Pintura al óleo europea del siglo XIX: ¿Qué significa pasar del mito del cielo a los verdaderos sentimientos del ser humano (2)?
Como último representante de la escuela de pintura clásica francesa, Ángel representó a la escuela académica conservadora y se opuso a la emergente escuela de pintura romántica en ese momento, formando una dura lucha escolar.
Quan Ange
Angel no copia rígidamente los estilos de los maestros antiguos, pero es bueno captando la belleza del modelado del arte clásico e integrando esta belleza clásica en la naturaleza. Derivó su estilo sencillo y sencillo de la belleza clásica, y siempre ha tomado como sus propios principios la tranquila grandeza y la sublime sencillez de Winckelmann. Sus pinturas absorbieron la herencia de las pinturas italianas del siglo XV y las pinturas decorativas de cerámica griega antigua, centrándose en las formas lineales, y era especialmente bueno en los retratos. En términos de técnicas específicas, las líneas deben ser limpias y las formas planas, por lo que casi cada pintura debe esforzarse por lograr una composición rigurosa, colores puros e imágenes elegantes. Estas características son especialmente destacadas en sus series de pinturas que expresan la belleza del cuerpo humano, como "Fuente", "Odalisca", "Niña en el baño", "Amán", etc.
En 1805, Angel completó el cuadro "Retrato de Madame Rivière", que es sin duda una de las obras maestras en color de Angel. Incluso los colores se combinan armoniosamente como un mosaico, mostrando algunas formas onduladas sin recurrir a sombras. Utilice blanco marfil para resaltar el cuerpo y la ropa para formar la parte receptora de luz de la imagen, y el sofá azul oscuro para formar la parte de sombra de la imagen. Ambos colores se mezclan con el fondo negro. Pequeños cambios en rojo y amarillo no perjudican el efecto general. Expresión de individualidad y sencillez, luz, oscuridad y sencillez: estas son las cosas que dan belleza a este retrato. La obra se exhibió en el Salón de 1806, pero su estilo gótico único y revolucionario provocó la ira de muchos críticos. Posteriormente, Ángel viajó a Italia, donde estudió pintura florentina del siglo XV, con el objetivo de mejorar su estilo hasta el nivel del Renacimiento y transformar la pintura de la época. Una vez dijo: "El arte que no ha sido estudiado en las primeras etapas del desarrollo del arte es a veces más hermoso que el arte que ha alcanzado la perfección en términos de su fundamento". En ese momento, se sentía profundamente atraído por el arte medieval.
En 1824, Ángel abrió su propia escuela en París, y todos los jóvenes que seguían el primitivismo acudieron a él. Sigue un estilo primitivo, sencillo y puro, considera la pintura religiosa su género favorito y está muy interesado en los períodos medieval y renacentista. Cree que la perfección del arte reside en estudiar la naturaleza a través de los griegos y Rafael Sansi, prestando atención a la descripción de los detalles, procurando principalmente líneas limpias y formas suaves. Enfatizó la belleza pura y fría, lo cual era contrario a la visión que David tenía del arte. Sin duda, Ángel dedicó más emoción y entusiasmo a su actitud hacia la antigua Grecia.
Cuando Ingres estaba en la cima de su fama, también era una época en la que el clasicismo enfrentaba su fin y el romanticismo iba en aumento. Tuvo muchas discusiones con Delacroix, el nuevo representante del Romanticismo. El romanticismo enfatizó el uso del color, mientras que el clasicismo enfatizó la integridad de los contornos y el rigor de la composición. La Academia de Bellas Artes controlada por ángeles despreció varios estilos de pintura nuevos y formó un estilo académico.
Ángel gozó de una gran reputación durante su vida y fue enterrado en el famoso cementerio Père Lachaise de París.
La Fuente estuvo en obras desde 65438 hasta 0830 cuando Ángel estaba en Florencia, Italia, pero nunca se completó. Angel concibió originalmente la fuente para imitar los deseos de los maestros italianos cuando pintaron Venus. Ya en 1807 había hecho algunos bocetos, pero más tarde no se ajustaba al estilo de Venus pintado por sus predecesores e intentó simplificar la imagen. Veintiséis años después, a la edad de 76, completó el cuadro. Se dice que un asistente le ayudó a dibujarlo. Por ejemplo, algunos creen que la pintura se completó originalmente con la ayuda de dos de sus alumnos, Paul Balser y Alexander de Goff.
Schopenhauer escribió hace dos siglos: "La apariencia de un hombre es como un jeroglífico, que se puede descifrar... Su apariencia resume todo lo que tiene que decir". "Primavera" Muestra a una chica tranquila y elegante. , con la pureza y juventud únicas, los sueños y la vivacidad de una niña inocente. Bajo el desbordamiento de un manantial claro, complementa el exuberante fondo. En lo que respecta a la imagen en sí, la primavera combina hábilmente la belleza clásica con la belleza del cuerpo femenino. Los músculos de la niña son aún más atractivos debido a las elegantes y suaves curvas de Angel, y los colores también son muy suaves y cambiantes. En cuanto al significado de la obra, la primavera no tiene metáforas oscuras ni críticas artificiales, sino que es sólo el soporte artístico del anhelo de paz y tranquilidad del autor, y el portador de la belleza que el autor ha perseguido a lo largo de su vida.
Un crítico visitó la fuente y dijo: "Esta joven es producto del arte en decadencia del pintor. Su belleza ha superado la de todas las mujeres. Ha condensado su propia belleza y su imagen es más vibrante e ideal".
Angel dedicó su vida a dibujar desnudos, y sus ideas realistas eran particularmente prominentes sólo cuando se enfrentaba a modelos desnudas. Una vez dijo: "La belleza estándar es el producto de la observación constante de hermosos modelos". También creía que la expresividad de una pintura depende del rico conocimiento del dibujo del autor, sin una precisión absoluta, es imposible tener una expresión vívida. . Captar la precisión aproximada equivale a perder la precisión. En ese caso, equivale a crear un personaje ficticio y emociones falsas, y no tienen ninguna emoción.
El último pintor romántico de la pintura clásica absorbió las técnicas realistas de los maestros del Renacimiento y dio pleno juego a sus habilidades para dibujar. La única diferencia es que los desnudos de maestros como Masaccio, Miguel Ángel y Giorgio encarnan un ideal de la época lleno de humanidad, mientras que el ideal que Angel coloca sobre el desnudo es un concepto abstracto de belleza eterna. En realidad, se trata de buscar la expresión de la belleza femenina en la armonía de líneas, formas y colores. Esto es particularmente evidente en sus pinturas de odaliscas turcas desnudas. En sus últimos años, Ángel pintó este cuadro "Primavera", que reflejaba aún más el nuevo concepto de belleza del pintor, es decir, sentía profundamente la necesidad de utilizar métodos de modelado sofisticados para crear un modelo abstracto de belleza clásica. Ángel de 76 años finalmente encontró la combinación perfecta de belleza clásica abstracta y belleza femenina realista concreta que había acumulado en su corazón durante mucho tiempo en esta "primavera".
La ira a menudo reproduce el mismo tema o idea, a veces durante años o incluso décadas. Por ejemplo, hay dos copias de su libro "Luo Zhe y Angelica", ambas publicadas en 1841. Hay cinco volúmenes de "Paolo y Francesca", el primero se publicó en 1819 y los demás se publicaron después de 1856. A veces, en sus cuadros aparecían algunos personajes individuales que habían aparecido en otro cuadro, como la imagen de "La niña bañándose en Vasongping", que reapareció en el cuadro posterior "Hammam" en la Sagrada Comunión La Virgen María fue tomada del; composición del Juramento de Luis XIII, y uno de los ángeles tiene un rostro casi idéntico al de la mujer desnuda de su Amán. Esta pintura "Primavera" es básicamente la misma que "Venus de Anatolia" (pintada en 1848 y ahora en el Museo Gond en Chantilly, Francia. Representa a una diosa nacida de burbujas de agua de mar, por lo que lo que está pintada es Venus surgiendo de ella). las burbujas de agua de mar, rodeadas de muchos pequeños cupidos, con sólo ligeros cambios. Además, fue eliminada la imagen de un grupo de angelitos rodeándola. En el pasado, algunas personas pensaban que esta característica creativa era una manifestación del agotamiento de los pensamientos creativos enojados, pero esto era demasiado arbitrario. Por supuesto, los pintores clasicistas rara vez van a la vida real, excepto para pintar modelos, pero el propio Ángel explicó que esto es una manifestación del espíritu de buscar acercar el sujeto a sus ideales y la imagen más perfecta.
Cuando terminó "Primavera", el pintor le dijo a la gente: "Había cinco compradores al mismo tiempo y alguien saltó sobre mí. Estaban discutiendo y casi les pedí que echaran suertes. "La "primavera" tiene el poder de la gente. Aunque es la encarnación ideal del pintor que ha estado escondido en su corazón durante medio siglo, anhela la calidad pura y hermosa. Una vez colocado sobre el lienzo, uno realmente se maravilla ante las lunas esculpidas y las nubes recortadas del artista. En 1857, el Conde Dmitry (también traducido como Conde Noveno Shatri) compró el manantial y lo convirtió en una colección privada de pinturas. Posteriormente, según el testamento del conde, que perteneció a su familia en 1878, el cuadro fue donado al estado y se convirtió en un tesoro más del Museo del Louvre de París.
Angel está dispuesto a llamarse a sí mismo pintor de historia, porque desde el establecimiento de la Real Academia Francesa de Pintura y Escultura en el siglo XVII, los clasicistas tradicionales siempre han considerado la pintura histórica como el nivel más alto (el primer nivel es pintura histórica, mitología y religión. El segundo nivel es pintura de género y pintura de retratos; el tercer nivel es pintura de paisajes y naturaleza muerta. Sin embargo, desde una perspectiva histórica del arte, las mejores pinturas de Ingres son retratos y retratos. que su mayor logro es el retrato de una mujer
La balsa de la Medusa en el Puerto Rico francés
Este cuadro se inspiró en un escándalo real de la época 19. A principios de A principios de siglo, el Almirantazgo francés nombró a un hombre que no sabía nada de navegación como capitán del barco transoceánico "Medusa". El barco encalló y se hundió en su camino hacia África a través del Estrecho de Brown. Escapó en un pequeño barco. Más de 150 pasajeros y tripulantes detrás, para sobrevivir, construyeron una balsa y se dirigieron hacia el mar.
Cuando fueron rescatados medio mes después, sólo había 15 supervivientes en la balsa y dos murieron tras aterrizar. Este naufragio provocó un fuerte descontento entre los franceses y la marina francesa fue condenada por la opinión pública de todos los ámbitos de la vida. Basado en este hecho real, Rico, un pintor con sentido de la justicia, creó esta obra de fama mundial: "La balsa de Medusa".
Durante el proceso creativo, el artista repasó los recuerdos de los supervivientes, los entrevistó y les pidió orientación. También hizo una balsa similar a Medusa y la hizo flotar él mismo en el mar para obtener el entorno, la atmósfera y la experiencia reales de las cambiantes olas del mar. Concibió la idea durante mucho tiempo y creó varios cuadros sucesivamente. Para recrear verdaderamente la escena de ese momento, él personalmente fue al hospital para observar el estado de los moribundos. Para describir el color del cuerpo del difunto, sumergió el cadáver disecado en agua de mar para observar sus cambios de color. También utilizó como modelo a pacientes con ictericia. Se dice que el enfermo Delacroix fue su modelo. La pintura representa el momento tenso en el que la víctima grita pidiendo ayuda. Gritaron pidiendo botes salvavidas a lo lejos. El artista pintó deliberadamente una vela en el fondo y la balsa fue arrastrada hacia atrás por el viento en contra. El anhelo de las víctimas por los botes salvavidas y la realidad de que los vientos en contra están haciendo retroceder gradualmente las balsas crean tensiones opuestas. La pasión es el espíritu del romanticismo, pero la pirámide de cuerpos humanos en la pintura lleva inevitablemente el legado del clasicismo. En esta pintura, la pasión del Romanticismo se entrelaza con el estilo del Clasicismo, formando una obra maestra de la transición del Clasicismo al Romanticismo.