concepto de "música", primero debe tener los atributos de "música" y luego los atributos de "popularidad", y la "música" como forma de arte no sólo existe en el Occidente. Naciones y países; de manera similar, la "música pop" como una de las formas de "música" no apareció en otras naciones y países hasta el desarrollo de los países occidentales. La realidad es que la música pop no sólo existe en los tiempos modernos, sino que también existió hace mucho tiempo. Existe objetivamente en la mayoría de las naciones y países. Sin embargo, la música pop de diferentes naciones y países refleja las características de la música pop en diferentes etapas de la historia. desarrollo.
Aprecie los recuerdos y anhelos de la infancia y permita que los estudiantes expresen sus sentimientos sobre la música después de apreciarla.
Tercero, resumen
La música pop es la forma de música más difundida y más fácil de difundir, pero el nivel de la música pop varía. Por favor, tome la esencia, deseche la escoria y aprecie más los productos finos.