65438 ¿Se afianzó el impresionismo en París a mediados de los años 1970?

Desde 65438 hasta mediados de los años 1970, el impresionismo estableció su posición en París. Cuando se trata del arte del siglo en el que viven los autores y lectores, definitivamente sufrirán la falta de una actitud desapegada, especialmente en el período de transición en el que la destrucción de lo viejo y el establecimiento de lo nuevo será más difícil de mirar. cuestiones ajenas a nuestros tiempos. Los historiadores del arte están obligados por instinto profesional a acumular un conjunto de lealtades al pasado que surgirán cuando sean desafiadas por el presente.

Siempre que surge este desafío, su actitud hacia lo "moderno" se vuelve un poco emocional, un poco hostil. Por otro lado, el día a día de los críticos de arte los acerca al presente. Cuando se enfrentan a esta hostilidad, tienden a ser igualmente emocionales e innecesariamente agresivos.

Esta situación es inevitable. No debemos lamentarlo, porque la investigación histórica del arte y la crítica de arte (no hay diferencia entre ambas mientras el objeto de la crítica de arte sea el pasado) no tienen valor a menos que se basen en una pasión. Por lo tanto, los lectores deberían abordar este capítulo con cierto escepticismo.

Aunque puedo intentar proyectar el mismo desapego que en capítulos anteriores, también me doy cuenta de que es poco probable que tal intento sea completamente exitoso. La historia no se puede registrar tranquilamente mientras sucede, y el valor no se puede medir mientras aún fluye. Lo que es seguro, sin embargo, es que en las últimas décadas del siglo XIX se estaba gestando una revolución.

A finales de la primera década del siglo XX, adoptó una forma extrema, o más bien algunas formas extremas, porque si bien los revolucionarios podían decir con toda naturalidad que querían destruir el viejo sistema, pero cuando Cuando el viejo sistema es reemplazado por uno nuevo, inevitablemente no están de acuerdo sobre qué forma debería adoptar el nuevo sistema.

A mediados de los años 70, el impresionismo se afianzó en París. En esta batalla, derrotaron a todos los críticos excepto a los más conservadores. Su brillante intento de capturar el momento, aunque sorprendente al principio, desde entonces ha sido reconocido y respetado.

¿A primera vista, George? Seurat (1859-1891), Pablo? ¿Cézanne (1839-1906) y Vicente? ¿Dónde? Gao (1835-1890) parece tener poco parecido. Sin embargo, una vez enfrentados a una pregunta tan fundamental como "¿Cuál es el objetivo principal de un pintor?", los tres obviamente creyeron que el impresionismo no tenía nada que ver con ese objetivo.

Capturar el momento parece no tener nada que ver con estos tres. Si el arte ha de conservar su propósito serio, necesita algo más fundamental. Ambos creían que la pintura impresionista se había vuelto demasiado dependiente del ojo desnudo. No basta simplemente con observar algo fugaz y luego grabarlo con pintura.

En las teorías y pinturas de Seurat se refleja plenamente la lógica francesa posterior a Poussin. Existe la teoría de que incluso si una pintura contiene un tema reconocible, es esencialmente una disposición y combinación diferente de colores y formas a lo largo del plano del lienzo. Muchos artistas del siglo XX repitieron esta frase en diferentes idiomas.

¿Ya en 1890, Morris? Denis dijo una vez: "Recordemos que un cuadro es esencialmente una superficie plana recubierta de colores combinados en un orden determinado antes de mostrar un caballo de guerra, una mujer desnuda o una anécdota, para Seurat es muy importante establecer "algún orden". . Seurat no llevó esta teoría a su conclusión lógica, ni creó arte abstracto abandonando el tema por completo.

Pero en una época en la que los expertos se reunían, era un paso inevitable pasar de la estructura gráfica pura de Seurat al arte abstracto. Hacia 1910, Kandinsky dio este paso. La estructura gráfica de las pinturas de Seurat también fue descubierta por Cézanne en la naturaleza. "Estudiar la naturaleza" fue su grito de guerra.

En su opinión, el análisis en profundidad de las estructuras naturales era completamente diferente de la observación minuciosa de la naturaleza iniciada por Constable y practicada por los impresionistas. La densidad inusual de formas en las pinturas de Cézanne, las composiciones densamente tejidas de sus paisajes y su manipulación del color para lograr efectos arquitectónicos lo hicieron más poderoso, más influyente y más revolucionario que Seurat.

Comparadas con los retratos, naturalezas muertas o paisajes de Cézanne, las obras de cualquier pintor impresionista se han convertido en "invertebrados", y cualquier cuadro de Seurat es deliberado y artificial. En su obra ese momento ha quedado olvidado, junto con la sensación de una determinada hora del día, un determinado clima o incluso una determinada estación del año.

¿Quién puede recordar el clima, el movimiento de las nubes o el brillo de las hojas en los paisajes de Cezanne? Se propuso la difícil tarea de extraer de la naturaleza las figuras geométricas tridimensionales escondidas detrás de la máscara sin descuidarla. Rafael hizo lo mismo en su época, pero con todo un siglo de tradición a sus espaldas, Cézanne tuvo que establecer por sí solo una nueva tradición o, como lo pensamos ahora, reconstruir una tradición perdida.

¿Dónde? La actuación de Gao también es revolucionaria. En comparación, aunque parezca sencillo, resulta más conmovedor. Esta revolución incluyó expresarse con pasión y emociones maníacas, pero también encontrar el equivalente visual de dichas emociones en el lienzo. El ritmo masculino desenfrenado y el color puro y emocional de sus pinceladas lo convirtieron en un artista popular del siglo XX. Una vez que comprendas la violencia moderada de sus pinturas, casi todo el mundo lo elogiará como un genio.

Sobre la base de los cimientos establecidos por estos tres artistas, se ha establecido y aún se está construyendo la estructura principal del arte "moderno". El arte es arquitectura gráfica, el arte es análisis estructural y el arte es expresión de emociones. No se trata de ideas nuevas, pero se combinan en diferentes proporciones, sin precedentes, a expensas de otros aspectos del arte.

Casi toda la pintura y escultura verdaderamente contemporáneas se remonta a uno u otro de estos tres, o a una combinación de los tres. Además, cabe señalar que en el arte actual los artistas no dudan en llevarlo al extremo. En la segunda mitad de la primera década del siglo XX, en las pinturas de Picasso, Braque y Kandinsky, se comprendió por primera vez hasta qué punto la pintura aún tenía que llegar en la línea trazada por Seurat y Cézanne.

Si Seurat marcó el camino del arte abstracto, Cézanne condujo inevitablemente al surgimiento del cubismo. ¿De donde? El alto expresionismo encontró que el suelo cultural de París carecía de simpatía por su pleno desarrollo. Como forma de arte espontánea, el expresionismo encontró seguidores aún más entusiastas en Noruega y Europa Central. Munch (1863-1944) desarrolló el expresionismo con un impulso desesperado; este último tenía una tendencia histérica a enfatizar demasiado el expresionismo.

Hubo un breve experimento "fauvista" con tendencias expresionistas en París, y se liberó completamente en el manejo de la pintura. Es necesario mencionar aquí el otro movimiento "modernista" extremo, el surrealismo. Intenta aislar el mundo ilógico e inconsciente de los sueños y presentar el simbolismo de la manera más realista posible.

Sin embargo, no tiene nada nuevo salvo intentar llevar lo ilógico al límite de una forma lógica. El simbolismo en el nivel subconsciente a menudo proporciona al arte sus efectos más poderosos, y se podría decir que la poesía y la música simplemente no podrían existir sin el libre juego en estos niveles.

Sin embargo, como estilo independiente, el surrealismo en la pintura es absurdo. Demarcar el inconsciente de manera consciente y desapasionada es literalmente un oxímoron. Durante el breve apogeo del surrealismo, su éxito residió en generar conciencia sobre una amplia gama de experiencias y temas que nunca antes se habían explotado plenamente. Así como el arte abstracto aumenta nuestra sensibilidad a la forma pura, el surrealismo aumenta el potencial del tema de la pintura.

El arte abstracto, el cubismo y el fauvismo pueden considerarse, por tanto, las tres principales fuentes del arte "moderno", aunque sus precursores fueron Seurat, Cézanne y Van Gogh. Gao, si te das cuenta de lo completa que es la revolución que lanzaste, me temo que te sorprenderás más o menos.

Durante el período de experimentación artística entre las dos guerras mundiales, quedó claro que el concepto de pintura iniciado por el Renacimiento se había derrumbado por completo, y la legitimidad de una obra de arte ya no podía preguntarse simplemente: "¿Qué revela sobre la experiencia visual?" ¿Qué aspecto? " para realizar pruebas.

La pregunta relevante ahora es: ¿hasta qué punto y con qué propósitos estos tres movimientos revolucionarios absorbieron y combinaron para producir una obra de arte reconociblemente "moderna"?

La palabra "moderno", como término semitécnico utilizado para describir el estilo de una época, resulta algo confusa y embarazosa. Un adjetivo que siempre ha significado "actualizado" ahora tiene su propio conjunto de nuevas connotaciones, que los futuros lexicógrafos deberán considerar.

Estamos acostumbrados a pensar que el mundo en el que vivimos se está desarrollando más rápido que en el pasado, abandonando viejos estilos y desarrollando nuevos estilos más rápido que en el pasado. Hoy, sin embargo, la palabra "moderno" parece tener un significado "estereotipado". Por ejemplo, si los venecianos etiquetaron el estilo temprano de Tiziano como "moderno" en 1520, el mismo término definitivamente no se aplicaría a la obra del mismo artista cincuenta años después.

El "desarrollo" experimentado en esos extraordinarios cincuenta años ciertamente no se ha producido en el último medio siglo. La "modernidad" de 1906 sigue siendo "modernidad" de 1961. Como se señaló en el capítulo anterior, la repentina innovación de Giotto fue seguida por un período de relativo estancamiento en el estilo artístico, una situación que parece repetirse hoy.

Quizás ésta sea una ley inevitable de la evolución, seguida de un período de estancamiento, o más exactamente, un período de digestión. Desde que Picasso escribió Les Demoiselles d'Avignon en 1906 (sin duda la primera obra histórica del "modernismo"), el lenguaje del arte, es decir, el vocabulario formal dirigido por el artista, se ha ampliado enormemente.

Los pintores y escultores actuales parecen tener posibilidades ilimitadas en cuanto a estilos artísticos se refiere. Están liberados de obligaciones estrictas con el mundo de la "apariencia" y al mismo tiempo se sienten confundidos y sin saber qué hacer con su libertad. No estar limitado (o estar limitado por alguna teoría estética en lugar de razones no humanas o religiosas) es estar privado de un propósito inmediato. Porque las actividades humanas sin restricciones son impredecibles y obviamente volátiles, sin importar cuán sinceras y decididas puedan parecer.